Melesio comenzó a laborar en Cinépolis desde febrero del 2008. Entre sus actividades se encontraban la limpieza de las salas, el acomodo de las charolas botaneras, mantener los mostradores sin basura y supervisar –escoba en mano– que las alfombras no tuvieran palomitas. Sus horarios oscilaban entre las 5 y las 8 horas, con un salario de $15.50 pesos cada una.

Once meses después, abandonó la escuela por falta de tiempo. Para compensarlo, le ofrecieron doblar turnos. “Le dije a mi supervisora que ya tenía más horas para echarle la mano, que incluso podía fletarme turnos dobles. Desde luego que aceptó, encantada. Y así trabajaba desde las diez de la mañana hasta la 1 de la madrugada. A los tres meses, me subió de puesto.”

Lo que permitió que Melesio consiguiera un puesto superior no fue sólo su actitud servicial, ni su sonrisa larga y pronunciada como de anuncio publicitario. Tampoco fue la limpieza minuciosa a la que Cinépolis lo sometía, ni el uniforme entallado y sin bolsas para evitar los robos. Fue su capacidad retórica para convencer a la gente de que el servicio ofrecido era más que adecuado, porque siempre sus quejas serían escuchadas, aunque pocas veces resueltas.

Ignorancia desde la proyección

Del otro lado de la taquilla, o sentados en las butacas, los clientes aparentan tranquilidad y diversión. Pocos son capaces de advertir problemas técnicos, pero esenciales. Este es el caso de Leonardo García Tsao, crítico de cine y ex director de la Cineteca Nacional. Recuerda una disputa con trabajadores del complejo Cinemex Altavista por varios errores en la proyección de la cinta Rango. La causa: el uso inapropiado de formatos y máscaras.

“El formato depende de la película. Cada película viene en un formato específico, puede ser 1:33 o 1:85. Es decir, cada tipo de película merece una mascarilla diferente. Uno ajusta el cuadro según la proporción que necesita. Y esto en México muchas veces no se toma en cuenta. Por eso las películas pasan cortadas, distorsionadas, desenfocadas, etcétera. Es uno de los tanto problemas que existen en los cines nacionales”, comentó en entrevista para MilMesetas.

Óscar “El Duende” trabajó dos años como proyeccionista en Cinépolis. Estudia psicología en la Universidad Pedagógica Nacional y su más grande afición son los videojuegos y la música electrónica. No es fanático del cine, aunque confiesa que algunas veces se divertía con las películas románticas. “Entré a trabajar a Cinépolis porque me corrieron de mi antiguo trabajo, en Six Flags. Tenía muchas deudas y lo primero que me cayó de chamba fue en el cine. Empecé en la dulcería, me rolaron después a las taquillas y de ahí a la proyección. Todo en menos de año y medio.”

Para Óscar la capacitación fue sencilla, “duró menos de un mes. Son cursos básicos que le dan a uno para utilizar tanto las cintas de 35 milímetros como los cañones para versiones digitalizadas. Te indican qué cinta va a exhibirse en tal sala y los tiempos que debes ir manejando. Cada película te indica la proporción que necesita y la tienes que respetar. No es complicado si a uno le gustan esas cuestiones técnicas. Lo malo es que somos pocos los que nos apasionábamos con el trabajo. Por lo general, todos buscan ganar sin trabajar.”

No obstante su pasión por su empleo, lo cierto es que Óscar no cuenta con estudios cinematográficos. Antes de entrar a Cinépolis ni siquiera era cliente constante de los cines. Iba cinco veces al año, dice, y casi siempre para “ahorrarse el hotel”. Como “El duende”, muchos otros empleados no tienen la noción del lenguaje fílmico, ni tampoco conocen las necesidades de una proyección adecuada. “O te aplicas a lo que dicen los manuales, o de plano lo haces al tanteo. Así es la cosa, para qué te voy a mentir.”

García Tsao coincide en que la industria de complejos cinematográficos carece de profesionales a cargo. “Si uno se asoma a ver a los proyeccionistas de estas cadenas, se da uno cuenta que son jovencitos. Obviamente no están bien entrenados, obviamente están mal pagados y ni siquiera saben lo que están manejando, les vale gorro. Ser proyeccionista implica mucho esfuerzo, no es una chamba fácil.”

