¿Son obsoletos los museos?

PAaque de las ciencias, Granada

Parque de las ciencias, Granada

Pensemos en esos sepulcros opulentos que ejercen de guardianes de aquello que en adelante, establecen, deberá ser considerado arte.Esos monumentos dedicados al saber, esas catedrales abstraídas de la realidad, de la cotidianidad, que elogian lo divino, lo trascendente, lo sobrehumano.

Pensemos en los edificios perfectamente planeados, en su orden, en sus colecciones exquisitas, sus obras perfectas, con sus marcos opulentos, sus vitrinas delicadas, los bellos suelos y los techos celestiales. 

Entrar en un museo equivale a entrar en un templo. En el momento en el que nos encontramos dentro aceptamos que lo que ahí se encuentra tiene un valor y significado especiales, muy distintos a lo de aquello que se encuentra fuera. Y comenzamos una especie de… podemos llamarle ritual: bajamos la voz, caminamos lentamente, miramos con respeto, actuamos con cautela.Y los nombres… Los nombres nos permiten la adoración a esos seres que alguna vez fueron hombres pero que dentro se han vuelto dioses.

Y como si de la Meca se tratara, no podemos viajar a París sin visitar el Louvre, o a San Petersburgo e ignorar el Hermitage, a Berlín y pasar de largo ante el Pérgamo. A estos templos debe acudir todo buen turista y religioso.

 El verdadero arte, pensamos, se encuentra ahí. Los únicos verdaderamente grandes se encuentran ahí.  Ser calificados como cultos implica, necesariamente, la cantidad de museos que conocemos y las obras que vimos en ellos.

¿Si? ¿Por qué?

¿Es más válido ir de vacaciones-a donde sea- y meternos a un museo en lugar de ir por un helado y pasar toda la tarde sentados en cualquier parque? ¿Nos volveremos más cultos, mejores personas, veremos las obras más hermosas hechas por hombres (casi dioses), si nos metemos en uno de estos templos en vez de irnos a caminar por cualquier barrio, o leer un libro, o comer,o tomarnos un café?

Este dilema tiene mucho que ver, desde luego, con la pregunta de qué significa el arte actualmente, y la cultura. Especialmente porque  hoy las definiciones de arte y cultura se han modificado y con ellas la idea de institución, donde aquellas se han presentado de manera dominante.

Los museos son estructuras coercitivas de poder, es decir, son instituciones que transmiten una verdad, un significado y la idea de cierta continuidad histórica. Son lugares donde, como hemos dicho, se asigna un valor casi divino a ciertos artistas y se condena al olvido a otros. Los museos propician ciertas asociaciones, ciertos parámetros, incluso cierta visión. Aún más, los museos constituyen una ficción al abstraerse de la realidad; un engaño que se nos ofrece como La Verdad.

La conciencia de estos hechos no ha pasado desapercibida para ciertos artistas y críticos.

Uno de los reproches que éstos hacen es importantísimo: Ya no es posible considerar al arte como un fenómeno aislado. El arte no es ajeno a las realidades del mundo, muy al contrario, éste es una manifestación de aquellas. El arte no puede confinarse a una caja, a un mundo cuadrado y resguardado, que además, genera vicios que no deberían estar relacionados con él mismo. El arte así (no)expuesto y considerado se convierte en una forma de influencia económica y social. El mundo del arte se vuelve una entidad monolítica, una estructura más del poder, una autoridad privilegiada capaz de decretar significados últimos y definitivos, que muy probablemente no tengan nada que ver con la realidad.

Denuncian, también, la transformación del arte en mercancía. El arte así concebido adquiere un valor de mercado y otorga al poseedor del mismo cierto estatus. Esto significa arrancar al arte su pluralidad de significados y colocarlo en un lugar –terrible- de estructura de poder.

¿Qué hacer frente al elitismo del museo?

Muchos detractores se han preguntado esto y han vaticinado la crisis de la caja blanca, pura y definida. Y más todavía: intentando disolver al museo-por fin- en la realidad, han ofrecido varias propuestas que quizás puedan agruparse bajo el nombre de antimuseísticas.

