Foto: Juliana Wiklund, 2010

(Chile) Alexader Fredés es un artista viajero, Chile, Polonia, Inglaterra, Suecia y Dinamarca, son sólo algunos de los países que han sido testigos de sus creaciones. Su camino de originalidad y de expresión visual, lo han llevado a incursionar en la dirección de arte, la fotografía y la obra gráfica, entre muchas otras propuestas. En entrevista para MilMesetas, Alexander habla de lo que significan ciertas palabras para él.

 Movimiento

 ”Arte es para mí una espiral que está siempre en movimiento. No creo que exista un movimiento o una expresión artística que no tenga raíces en alguna parte. Hacer arte es crear conexiones inesperadas o imprevistas entre elementos que de otra manera podrían considerarse incompatibles o, trasladar elementos desde su ambiente originario a un contexto diverso. El arte es una expresión profunda de individualidad y del deseo de comunicar esa manera individual de ver la realidad.

El potencial creativo existe no sólo en las cosas que socialmente se aceptan como bellas sino también, dentro de lo que es considerado desperdicio o renegado. Si se tiene esta capacidad de ver lo que otros no ven y de encontrar nuevas conexiones más la habilidad técnica (no importando cuál) se está apto para crear y probablemente según las circunstancias, de comunicar esas creaciones u obras de arte.”

Imprevisible.

“Durante una clase de artes plásticas en el tiempo de la escuela básica, el profesor no pidió que hiciéramos una reproducción de cualquier obra de arte a elección. Un libro con esculturas de Picasso cayó en mis manos y entre ellas la imagen de un rostro hecho con varillas metálicas que a pesar de no ser más que contornos daba la sensación de  tridimensionalidad. ¡Fascinante! Sólo varas metálicas… sin embargo, un rostro en tres dimensiones.

Copié en ese entonces esta escultura con los materiales que tenía a mano, o sea con alambres e hilos para unirlos. El resultado, inesperado por supuesto, fue del gusto del profesor que sugirió a mi tutora que deberían cambiarme de escuela y enviarme al preparatorio artístico. No era la primera vez que recibía esta clase de atención ya que desde pequeño había demostrado inclinaciones artísticas de diferentes tipos. No fue sin embargo mi momento adecuado, ya que no existían los medios para enviarme a esa escuela especial y todo quedó en nada. Debería esperar cinco años más para tener el primer contacto con la técnica del óleo.

Grulla, ilustración digital, Alexander Fredés 2010

La primera vez que pinté algo en realidad fue cuando me hice miembro del club de pintura en la escuela secundaria. Allí aprendí a usar la técnica del óleo pintando naturalezas muertas y estudiando la técnica de los grandes pintores, especialmente, los impresionistas. Durante mis años en la universidad fui en forma paralela a una academia privada de arte en la que estuve tres años experimentando con diferentes técnicas y materiales. Allí recibí por primera vez el primer premio en la exposición de estudiantes por mi pintura experimental. Después de ese periodo continué pintando especialmente con óleo sobre tela por varios años hasta que decidí que debería parar ya que no tenía en verdad nada que decir o expresar.

Muchos años después, y ya radicado en Suecia, en 1987 llegó a mis manos mi primera cámara fotográfica que me hizo descubrir una nueva manera de ver las cosas. Descubrí cuán interesante es capturar momentos, hacer retratos de personas, de transmitir un hecho mostrando sólo un “momento congelado”. A fines de los ’80 tuve la oportunidad de mostrar mi trabajo fotográfico en una exposición colectiva en la Casa de la Fotografía (Fotohuset) en Gotemburgo, Suecia.”

 Casualidades.

“Mis primeros contactos con las artes gráficas y la tipografía fueron cuando entré a la Escuela de Publicidad y Medios de Comunicación de la Universidad Técnica del Estado, en Santiago de Chile. En ese entonces no tenía ninguna idea de la conexión entre hechos, formas, colores, líneas ni tampoco del momento en que se vivía. Había crecido en un ambiente protegido, lejos de la realidad. Abrir los ojos y ver, me costó algunos años. Esto, sin embargo nunca ha sido en mi caso una desventaja porque me ha permitido conservar la manera pueril de acercarse al mundo, la curiosidad de lo imprevisto y el- no -sentirme- atado a ninguna regla, grupo ni pertenencia de ningún tipo.

En 1990 entré a la Escuela de Diseño y Artes Aplicadas de la Universidad de Gotemburgo en Suecia (HDK, Göteborgsuniversitetet). Un fantástico nuevo mundo se abrió ante mis ojos. Durante cinco años tuve la oportunidad de conocer y experimentar con todo tipo de técnicas y materiales. Trabajé con todo el espectro de recursos que la escuela ofrecía y no sólo con diseño gráfico sino con diseño integrado, es decir borrando todo tipo de barreras entre las diferentes especialidades. Personalmente, comencé a pintar acuarela por la facilidad de poder andar trayendo los colores conmigo, especialmente en los viajes, y en vez de la cámara fotográfica (tengo varios libros de bosquejos a la acuarela, de esos años).

En 1992 me ofrecieron hacer una exposición en Szczecin, Polonia en que presenté una colección llamada Tonos de la Naturaleza (Shades of Nature). Una serie de acuarelas inspiradas en la naturaleza de la costa oeste de Suecia. Entre los años ‘91-’94 participé en diferentes exhibiciones conjuntas, más que nada con relación a las escuelas en que estaba estudiando. “

 Inspiración

Foto Alexander Fredés, Roma 2010

“No sigo las tendencias y lo que hago no se parece en general a nada o sea es individual y es esta individualidad, la que caracteriza mi personalidad y mi manera de ver o sentir la realidad. A veces tengo éxito en comunicar mis ideas otras, quedan archivadas en espera de tiempos mejores, tal vez para cuando el espectador esté maduro para ver y entender lo que mira.

Las técnicas digitales y sus expresiones en nuestros entornos inspiran mis trabajos presentes. Me puedo inspirar en lo que me está sucediendo en ese momento, en una conversación, en el encuentro de una persona, en una relación y e los medios de comunicación en general.