Como se pudo demostrar en una visita al tercer piso de Cinépolis Perisur, desde donde se proyectan veinte películas simultáneamente, por un mal entrenamiento se descuidan cuestiones elementales como la calibración del color y la iluminación. Incluso, por querer ahorrar energía y para evitar el rápido desgaste del equipo, las empresas prohíben encender todos los focos del proyector y, entonces, la imagen llega demasiado tenue a la pantalla.

De forma similar el audio se distorsiona. Bocinas en mal estado, descompuestas o con ruidos extraños. La mayoría de las veces, los empleados no respetan el volumen que indica cada película ni tampoco se preocupan demasiado por arreglarlo. Alto o bajo, cualquier anomalía en el sonido altera los efectos del filme.

José Antonio Valdés, investigador fílmico y Jefe de información de la Cineteca Nacional, explica en entrevista que cada cinta requiere una mascarilla especial. Por ejemplo, en las cintas del cine clásico se proyecta una imagen casi cuadrada. Los cines comerciales modernos no las exhiben porque requieren proyectores especiales, además de que el nivel de asistencia sería considerablemente más bajo que en la exhibición de El señor de los Anillos, Harry Potter o Batman.

Los filtros débiles de la Segob

A los problemas técnicos –casi imperceptibles para la mayoría del público– se impone otro asunto delicado en el servicio: no existe una correcta supervisión de los filmes que llegan a las salas comerciales, ni tampoco una correcta regulación en la calidad de las historias.

La mayoría de las cintas provienen de Estados Unidos. Menos del 15% son de origen mexicano y un porcentaje menor al 5% son producciones independientes o de otras nacionalidades. Desde la década de los noventas, las legislaciones en materia de cine se descuidaron al grado de que las películas mexicanas y de “arte” cuentan con menos espacios y tiempos.

Ángeles estudia artes visuales. Se considera cinéfila y asiste a los cines por lo menos una vez a la semana, sobre todo a la Cineteca Nacional. Lamenta que en las salas comerciales “sólo se interesen por atraer a un público que no acude con la mentalidad de apreciación; van para matar el tiempo, para divertirse, para equis cosa, sin importar que sus opciones sean Otra tonta película Americana o Ligeramente embarazada.

Las salas de Cinépolis, Cinemex o Cinemark son las que mantienen dominado más del 80% del mercado, según demuestran datos de la Secretaría de Gobernación (Segob). Son esas empresas las que deciden los filmes a exhibir, a conveniencia de las posibles ganancias. La Segob aprueba las historias, aún cuando éstas aborden temáticas carentes de contenido cultural, educativo o sin aporte alguno.

“Son cuestiones meramente comerciales. Cuando entró la política neoliberal, bajó la calidad de las exhibiciones en el país y en el mundo. La programación está fatal y muy mal tecnológicamente, sobre todo Cinemex desde que la compró MM Cinemas”, apunta José Antonio Valdés.

Añade, también, que el cine mexicano se convirtió para estas empresas en un mercado no rentable y adjudica la mala calidad de los filmes a que los productores sólo realizan cintas para los públicos de la clase media-alta. “Historias en las que los chavos van al antro, dicen wey cada cinco segundos, todas sus broncas son románticas o psicológicas. Y claro, no consumirían películas donde el protagonista es un jodido.”

Que la clase media-alta sea quien asiste habitualmente a los cines se debe a los altos costos del boleto. El promedio de una entrada oscila entre 62 y 65 pesos. Pocos espacios como Lumier venden su boleto en 35 pesos, o la Cineteca Nacional a 40, con posibilidad de descuento.

“Que ya le paren”

Tomando en cuenta la situación económica general, José Antonio Valdés concluye que el cine en México es caro. No porque los costos sean exagerados, sino porque la mayoría de los ciudadanos no cuentan con el poder adquisitivo suficiente para consumos culturales. Un día de salario mínimo ni siquiera alcanza para cubrir la totalidad de un boleto; mucho menos para una salida familiar.