Ya los futuristas anunciaban que destruirían “museos, bibliotecas y academias de todo tipo”. Bruce Chatwin hablaba de la idealidad de saquear los museos cada 50 años (quizás sea demasiado tiempo) y volver a poner en circulación sus colecciones.

Marcel Duchamp con sus readymades sugería que no es el objeto en sí, sino el contexto en el que se contempla (el museo), lo que determina si algo se considera arte o no.

Otros artistas han creado falsas muestras en las que han exhibido objetos absurdos, inadecuados y desproporcionados, que normalmente no se encontrarían en estas instituciones.

Se han presentado también performances, como críticas al museo, entre las que destacan los de la famosa Andrea Fraser quien ataviada como personal del museo ofrece charlas que no tienen nada que ver con lo expuesto, sino que se pierde en comentarios sociales y personales, satirizando y criticando los vínculos entre dinero, fama y posición social de los representantes de la esfera del arte contemporáneo. 

Duchamp, por otro lado, también hizo su propuesta crítica ante la crisis y agotamiento de estas instituciones. Él creó (1941) su museo portátil o Boîte envalise y a partir de entonces, se ha repetido mucho esta propuesta del museo en maletas. Una muy importante es la que llevaron a cabo los catalanes Ignasi Duarte, Dídac P. Lagarriga y Llorenc Bonet en 1996: El museo nacional de arte portátil.

Walter Benjamin planteó la idea–hermosa- del museo imaginario y escribió sobre los personajes, como Eduard Fuchs, un coleccionista de objetos abandonados. André Malraux apoyó esta propuesta e incorporó otras como la del museo sin muros y sin piezas originales, sólo con reproducciones fotográficas.

Se trata de museos que dejan de serlo al disolverse dos elementos que los conforman:  sus espacios que son desestimados, al emplear -ya no edificios cuadrados y cerrados- sino estructuras industriales, estaciones, almacenes, cárceles u hospitales;  y al desaparecer su sustancia: las piezas originales. Uno de los ejemplos actuales más emblemáticos de estos antimuseos es el llamado PS1 (publicschoolone) ContemporaryCenter en Long Island, Queens, Nueva York. Aquí han “expuesto” individuos y grupos más críticos y renovadores, más contraculturales y comprometidos. Sus intervenciones son urbanas, impactantes y efímeras. El personal de mantenimiento y vigilancia está integrado por jóvenes del barrio y los anales de las exposiciones no se plasman en catálogos sino en las paredes de las aulas, en los lavabos, escaleras azoteas y patios del viejo edificio.

En México también existen estas propuestas de museos alternativos. MathiasGoeritz, escultor de origen alemán, creó el Museo del Eco, planteado como reflejo expresionista de la obra de Eduard Munch –El grito-. Este antimuseo (actualmente muy transformado) planteaba una arquitectura emocional, un espacio sensual y multifuncional, con cabida para todo tipo de actividad artística. Francisco Toledo, en Oaxaca, también ha promovido esta desmaterialización y democratización de los espacios culturales.

Cabe destacar y reconocerque este proceso alternativo ha sido aceptado por algunos grandes museos. El Museo de Arte Moderno de Nueva York, por ejemplo, auspició la exposición (auto)crítica: Museum as Muse en 1999 y la Fundació Tapies en Barcelona promovió la llamada TheEnd(s) oftheMuseum en 1995.

Sin embargo, los “profesionales” de los museos, en general, defienden la idea (vieja) de que su trabajo es conservar el legado del pasado en un espacio adecuado. Quizás no quieren darse cuenta de que son arrastrados en otras direcciones por algo más grande y poderoso que ellos mismos. Por nuevas interpretaciones del arte que reivindican a los grupos sociales fuera del poder. No se dan cuenta que el centro se ha partido, que el origen se ha desdibujado y de que el movimiento es constante. Se ubican, y cada vez más personas se dan cuenta de ello, en una ilusión, no se han percatado de que el centro ahora se encuentra en todas partes.

RL

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