Tengo una insaciable curiosidad que me hace pensar en imágenes en todas partes. Si en ese momento tengo una cámara, tomo una fotografía; si no, escribo mis pensamientos para después usarlos en mis creaciones. El material o la técnica que use, no es de ninguna manera decisivo para expresar mis ideas, lo importante es lo que necesito expresar y lo que quiero que los demás vean y capten, con la esperanza de que mi obra les comunique algo.

En los últimos años he estado invitado a participar en varias muestras colectivas, sin embargo, me he visto forzado a rechazar las invitaciones por razones de costos. En el otoño del 2008 participé, sin embargo, en una muestra colectiva en Estocolmo, Suecia, con colegas de la Asociación de Ilustradores Suecos. Debido a que trabajo como Art Director, pensé que lo más representativo para mí en ese entonces era presentar una colección de afiches en que enlacé las técnicas digitales con la fotografía, tipografía y la pintura. Cada afiche está basado en una frase, palabras, textos y de allí las formas y los colores, en otras palabras, presenté ilustraciones.

En los dos últimos años he seguido trabajando con técnicas digitales mezcladas con pintura y otros materiales (telas, hilos metálicos, láminas metálicas, luz) dependiendo de cuál es el pensamiento y texto que me inspiran.”

Alexander L Fredés

Art Director/Graphic Designer (MFA)

email: alexander.fredes@gmail.com

www. alexanderfredes.com

Y? (Why?), mixed media, Alexander Fredés 2009

AM/RL

(Chile) Es un destacado pianista chileno. Recibió su formación musical en Chile con el maestro Oscar Gacitúa, luego en Polonia con Prof. Katarzyna Popowa-Zydron (Master of Fine Arts en 1997), culminando sus estudios formales con un posgrado de más de dos años en el célebre Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, en la clase del afamado concertista y pedagogo ruso, Víctor Merzhanov.

Ha realizado su carrera principalmente en países de Europa y Latinoamérica, con diversas actuaciones en importantes salas del Reino Unido, Alemania, Francia, España, Polonia, Rusia, Rumania, Italia, Hungría, Argentina, Perú y Chile. Michio Nishihara Toro ha impartido clases magistrales  en el Conservatorio Nacional de Lima y en el Conservatorio de Sevilla

A.I: Michio, ¿quiénes fueron tus primeras influencias?

Mis primeras influencias fueron unos discos de Chopin, en una cara venía el Concierto en fa menor tocado por Ashkenazy, y en la otra cara (era un vinilo) venían reproducciones de grabaciones muy antiguas de Chopin, entre otros de Busoni y D´Albert. El otro disco era uno doble con los 21 nocturnos.

A.I: ¿Cómo te iniciaste en el arte de la música?

En Antofagasta me inscribieron en el Conservatorio de Antonino Toro donde mi profesor fue Mario Baeza, ahí fueron mis primeras clases y encuentros con el piano.

A.I: ¿Cómo se mezclan y/o complementan tus trabajos?

Afortunadamente mi trabajo ha sido solo uno, tocar y preparar mis conciertos…, no me  he dedicado mucho a la docencia, aparte de algunas clases maestras y clínicas por ahí; aunque ahora estoy creando una academia de piano clásico en Santiago así que ahí si creo que voy a  tener que complementar distintos tipos de actividades. Cuando pruebe bien cómo funciona la mezcla, ahí te cuento.

A.I: ¿En qué te inspiras?

No hablaría de inspiración, no soy compositor, solo un ejecutante…más que inspiración pensaría en una especie de emocionalidad controlada y re-ordenada que uno debe desarrollar: la música es a veces para uno como una avalancha de sentimientos y sensaciones, y uno como “intérprete” o mediador, entre ella y el oyente, debe ser capaz de ordenar esa avalancha, poder reorganizarla en términos que sean de alguna forma  comprensibles, claros y visibles para el oyente.

A.I: ¿Qué es la música para ti?

La música es lo más bello que existe en el mundo, por lejos.

A.I: ¿Cuál ha sido tu proyecto más importante, Actualmente, estás en alguno?

Mi proyecto es siempre el mismo, tener uno o dos programas y poder llevarlos a la gente; luego esta el proyecto de la exploración de nuevos repertorios, nuevas obras, y también un desarrollo personal de uno mismo, que en el intérprete también existe…, no se trata de hacer siempre “lo mismo” y dar “más de lo mismo”, debería ser siempre algo nuevo, fresco y estimulante.

A.I: ¿Metafóricamente qué es: el sonido y la música?

El sonido es nada. La música es un misterio, como el amor o la esperanza, que existen y no nos explicamos el por qué ni para qué. La diferencia es que la música la inventamos nosotros, supuestamente…

A.I: ¿Michio, cuál es tu sueño?

Mi sueño es que cada vez me importe menos aún el qué dirán y lo que diga la gente, poder liberarme y relajarme, para tocar la sonata de Liszt, entre otras cosas.

A.I: ¿Cuál es tu visión de mundo y cómo se traduce esa visión en tus interpretaciones o en los repertorios que eliges interpretar?

Mi visión de mundo es “Se vive una sola vez: aquí y ahora”  y se traduce dándolo todo en el escenario, sin cálculos de ninguna especie.

A.I: ¿Michio, sí pudieses llevarme por un tour “artístico musical” a dónde iríamos?

A Moscú.

Música disponible en los siguientes sitios:

www.myspace.com/nishiharatoro

www.youtube.com/user/nishiharatoro

AM/RL

(C hile)A.I: ¿Quién eres?

V.L: Un creador y devorador de historias de horror. Nací en Machalí, específicamente en Coya, un pequeño sitio cordillerano ubicado al noroeste de Rancagua. Desde pequeño llamó mi atención la literatura y el comic, como uno sde mis primeros escritores favoritos recuerdo a Mark Twain y a Edgar Allan Poe.

A la edad de 11 años participé en una especie de grupo  de Arte Subversivo en el Internado Nacional Barros Arana  de Santiago, el grupo se llamaba  ATOMIC FLATULENCE, básicamente fue mis inicios en el arte, nos juntábamos a escuchar discos de Thrash Metal y Hard-Core Punk y escribíamos historias de horror y algunos comics, y al mismo tiempo saboteábamos cualquier manifestación artística que fuera considerada mediocre por nosotros.