Tampoco es cierto que los costos garanticen un buen servicio. Ni para el público ni para los trabajadores. Melesio recordará siempre cómo la presión de sus jefes “lo obligó” a abandonar la escuela, y todo para dedicar los días enteros a incrementar las ventas.

Recordará Óscar cómo, “sin más ni menos, me corrieron del cine. Dijeron que ya había generado bastante antigüedad y que ya era tiempo de que buscara un mejor trabajo, uno donde me pudiera quedar por más años. Y así es esto, te estancas, ya no asciendes en la empresa y al final te acaban botando.”

En un escenario futuro, nada lejano, distintos especialistas en materia de cine aseguran el incremento de la piratería, inminente por la falta de políticas reguladoras. “Los mexicanos prefieren ver una película desenfocada por veinte pesos y en compañía de sus amigos, que verla borrosa o sin subtítulos por hasta cien pesos el boleto”, opina Leonardo García Tsao.

El ex director de la Cineteca Nacional percibe una falta de control en las proyecciones, capacitación del personal, limpieza de las salas y los precios del boleto y las dulcerías. “Esos no son cines. Son dulcerías con cine. Necesitan mejorar su calidad de servicio para volver a atraer al público, de lo contrario, seguiremos a la baja.”

José Antonio Valdés lamenta también la dirección que está tomando la industria en México. “Las consecuencias son graves. Le están quitando la sensación de ir al cine a los que menos dinero tienen. Por su propio bien, esperemos que ya le paren. Pero finalmente hay que entender que son empresarios, y el empresario vive de su éxito, su competitividad y de la lana. Ni modo.”

RMM/AM

El volumen, coeditado con la Dirección General de Publicaciones de Conaculta, la Cineteca Nacional y La Caja de Cerillos Ediciones, reúne a un nutrido grupo de artistas y literatos quienes plasman en sus textos breves escrutinios a la vida y obra del querido humorista.

Así, narradores como Jorge F. Hernández, Eduardo Antonio Parra, Cristina Rivera Garza, Antonio Ortuño, Minerva Reynosa, Óscar Chávez, Luis Humberto Crosthwaite, Carlos Velázquez, Jorge Pedraza Salinas, Saúl Reyes Calderón, Antonio Ramos Revillas, Ulises Corona, Ángel Ortuño y Carlos Díaz Barriga participan en el apartado escrito, mientras que el libro es profusamente ilustrado por plumas como las de Bernardo Fernández “BEF”, Federico Jordán, Zoveck, Ximena Labra, Santiago Solís y Elvira González Monteforte.

Dicho volumen fue presentado por vez primera en el marco de la pasada Feria Internacional del Libro de Guadalajara, mientras que la presentación oficial en la Ciudad de México se celebró la noche de ayer en Conejoblanco Galería de Libros en la colonia Condesa.

El libro se divide en tres secciones, la primera, un vistazo de los autores a la figura de Eulalio González; la segunda, un apartado gráfico en donde se incluye el trabajo comisionado a los artistas invitados, así como una variopinta selección de carteles cinematográficos, portadas de longplays, fotografías y fotomontajes; finalmente, el volumen presenta la filmografía completa del actor, la cual incluye todo el trabajo inédito del que se ha tenido noticia.

Eulalio González “Piporro” nació el 16 de diciembre de 1921 en la comunidad de Los Herreras, Nuevo León. Fue actor, guionista, locutor, cantante y compositor de música norteña. Su pieza “El taconazo”, grabada por vez primera hacia finales de la década de los 50, consiguió gran popularidad. Filmó más de setenta películas, en donde compartió créditos con Pedro Infante, Sara Montiel, Germán Valdés “Tin Tan” y María Félix. La última película en la que participó fue en Ni parientes somos (1990) a lado de la afamada banda norteña Los tigres del norte. “Piporro” falleció entre sueños la madrugada del 1 de septiembre de 2003 en su casa de Monterrey, presa de infarto.

AN22/IM

“Eulalio González Piporro: Homenaje”, páginas interiores

Por ello, el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (FICG) organizó en su pasada edición una gala conmemorativa en honor del ilustre actor guanajuatense. En dicho festejo se celebró un recital con Fernando de la Mora, reconocido tenor mexicano, quien interpretó los temas que se hiciera famosos en voz de Negrete; asimismo, se organizó una muestra con varios de sus filmes más recordados. Además, como parte del homenaje, el festival encomendó al crítico cinematográfico Francisco Javier Millán la producción de un volumen conmemorativo. El resultado lleva el título Jorge Negrete: Ser charro no basta.

Ante una proyección de fotogramas con una selección de escenas de reconocidas cintas protagonizadas por Negrete; José Javier Návar, Beatriz Esperón, Sara Montes, Sarah Hoch y Lorenzo Negrete, presidieron la presentación oficial del volumen en la Ciudad de México, celebrada en la Sala 4, Arcady Boytler de la Cineteca Nacional.

Y es que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes ha adoptado el festejo de su centenario, por ello, del 1 al 14 de diciembre, la Cineteca Nacional programa una selección de doce películas protagonizadas por el “charro cantor” entre las décadas de los treinta y cuarenta, películas entre las que destacan por su popularidad: El fanfarrón (1938), ¡Ay Jalisco no te rajes! (1941), El peñón de las ánimas (1942) y Dos tipos de cuidado (1952), esta última, coprotagonizada con Pedro Infante.

Entre la canción popular y el Bel canto

Jorge Negrete: Ser charro no basta es un compendio cinematográfico sobre la vida y obra del charro cantor, desde sus audiciones en la Metropolitan Opera House de Nueva York para convertirse en cantante de ópera, su debut en celuloide con la cinta La madrina del diablo (1937), hasta el pináculo de su trayectoria como líder sindical de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) y el pináculo de su carrera en las cintas Los tres alegres compadres (1951) y Dos tipos de cuidado (1952).

El título contó con un tiraje limitado de apenas mil volúmenes impresos; sin embargo, Sara Hoch, directora del FICG, subrayó que el propósito inicial del proyecto es poder difundir el legado de Negrete, con especial atención en las nuevas generaciones ya que estas no tuvieron oportunidad de disfrutar su trabajo. Es por ello que el volumen completo se encuentra disponible en línea a través de varias plataformas de descarga, así como en el sitio oficial del festival (http://www.guanajuatofilmfestival.com/libros/SerCharroNoBasta.pdf) en formato PDF y de forma completamente gratuita.

Dice Francisco Javier Millán, en la presentación de su libro: “Jorge Negrete es uno de los máximos representantes de la cultura popular mexicana y una de las voces privilegiadas del mundo de la canción en lengua española. Cantante antes que actor con su portentoso registro lírico de barítono, exportó la cultura popular mexicana al mundo a traves de sus 45 películas. (…) Negrete fue, y sigue siendo hoy, un ícono del México profundo de la primera mitad del siglo XX. (…) Negrete forjaría un arquetipo del macho latino en la pantalla que el mismo deconstruiría a través de la comedia ranchera, y que es equiparable a los que forjaron las grandes estrellas de Hollywood en los años 30 y 40.”

Ni tan macho ni tan charro

“Quisiera decirles que hice muchas películas (al lado de Jorge Negrete), pero estaría mintiendo. Él era una persona hermosa, mucha gente decía que era déspota, pero él era un ser precioso”, declaró Sara Montes, actriz de cine con varios protagónicos a lado de Luis Aguilar en la década de los cincuenta.

Montes recordó que el inicio de su carrera como actriz comenzó gracias a la ayuda que le prestara el propio Negrete cuando ella recién llegó a la ciudad, sola, proveniente de Morelia, con apenas 18 años de edad.

Montes llegó a la Ciudad de México a probar suerte hacia el año de 1945. Un día conoció a Pedro Infante en los Estudios Stahl mientras rodaba Los tres García; al día siguiente, en los Estudios Azteca, se encontró con Jorge Negrete, en medio del metraje de Camino de Sacramento, y quedó prendada de inmediato por su presencia.