De ese tiempo recuerdo algunas historietas como La Mancha, Cañete, el Pordiosero, etc, etc. Y un cuento de terror llamado Síndrome de la carne muerta ( una ridícula historia de zombies en donde yo era el héroe, que destruía la plaga de muertos vivientes sentado en una silla de ruedas, jajaja)… Me expulsaron del Internado en Segundo Medio a la edad de 14 años, bueno casi 15 en realidad y ese cambio, me marcó por siempre. Al llegar a Rancagua, entablé amistad con Gustavo Daza (Director de Arte y Profesor de la Escuela de Cine de Chile), con él comenzamos a compartir nuestra afición por la Literatura y el Arte en general. En esa época descubrí la poesía de Rimbaud, Mallarmé, Corbier, Baudelaire y Bukowsky, casi sin pensarlo comencé a escribir poesía, lo único que conseguí crear fue un libro llamado “Súcubos en el olvido”, que nunca fue publicado pero si fue interpretado en un recital de poesía hecho en la Universidad de Rancagua. Fue Gustavo quién me dijo que mi manera de escribir eran como epígrafes, por lo que decidí lanzarme a escribir cuentos. De esa etapa  nacieron relatos influidos por el consumo de la codeína: Niños en negro,  Insomnio, etc. Algunos de ellos aparecen publicados en mi blog EL INFIERNO NO ES UN MAL LUGAR PARA ESTAR. En esa misma época gané una tercera mención con un cuento de zombies llamado “Ciudad Sitiada”,  hecho por la Municipalidad de Rancagua.

 Al cumplir 19 años emigré a la Serena y estudie Diseño Gráfico carrera que deseché y me seguí dedicando a escribir.  A los 22 años entré a la Escuela de Teatro LA CASA del maestro Fernando Cuadra, en realidad no sabía mucho de Teatro, creo que lo hice como forma de terapia para calmar mi destrozado sistema nervioso. Allí, conseguí crear algunas piezas teatrales, escribí una obra caótica de seres que consumían codeína llamada JODIANA que fue representada en el Teatro San Martin de Rancagua ante un pequeño grupo de drogadictos, punks e idiotas. Si bien, la obra no fue un fracaso, marcó un principio y un fin en mi manera de contemplar la vida.

Decidí abandonar para siempre mis estudios de Teatro y dedicarme de lleno a la escritura. Entablé amistad con Alonso Salazar un artista plástico y dibujante de comics y creamos una revista de historietas llamada “Heroicomics”, de esa relación surgieron los personajes: CHARLIE DE LA MANSO, EL JOROBADO DE LA CATEDRAL, EL YEISON, DEPREDADOG y otras más, algunas de ellas fueron ilustradas por un muchacho de 14 años llamado Diego Donoso con quién tiempo después volví a trabajar. Sacamos dos números de Heroicomics, en la segunda edición pasé a formar parte del staff de la revista y Alonso Salazar (Loncho) me propuso que hiciéramos un comic-book basado en uno de los personajes que aparecía en la revista, un superhéroe, el hombre de cobre Sewellman. El comic-book fue bastante conocido y algunas ediciones se venden por internet todavía… el personaje había sido creado originalmente por Guillermo Valderrama y Alonso Salazar, lo que hice fue básicamente crear mi propia versión  del personaje y más que un súper héroe Sewellman, se transformó en un ser taciturno con profundos traumas…

Al mismo tiempo que me dedicaba a las historietas, seguía creando historias de horror, algo particularmente extraño sucedió con dos de mis relatos. El primero llamado “Vampírica”, fue devorado ávidamente por los adictos a la literatura en la red (Aún circula de página en página, sin mi autorización, no importa, me encanta que el relato sea uno de los más leídos y que mi nombre se asocie con ese cuento). El otro relato fue el “Diario de la Señora Lastarria”, este estuvo inspirado en el mito de Tito Lastarria y hubo personas que creyeron que el diario…, el cual está escrito en primera persona por la supuesta madre de Tito Lastarria, era legítimo y sirvió para resucitar el mito del vampiro o nigromante rancagüino, de hecho fui entrevistado para un teaser realizado por Pablo del Real que sirvió como esqueleto para el documental basado en la leyenda rancagüina.

 Actualmente mis relatos están esparcidos por la red y tengo un comic-book junto a Diego Donoso, esperando por salir. He abandonado momentáneamente la literatura para dedicarme a la música canto en una banda, o grito en una banda de Thrash Metal llamada “Madhouse” y sigo escribiendo…

 Sí quieren saber más de mí, mi página es: http://qkazufer.wordpress.com/

 Eso es todo  a tengo 34 -35 años cumpliré en Septiembre… y amo a Satán. Ja ja ja.

RL

 Actuación.

 ”En el colegio siendo una niña muy tímida, mi profesora de Lenguaje y Comunicación fue la impulsora para conocer de lleno el mundo de la actuación… y encontré en este mundo mi verdadera pasión, luego estudié la carrera en el Teatro La Casa, y Pedagogía Teatral en  Pontificia Universidad Católica. Debido a mi formación, como actriz no reposo en mi búsqueda de las emociones y como pedagóga busco  que los demás abran su alma , intento que  encuentren en sí mismos la magia de controlar y vivir  las emociones: conociendo así la actuación.: n cada  proceso creativo se llega a uno de los tantos objetivos, el  montar y transmitir en el  escenario todo lo que podemos y queremos dar”.

  Inspiraciòn.

  ”Me inspira la vida, la muerte, lo que me detengo a ver. Siempre hay algo  más allá de lo que cada persona mantiene como postura, como armadura….

Cada montaje de teatro infantil que he realizado ha tenido como objetivo enseñar a los más pequeños el mundo de la imaginación,  que es algo que debemos mantener como un gran tesoro, para no olvidar soñar y  luego cumplir con  lo que se sueña… Cada montaje para adultos que hago, busco  temáticas reales que suceden en la vida diaria de cada espectador. Soy de la idea de llevar a cabo las puestas en escena de tal forma que de dejen entrever las cosas sutiles que olvidamos ver …

 En los variados estilos teatrales se puede llagar transmitir lo que esperamos transmitir, pero mi objetivo personal es que el espectador se encuentre en una situación de análisis luego de ver cada montaje.”.

 Carola hoy.