Ese mismo día ella consiguió su primera aparición en celuloide, como extra, a consecuencia directa del propio Negrete quien después de preguntarle si trabajaba en cine le consiguió un puesto que había quedado vacante por una ausencia imprevista. Semanas después, por acción de Negrete, quedó inscrita en la asociación de extras, tuvo trabajo, pudo pagar su estancia en la ciudad y estudiar actuación, para debutar dos años después en un papel protagónico al lado de Luis Aguilar. De hecho, que su nombre artístico sea Sandra Montes se debe también a sugerencia expresa del propio Negrete: “Gracias a él, yo estoy aquí, todavía…” aseguró Montes como cierre a su intervención, momentos antes de romper en llanto en memoria de un hombre cuyo recuerdo estará presente hasta el último de sus días.

Presente también en el acto estuvo Beatriz Esperón, viuda del compositor Manuel Esperón, responsable junto con Ernesto Cortazar de prácticamente todos los arreglos musicales en las películas tanto de Negrete como de Pedro Infante, y quien falleciera recientemente, el pasado 13 de febrero del año en curso.

La viuda de Esperón relató aquél conocido pasaje cuando en la preparación para el rodaje de ¡Ay Jalisco no te rajes!, Jorge Negrete arrojó con desprecio las partituras con el arreglo de Esperón a la canción con el mismo nombre, pieza medular del filme. Entonces, ecuánime, el compositor convenció al actor de realizar la interpretación, asegurándole así una de las apariciones más recordadas en la historia de la música mexicana en celuloide. A la postre, Negrete sería recordado fundamentalmente por dos actuaciones, una, el duelo musical sostenido con Pedro Infante en Dos tipos de Cuidado; y dos, la interpretación de “¡Ay Jalisco no te rajes!”, en la película del mismo nombre.

Finalmente, la viuda de Esperón, instó al público asistente a sumarse en una iniciativa ciudadana en pro de conseguir el levantamiento de una estatua en honor a Jorge Negrete en la emblemática Plaza Garibaldi de la Ciudad de México, efigie que se colocaría a un costado de la erigida en nombre de Manuel Esperón, la cual fue develada el año pasado.

Asimismo, Lorenzo Negrete, nieto del actor, habló sobre los diversos mitos que han rodeado la figura de su abuelo, sobre si este mantenía una malsana rivalidad con su amigo Pedro Infante, sobre si despreciaba la figura del charro o aborrecía la música ranchera siendo él un graduado en música de cámara. Todo ello fue calificado de falso, y, en nombre de la familia Negrete, agradeció a los involucrados su interés en celebrar el centenario de su abuelo, una iniciativa que, espera, no quede en el próximo mes, sino que se extienda de forma sostenida para difundir la obra de Jorge Negrete, un gran cantante y actor.

RMM/IM

El Gabinete del Dr. Caligari, cinta estrenada hacia el año de 1920. Pieza clave en el movimiento expresionista alemán. Referente indudable en el culto por la ficción de horror. Una de las pocas películas silentes que han superado la barrera del espacio y el tiempo.

Como parte del proyecto “Cine Bar-Bandas Sonoras: Un espacio de cine y música”, organizado por el Lunario del Auditorio Nacional y el programa “Cineteca va”, el dueto mexicano Cabezas de Cera presentó este martes 22 de noviembre su propuesta sonora al filme de Robert Wiene. Un clásico del cine mudo con casi un siglo de existencia.

La cinta, protagonizada por Werner Krauss (Dr. Caligari), Conrad Veidt (El sonámbulo), Lil Dagover (La muchacha) y Friedrich Feher (El estudiante), narra la cruzada psicótica de un mentalista que ejerce su dominio parapsicólogo sobre un paciente sonámbulo a quien controla para convertirlo en asesino serial, una trama llena de suspenso que abre paso a los giros argumentales y propone un final inesperado.

Tal es la fama y el reconocimiento que la cinta ha alcanzado a través de los años que la propia Cineteca Nacional ya había organizado –dentro del mismo ciclo– su musicalización en vivo durante marzo del año pasado. En dicha ocasión la empresa estuvo a cargo de la banda de rock La víctimas del Dr. Cerebro.