“Hace casi ya 2 años, me levanto todos los días muy temprano  para ir a la oficina en que trabajo de 9 de la mañana  a 7 de la tarde, mantengo una vida estable por un  tiempo hasta lograr cumplir mi sueño que es comprar mi departamento. Chile  tiene muchas cosas buenas, pero lamentablemente no cuida a sus artistas en muchos aspectos, entonces muchos actores como yo, que no hemos llegado a la fama televisiva, no tenemos otra opción que ser infieles a lo que estudiamos, entregando parte de tu vida teatral a otros rubros para lograr solvencia financiera. Para mi no es sólo cumplir con lo que la sociedad te impone en cierto modo, sino cumplir conmigo, para mi  tranquilidad y tener , desde luego, donde luego envejecer…

Mi tarea por el momento es día  a día absorver otras realidades, que pronto espero poner en escena, en lo que más me apasiona: el escenario, porque ya no aguanto la nostalgia, empezaré en doble jornada a trabajar a uno de mis autores chilenos favoritos: Luis Alberto Heiremans. Su obra, pese al paso del tiempo, cobra fuerza y vigencia y en sus personajes las palabras brotan estremecedoras, nos acercan a nosotros mismos, resultan capaces de sacudir y eso es lo que quiero…”

RL

Ronald Saá Zúñiga, nació en la ciudad de Santiago de Chile,  y cuando contaba con apenas unos pocos meses de vida, su familia se mudó a la ciudad de Viña del Mar, donde permaneció a lo menos por 4 años. Luego se mudaron Argentina, recorriendo varias ciudades de ese país. Fue en esta travesía que se desarrolló aen el ámbito artístico. Sus padres  Violeta Zúñiga, cantante y Orlando Saá, guitarrista, fueron sus influencias directas del mundo artístico bohemio.  Siempre estuvo presente en las actuaciones de sus padres por lo que, de una u otra forma, siempre estuvo ligado al mundo de la música. Su madre lo inscribió en  clases de piano y de baile . Al retornar a Chile, ya de adolescente estudiaó locución para radio y TV. A partir de ahí participó en “Radio Minería”, realizando comerciales en off, aperturas de desfiles de modas, etc.  Más adelante encontraría otro camino que lo adentraba de otra manera en el arte: el maquillaje.

 A.I: ¿Cómo te iniciaste en el mundo del maquillaje?

Me inicie en el mundo del maquillaje  a partir de una conversación, donde creí ver que tenía manos para esto. Estudié en Santiago de Chile en la Academia “Levinia Manfredini” obtuve mi título de Maquillador Social y Artístico. Actualmente me encuentro estudiando para estilista para complementar lo anterior, ya que, es de suma importancia manejar las dos áreas que van de la mano. 

A.I: ¿Cuál es la diferencia entre el maquillaje social y el artístico?

El Maquillaje Social, más que nada es el usado en una boda, para las madrinas, para pasarelas, fotografías, casting, etc. Donde se desarrolla lo que solicitan para los diferentes eventos, uno como profesional debe tener presente las características de personalidad, facciones y vestimenta que se usará, con el propósito de realzar las características de la belleza de los clientes para que se sienta na gusto cuando uno haya terminado el trabajo, se realiza una charla previa para conocer las inquietudes en general. 

En lo Artístico, eel maquillaje es creación, como es el caso de una máscara de látex … uno de mis trabajos mas emblemáticos la realización de una mascara para la titulación de unos alumnos de comunicación audiovisual de la ciudad de Concepción. Estuvimos grabando por más de un mes y la preparación del actor duraba aproximadamente tres horas comenzando a las 7 a.m. hasta las 10.00 a.m… 

A.I: Actualmente, ¿Cuáles son tus proyectos?

Trabajo en forma independiente realizando Maquillaje para CNN CHILE, y lo que estoy realizando hoy son caracterizaciones  para victimas y testigos para proteger su identidad en casos judiciales ante la Fiscalía Oriente de la ciudad de Santiago de Chile. Hoy por hoy estoy esperando algunos proyectos que están en carpeta, tanto en maquillaje como en la asistencia de peluquería, para algunas series de Televisión. 

RL

“Nací en  Cutral-có, Provincia de Neuquén, Argentina. No tengo influencias artísticas de parte de mi familia. Mi padre es Ceferino Zúñiga, Chef y Funcionario Municipal, mi madre es Norma Cuevas, ama de casa.”

A.I: Pablo, te conozco desde el profesorado de Lengua y Literatura, ¿Fue ahí que comenzó tu gusto por escribir o un tiempo antes?

En la narrativa me inicié empezando la carrera de Lengua y Literatura como bien dices. Pero un libro que me inspiró a escribir mi novela fue El obsceno pájaro de la noche de José Donoso y luego leí a Isabel Allende. Creo que, fue ahí que hice clic y comencé a escribir. . Ni hablar de Borges, aunque el señor no me banca mucho… ja ja ja, en sueños siempre viene a denigrarme… pero en fin. Dicen que uso ciertos simbolismos de él, de Neruda y de Lorca, aunque a la hora de escribir no me fijo en eso, son los espíritus de los personajes los que escriben a través de mí. Creo que hay puntos de fuga que me hacen crear. Escucho algo, veo algo, pienso algo y voy armando un rompecabezas, que después uno o  desarmo hasta que queda en escritura. Una ficción que va conformando la novela, relato o cuento. La temática que me gusta plantear es la realidad en la que estamos sumergidos, pero con un poco magia y poesía para alivianar o descolocar al lector. Me gusta mezclar el caos y el orden, la muerte, el amor, la pasión, el sexo, los sentimientos, el sueño como muestra de realidad o manifestación de un hecho a pasar.

A.I: Pablo, háblanos de tu actual proyecto “Buscando un amor”

“Buscando un amor” es la continuación de mi primera novela “La última excusa para suicidarse” Editar el primer libro fue una sensación de alivio y tener guardado la continuación de éste era como matarlo en cámara lenta. Le di vida y cada vez que un lector lo lea le dará vida nuevamente. Los espíritus de Clara y Renán, nuevamente flotaran por el suspiro del aire.

A.I: Qué significa el título de tu obra.

Titularlo fue lo que más me costó de todo el proceso de escritura. Quería un título impactante, que al verlo diera ganas de leerlo, y entre charlas con mates y sesiones de estudio en mi casa, le mostré a dos fieles amigas mi boceto de novela y de ahí nació “La última excusa para suicidarse” El lector deberá descubrir si hay una última excusa para suicidarse o no.

A.I:  Pablo, sí pudieses llevarme por un tour “artístico narrativo” por tu ciudad, a dónde iríamos.

Te llevaría a mi trabajo, a la biblioteca. Es ahí  donde me sumerjo entre las estanterías de libros e imagino. No puede haber mejor trabajo para un escritor que trabajar en una biblioteca. Luego te llevaría a los cafés literarios.

RL

“A eso de los 5 años apareció una cámara fotográfica muy simple en mi casa, no sé bien quien la compró, pero la encontré  y la abría y disparaba y observaba esa porción de segundo en el que pasa la luz, era como un juguete al que respetaba, nunca tomé una fotografía con ella. No sé qué fue de esa cámara, pero la recuerdo perfectamente.”

 ”Mis comienzos en la fotografía tienen que ver con mi adolescencia, yo tenía una cámara de esas automáticas familiares de negativo, y me la pasaba sacando fotos a mis amigos, como si fueran modelos, me acuerdo que siempre le ponía negativo en blanco y negro…  A los 17 años comencé a estudiar actuación, y por esa época, los fotografiados con cámara casera eran mis propios compañeros de actuación, le dedicaba muchísimo tiempo a esto, hasta que alguien me dijo, “¿Por qué no estudias fotografía?” Parece mentira, a mi no se me había ocurrido para nada, pero en ese momento me pareció lo mejor que podía hacer. Al otro día ya estaba anotado y buscando una cámara como la que me habían recomendado ahí, en el “Fotoclub Argentino” Reflex mecánica. Empecé a estudiar y me atrapó muchísimo, y comencé a tomar fotografías con mas técnica. Los fotografiados seguían siendo mis compañeros, pero para ese momento, ya tenía una lista de estudiantes de actuación esperando ser fotografiados. Entonces decidí cobrar un mínimo como para pagar mis clases. Esta foto en blanco y negro, es la primera por la que cobré en mi vida.”

 A.I: ¿Cómo se mezclan y/o complementan tu trabajos como fotógrafo de modas y el Teatro?

Hasta hace cinco años, dividía mi tiempo entre actuación y fotografía, y la actuación era mi principal ingreso, y era lo que mas tiempo me llevaba. Fue recién cuando instalé mi estudio que comencé a “palpitar” fotografía todo el tiempo, tener mi estudio era como tener mi sala de ensayo, comencé a hacer  fotos todo el tiempo y a dejar de poner tanta energía en la actuación, digamos que el paso de una cosa a la otra se dio de manera apasionada y natural. Está claro que no haría las fotos que hoy hago sino hubiera sido actor tanto tiempo, busco la realidad, las emociones, la estética, el concepto, y dirijo a los modelos como si fueran actores para que transmitan su mundo en cada foto.

En estas coloridas imágenes que corresponden a la última producción de moda realizada para la revista D, se puede ver esto que digo, si no se cree en las posturas y actitud de los modelos…   no me gusta…

A.I: ¿Qué aportes brindas a la fotografía?

Yo te diría que le aporto pasión, honestidad en cuanto a que hago lo que creo interesante antes que lo que está de moda, y sobre todo, esa mezcla de drama teatral con moda, la moda me encanta… Parece paradójico decir que hago lo que me gusta más allá de lo que está de moda, siendo moda el rubro en el que más me desarrollo, pero es así como realmente lo veo

 A.I: ¿Cómo es un día de trabajo tuyo?

Depende, cada día es diferente. Cuando planificamos fotos, nos reunimos a hacer lluvia de conceptos y de estéticas, y si estamos en producción, me levanto temprano, desayuno bien, me tomo un buen rato a la mañana y empiezo a trabajar, bastante simple… Pero como te decía, cada día es diferente, hay días donde hago retoques de mis fotos, otros donde hacemos casting, otros en los que visito una locación y la registro para ver las posibilidades que brinda para una producción, esto implica muchas veces viajar. Jamás realizo una producción sin haber visitado antes la locación.

 A.I: Actualmente’ ¿Estás en algún proyecto?

Si, la verdad es que estoy en varias cosas, planeando dos muestras de temas que me interesan, pero te los cuento la próxima porque los estoy desarrollando, planificando campañas para algunas marcas y planificando un viaje…

 A.I: ¿Cuál ha sido tu proyecto más importante?

Fue ir a Puerto Rico, un lugar absolutamente desconocido hasta ese momento, como te dije visito todas las locaciones, y tenía que hacer varias campañas y producciones de moda, así que pasé  diez días como un sabueso buscando el mejor plano, recorrí toda la isla e islas cercanas… Fue espectacular.

 A.I: Metafóricamente: Qué es la luz, el objeto y la composición fotográfica.

La luz podría ser el todo, la VERDAD, el Objeto el el PROTAGONISTA y la composición la CULTURA

 A.I: Sí pudieses llevarme por un tour “artístico fotográfico” por tu ciudad, ¿a dónde iríamos?

Sin duda empezaríamos caminando por la esquina de mi casa, y llegaríamos a cualquier lugar…  El arte anda por ahí.

RL

(Chile) Roberto Valdés Contreras,  hijo menor de tres hermanos, estudió fotografía  porque le resultaba fascinante la idea de contar historias a través de imágenes fijas, luego le inquieto la idea de contar sus historias  por un medio más masivo:  la televisión y comienza a estudiar Comunicación Audiovisual en la Universidad.

“Un día mientras estudiaba en el patio de mi escuela vi un cartel pegado donde, la Escuela de Teatro que pertenece a la misma Universidad, convocaba a un concurso de dramaturgia, yo entonces escribía muchos cuentos y me aventuré a este concurso adaptando un cuento llamado “El Ángel del piso diez” que fue seleccionada  y fue llevaba a las tablas por una Compañía de Teatro nacida en la misma Escuela. El día del estreno, me di cuenta de la magia del teatro…, ver mi creación, los personajes que sólo los había visto en mi mente ahora tenían vida y decían lo mismo que una vez pensé que dirían y desde ese momento  el teatro me enamoró. Quizás eso fue lo que mas sorprendió al momento de presentarle a mi familia mi inquietud por ligarme a este mundo de colores, mágia, música e historias que me hacían soñar. Fue un amor a primera vista y sigo enamorado del teatro tanto como el primer día. Desde ese momento no paré más de escribir. En la universidad me cambié de la especialidad de televisión a una mención en guiones de cine y televisión que hoy en día me dan de comer y me ayudan a mantener a mi amante: el teatro”

A.I: Se podría decir entonces que ¿Todo comenzó después de esa experiencia?

Ahí comenzó todo este coqueteo con  las tablas y la escritura, una mezcla ideal para una persona que quiere contar cosas y tener una respuesta inmediata. La reacción del público, las risas, las lágrimas a medio secar, las caritas de angustia y las carcajadas que el público agradece con aplauso que indica que uno cumplió con su trabajo y lo hizo bien… tiene que ser así porque que el teatro merece dedicación y hay que hacerlo con el corazón porque el público se merece un buen espectáculo y nosotros como creadores y ejecutantes debemos sentirnos satisfechos de que entregamos lo mejor  para que la gente la pase bien,  porque esa es nuestra principal motivación que la gente se vaya más contenta de cómo llegó.

A.I: ¿Existe, para ti alguna diferencia entre escribir guiones y obras dramático teatral?

Entre escribir guiones y escribir una obra de teatro hay muchos diferencias, las principal es que el guión siempre es “para ayer”, en cambio las obras teatrales tienen un proceso de creación más lento y mucho más personal porque es una  visión personal sobre algún hecho o  una historia que se quiere contar.

A medida que sigo escribiendo teatro también me he involucrado en la dirección de mis propios textos que sin duda son una experiencia fabulosa. No hay intermedios entre el autor y el director, ya que, el mensaje es tal cual uno lo pensó y no es la interpretación que puede hacer otro director al momento de montar la misma obra, lo que tampoco quiere decir, que una dirección mediada no tenga el mismo impacto que uno pensó. Al contrario, pienso que es muy atractivo tomar un texto y montarlo distinto a lo que pensó el autor y es la gracia del teatro: que se pueden tener miles de variantes en la obra, puede ser contada de mil maneras.

A.I: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

Una vez me preguntaron en qué te inspiras, de dónde sacas tantas ideas. Y eso no es difícil de explicar porque las historias están en todas partes, en las señoras que conversan en el metro, en los olores de la feria, en el abuelo sentado en la plaza dándole de comer a las palomas, quizás es mi formación como fotógrafo que en todos lados ando viendo escenas, la luz, el sonido, los aromas. Las personas todas tienen sus historias,  sólo hay que poner atención y mirar el entorno. No estamos solos en la tierra, no sólo lo que nos pasa a nosotros es digno de contar,  hay que estar atento. Me pasa seguido que me dicen “mi historia la podrías escribir” y claramente se podría hacer pero también uno tiene que tener en cuenta que hay que dosificar la información, la gente quiere verse reflejada en las historias y yo como dramaturgo intento hacerlo, crear obras que empatisen con el público.

A.I: ¿Cuál es el género que más te gusta trabajar o en el que te sientes más cómodo?

Cada autor tiene su género favorito, el que le acomoda más y que va con su estilo de narración , mis trabajos tienen una línea que las conecta, un lenguaje simple en donde el peso dramático lo tienen los personajes más que la historia, si bien existe una línea dramática tradicional en la narración de la obra los personajes bien trabajados son lo que al público llama más la atención,. Muchas veces no se acuerdan de qué trataba la historia pero si se acuerdan perfectamente de los personajes. Y para mí eso es lo importante. Si me pidieran escoger un genero sin lugar a dudas elegiría la comedia, si bien, tiene mucho trabajo porque en teatro la comedia no es el chiste fácil, sino que la situación creada que genera una situación cómica y se me hace fácil este tema, diría que hacer reír es lo que mas me gusta, que la gente me agradezca al final de la obra o que se siga hablando durante días de lo mismo o que gente adopte frases de la obra y la use en su vida diaria me llena de alegría y me doy por pagado.

A.I: ¿Cuál es tu aporte a la dramaturgia ?

Quizás es no tratar temas repetidos y añejos si no que buscar cosas simples que hagan que la gente agradezca y hagan que se vayan con el corazón gordito agradeciendo lo bien que lo pasaron. Lo hablo mucho con mis amigos y pupilos uno no tiene que escribir para gente que sabe de teatro sino que tiene que escribir para los que nunca van al teatro y cautivarlos con este arte de las representaciones, yo no escribo para jurados ni para críticos, lo hago  para gente que lo quiere pasar bien sin obviar tampoco los contenidos de cada obra. Si se cuenta todo de una  forma más entretenida genial para ellos y muy bien para uno como autor.

A.I: ¿Cuáles son tus proyectos próximos?

Actualmente estoy trabajando en varios proyectos, tanto en las artes escénicas como en productos audiovisuales. Con un grupo de actores muy talentosos, estamos en un proyecto de creación y difusión de un Sitcom a través de la red que nos tiene bien entusiasmados y bueno, el teatro no puede faltar, así que trabajando en algunos proyectos en obras infantiles y obras a pedido que son un reto el plasmar ideas que a otros se les  ocurren como historias creíbles por mas fantásticas que parezcan.

En resumen soy un amante del teatro. Nunca he estudiado nada que tenga que ver con este género, todo lo que he aprendido es por inicitativa propia porque un día el bichito del teatro me picó y tan fuerte que aún tengo la comezón de seguir haciendo teatro y espero que esta comezón siga por mucho tiempo más.

RL

Estudió teatro en el  Instituto Profesional Teatro la Casa. Actualmente  trabaja en tres proyectos  y crea dos más para fin de año. Es fundador de la compañía “Contrakara Teatro” con más de 8 años de trayectoria auto gestionada, en los cuales han destacado montajes teatrales tales como “Voyeur o Antes de morir”, “Prívate”, “La Erección” esta última basada en “La lección” de Eugene Ionesco, obra  que fue invitada al “Festival de Cloacas del Mundo- Teatro de Vanguardia” en Jaén España en el 2008.En la dramaturgia se destacan algunos de sus textos como “Voyeur o Antes de morir”, “Prívate”, “A media luz o Recuerdos de Medianoche”, “Lluvia Blanca” y la más reciente, hace poco con dos temporadas en cartelera, “Divina Decadencia”, dirigida por la joven directora y actriz Ángela González.

“Mis nuevas proyectos son bien variados, estoy mezclando estilos y formas. Por ejemplo estoy terminando de escribir mi próximo proyecto teatral  titulado “Huésped”  que será estrenada con mi nueva compañía llamada Psychodolls. Ahí rescato todo el género del cine “Giallo” italiano y digamos que de algún modo hago un humilde tributo a dos de los grandes maestros de este género, Mario Bava y Darío Argento.”

“Además estoy inmerso en un proyecto de Stand up Comedy llamado “El club de Monos”, un espectáculo de humor, ironía, y muchas risas donde los monólogos hacen lo suyo. Este proyecto llevado a los pub, restoranes, etc.…En fin seguir creando, imaginando mundos, espacios, multiplicidad de lugares donde poder mostrar mis locos y psicóticas obras teatrales.”

A.I: Daniel, ¿cómo ves el Teatro?

Veo  el teatro de una forma desestructurada.Creo que el teatro es una herramienta que puede decir mucho y nada, donde los grandes actores son grandes máquinas de mentir, viviendo vidas que uno le hace creer a los espectadores, donde se le vende gato por liebre muchas veces. Como siempre digo, para hacer teatro hay que ser un gran embustero, un tramposo, tener  esa facilidad para engañar y hacer creer a la gente algo que no es, en él el espectador compra y  disfruta. Es un arma muy peligrosa si se sabe hacer bien, puedes tranquilamente cegar a los espectadores y hacer que hagan lo que tú digas. ¿Será una gran dictadura el teatro…? Yo creo que sí.

A.I: ¿Cómo has evolucionando artísticamente?

Mi  evolución como artista ha sido bastante amplia. Recuerdo los primeros proyectos donde uno creía que estaba haciendo vanguardia, jajaja. Espacios oscuros, máquinas de diapositivas, pocas luces, obras de 2 horas y media de duración, desnudos frontales, mostrando brutalidades en escena. A medida que crecía en esto, que escribía, que actuaba, iba viendo los cambios que sufría, las equivocaciones que cometía, etc.…  He crecido bastante estos largos años, he cambiado algunas formas de dirigir, también de escribir. Ya no hago trabajos de más de 1 hora, Jajaja. Sé que voy por un buen camino, que la experiencia me ha enseñado cosas nuevas, temáticas  a las cuales me refiero en estos momentos. Siempre, eso si, manteniendo una gusto muy personal por algunos temas y formas teatrales específicas que me llaman mucho la atención y con la idea de que los espectadores se metan a un mundo inesperado pero muy real. Me quedan muchos kilómetros por recorrer, no aspiro llegar a la perfección porque eso significaría que mi carrera, mi mundo, se terminara y no tendría sentido seguir…

A.I: Cómo te definirías en tus distintas facetas?

Como actor soy muy dócil… hago lo que el director me dice, juego y dejo que fluya todo. En otras palabras no cuestiono nada de lo que me proponen, eso no quiere decir que no opine ni deje de crear para un personaje. Sí me dicen que mi personaje está desnudo y se masturba, no lo cuestiono, lo hago y luego sí a mí personalmente me deja una duda artística sobre dicha escena la puedo comentar, de lo contrario hago y disfruto. Como te dije anteriormente, en el teatro se es y nada más, no le doy vueltas. Como director te diría que soy bastante dictador, siempre haciendo que los actores hagan al pie de la letra lo que yo quiero. Dramaturgo… que palabra… soy un creador andante, donde imagino escenas, diálogos, situaciones. En mi mente proyecto obras que ni siquiera están escritas todavía. Podría decirte que soy un dramaturgo joven hiperquinetico, bipolar y demasiado ansioso.

A.I: Háblanos de tu proceso creativo, ¿cuáles son tus influencias artísticas?

Mi proceso creativo lo defino como Bipolar. Así es, bipolar, un proceso muy distorsionado, un mundo de creatividad violenta, llena de espasmos dolorosos que cuando llegan a su fin, a la culminación me llenan de orgasmos. En todo caso eso es genial para mí, así disfruto de mis procesos.  Cuando comienzo un proyecto lo armo, lo desarmo una y otra vez, así  hasta ver los resultados y es ahí donde  digo…Yeah!

Mis influencias teatrales han sido por ejemplo, Pinter, Ionesco, Adamov, Beckett, entre otros grandes. Tengo influencias muy marcadas del cine, por ejemplo Tarantino, Heneke, Argento, Gaspar Noe, Tinto Brass entre otros. En mis puestas en escena se pueden observar guiños, imágenes, etc… Que recuerdan a estas influencias.

A.I: ¿El Teatro en la actualidad?

Creo que el teatro, hoy en día, está buscando nuevas formas, un lenguaje actual, pero que no logra mostrar algo nuevo, puesto que, todavía pesan los grandes maestro del teatro como Ibsen, Strinberg,  Ionesco, Beckett, Adamov, Pinter, que ya nos hablaron de todo lo que podemos hablar ahora. Nos dejaron en bandeja todo. Seguimos sus pasos, seguimos sus ideas, seguimos sus temas, más actuales aun que con nuestra propia mirada sobre todo. Eso sí, veo que podemos descubrir algo más. En eso estamos todos, o ¿no?…

RL

Alejandro Miranda es músico, ingeniero en sonido y tiene un Máster en Musicología por la Universidad de Chile. Se ha especializado en la teorización y elaboración de música para teatro, danza y audiovisual. Además de componer e investigar, se dedica a la docencia de música para teatro en varias universidades. A pesar de no tener ascendientes musicales en su familia, el amor por la música le despertó muy temprano, él afirma que desde que tiene uso de razón. Ha incursionado en el ámbito musical desde las más diversas perspectivas, ya sea como intérprete, compositor, productor, en ámbitos variados, doctos, folklóricos, populares, rock, electrónicos.

 Tiene 37 años y afirma que dentro de 20 años se sigue viendo en la música y aportando al teatro “desde una trinchera creativa”. Su primer instrumento musical fue la voz, más adelante incursionó en la flauta, las percusiones, el piano, todo ello frente a la desesperación de sus padres quienes finalmente tomaron la decisión y el riesgo de viajar con Alejandro por el camino del arte.

 AI: ¿Qué es la música?

 No estoy muy seguro, es una pregunta que está en discusión constante, toda definición es provisoria… La música puede tener definiciones técnicas utilizadas y bienvenidas en la academia y el conservatorio, pero incapaces de ser llevadas a la música de los pueblos de cultura ágrafa por ejemplo, donde la música se transforma en una necesidad colectiva de comunicación. Puede tener definiciones científicas utilizadas en el campo de la tecnología y la física del sonido, pero no funcionan en el campo de la subjetividad, donde un pájaro, sin voluntad de arte, puede estar generando “musicalidad” en quien la percibe. La música, yo diría, es aquel fenómeno acústico que puede ser considerado “musical” por quien lo escucha, ya sea una melodía en un violín como el ruido de un tren que se descarrila.

 AI: ¿Qué se necesita para componer música?

 Todos somos compositores innatos, unos con un papel que lo acredita y otros no, creo que lo importante es la transmisión de algo, un discurso, una sensación, el título de compositor no lo debiera poner uno, sino la gente o la historia.

 Componer significa ser capaz de ponerse en el lugar de quien escucha, con la sensibilidad necesaria para poner “en música”, una idea, un sentimiento, un viaje, ordenando en el espacio-tiempo, los materiales que el sonido nos ofrece, recurriendo a los universos colectivos para despertar evocaciones que permitan comprender lo que se debe o se quiere decir, o a veces, a no comprender nada.

 AI: ¿La música es tu vida?

 Es una necesidad vital, lo significa prácticamente todo, despierto y dormido estoy conectado con ella, mi trabajo nunca se detiene porque en todo hay música, de hecho el sonido es vibración, y científicamente hablando, todo vibra, todo tiene una frecuencia de resonancia, todo se mueve en el mundo con un ritmo, a un tempo determinado, hay música en una afirmación y su negación. Al hablar con alguien hay música en sus inflexiones y manera de hablar, cuando todo se calla y aparece el silencio, también hay música, porque la negación del sonido, justifica su existencia. Lo interesante es pensar lo necesaria que puede llegar a ser, y lo impensable e imposible que puede llegar a ser un mundo sin música, como dijo Nietzche “un mundo sin música sería un error”.

 AI: ¿Y cómo fue que comenzaste a relacionar música con el Teatro?

 De manera casi accidental, a pesar que sabía que quería componer para teatro no sabía a los 17 años cómo sería mi primer acercamiento a ella. Y un día, aunque parezca cuento viejo, se enfermó el músico que debía interpretar la música de una obra dirigida por Fernando González en el Teatro Nacional Chileno. Después de esa obra nunca más me alejé del teatro, he compuesto la música de más de 120 obras de teatro y danza, en Chile y el extranjero.

 AI: ¿Cómo es tu trabajo de creación para una obra teatral (trabajas con el texto dramático, con el director, con los actores, etc.) por cuánto tiempo (o cuánto tiempo te toma crear una pieza musical para el teatro)?

 Considero muy importante el trabajo de mesa teórico previo a cualquier acercamiento a la composición, una relación fluida y amena con el director es imprescindible, y estar de acuerdo en los aspectos más profundos de la obra para hacerse parte del discurso que se nos propone. Posteriormente, la asistencia a ensayos es fundamental ya que al ver el trabajo práctico de los actores puedo generar gérmenes musicales que se pueden ir perfeccionando con los sucesivos ensayos. También hay que tener en cuenta las propuestas musicales previas a cualquier puesta, porque éstas pueden generar desde dentro la rítmica o el desarrollo de la teatralidad, y no simplemente “adornar” lo que ya existe.

 El tiempo necesario es muy relativo dependiendo de las características de la obra, puede variar entre tres meses y dos años.

 AI:  ¿Cómo enseñar a crear con música?

 Lo primero y más importante es abrir los oídos frente a un universo sonoro que parece pasar inadvertido y que es profundamente significante al momento de generar criterios de sonorización en un montaje. Hay que usar una rítmica corporal para lograr sincronías colectivas generando coreográficamente espacios musicales para contextualizar escenas que permita a los actores descubrir nuevas maneras de decir las cosas.

 Todo el cuerpo práctico escénico debe apoyarse dialécticamente en un cuerpo teórico potente que entregue al creador las herramientas para justificar coherentemente sus decisiones de sonorización, más allá del simple capricho ornamental.  Es necesario en el creador dominar conceptos de estética musical para comprender su evolución y su relación con los cambios sociopolíticos de las sociedades, la música como todo arte es el reflejo de las necesidades de los hombres, y eso hace que sea un excelente medio de contextualización geohistórica, Hay que saber que la música deviene en signos que se pueden utilizar al interior de la escena para despertar en el espectador asociaciones afectivas. Es muy importante también análizar bandas sonoras de películas y teatrales, para proponer una banda sonora con la cual el cuerpo vivo del actor puede y debe dialogar. El objetivo final de la música es facilitar la comprensión de lo que ocurre en la escena.

 AI:  ¿Qué te  queda por aprender? 

Las certezas de hoy solamente son imprecisiones de mañana, nunca estará todo dicho, la historia no se detiene. El desarrollo de mi trabajo se escribe a cada momento, los avances de la tecnología seguirán proponiendo nuevas lecturas posibles. Ejemplos de ello fue la aparición de la grabación a fines del siglo XIX que cambió todos los paradigmas en la concepción del sonido, más tarde el stereo permitió la espacialidad que se extiende infinitamente con el sonido multifuente, el surround, y así no nos detendremos en la elaboración de nuevas perspectivas para la creación.

 14.- ¿Cuál es tu sueño?

Que todo cambie, y que nosotros seamos los motores de ese cambio, en eso la música tiene mucho que decir, pues al ser una forma de lenguaje sin lenguaje, que no significa nada en particular, puede por lo tanto significarlo todo, y eso la hace mucho más peligrosa de lo que la gente cree.