La experiencia con Cabezas de Cera se antoja, sin embargo, del todo distinta. CDC es una agrupación mexicana dedicada a la exploración acústica. Basada en el arte de la sonoridad espontánea, la improvisación jazzística y el virtuosismo propio del rock progresivo, los hermanos Francisco (piano y percusiones) y Mauricio Sotelo (cuerdas), acompañados por Edgar Arellín en el diseño sonoro, llevan más de 15 años explorando las posibilidades auditivas de la instrumentación polifónica.

Dichas inquietudes musicales se ven reflejadas en un trabajo atípico, estimulante y renovador. Las piezas incluidas en la sonorización de la cinta, muchas de ellas creadas en específico para dicha tarea, son muestra de ello. Piezas que derivan del dominio total de sus instrumentos, algunos de los cuales fueron creados por ellos mismos.

Así, con teclado, percusiones eléctricas, chapman stick e infinidad de artilugios electrónicos, Cabezas de Cera no sólo consigue sonorizar un clásico cinematográfico de todos los tiempos, sino que crea una partitura de valor único más allá del mero acompañamiento. Con su trabajo los hermanos Sotelo logran un tipo de ambientación prototipo para los filmes del género, el cine expresionista alemán de principios del siglo XX, el cine de Wiene, de Murnau, de Lang.

La propuesta sonora de Cabeza de Cera para El Gabinete del Dr. Caligari, se presentará en dos ocasiones más, a las 17:00 y 21:00 horas del próximo sábado 3 de diciembre en las instalaciones de la Cineteca Nacional.

RMM/IM

CDC 2011 / Foto: Sitio oficial

Asimismo, a partir del 11 de noviembre, los 18 filmes que componen el catálogo de exhibiciones se proyectarán en 22 salas del área metropolitana, además de viajar como parte del programa “Cineteca va” a 25 sedes del interior de la República a partir del próximo diciembre.

Cintas provenientes de Francia, Bélgica, Turquía, Bosnia Herzegovina, Alemania, Rusia, Portugal, España, Estados Unidos y Japón conforman parte de esta celebración que mantendrá el exitoso esquema de exhibición en el que cada filme se proyectará seis días en muy variados horarios. La mayoría de las películas seleccionadas han sido galardonadas en prestigiados festivales de cine alrededor del mundo.

Selección 53

La muestra será inaugurada con Las razones del corazón (México-España, 2011), dirigida por Arturo Ripstein, y el cual representa un retrato acerca de la desesperación del amor, inspirado en el tono de la novela Madame Bovary, del escritor francés Gustave Flaubert.

La cartelera incluye las producciones más recientes de realizadores como Béla Tarr, El caballo de Turín (A torinói ló, Hungría-Francia-Alemania-Suiza-Estados Unidos, 2011), ganadora del Oso de Plata y del Premio Fipresci en Berlín. De igual manera, se exhibirá Misterios de Lisboa (Portugal-Francia, 2010), filme póstumo del director chileno Raúl Ruiz (1941-2011); ganador de la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Otra de las selecciones es Carlos (Francia-Alemania, 2010), del director francés Olivier Assayas, que obtuvo la Mención honorífica del premio de la crítica en el Festival Internacional de Cine de São Paulo; y Le havre: El puerto de la esperanza (Le havre, Finlandia-Francia-Alemania, 2011), del finlandés Aki Kaurismäki, cinta reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes con el Premio Fipresci, además de recibir una nominación al Óscar como mejor película en lengua extranjera.

Del cineasta galés Bruno Dumont, se presentará la cinta Fuera de Satán (Hors Satan, Francia, 2011), ganadora del Premio La Edad de Oro otorgado por la Cineteca Real de Bélgica; de Los hermanos Dardenne, se exhibirá El chico de la bicicleta (Le gamín au vélo, Bélgica-Francia-Italia, 2010), filme por el cual obtuvieron el Gran Premio del Jurado en Cannes 2010; y de Aleksandr Sokúrov se exhibirá Fausto (Faust, Rusia, 2011), reciente ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia.

En esta ocasión, Nuri Bilge Ceylan, estará presente con Había una vez en Anatolia (Bir Zamanlar Anadolu’da, Turquía-Bosnia Herzegovina, 2011), triunfadora en la pasada edición del Festival de Cannes; la ganadora del Óscar a la Mejor Película Extranjera 2011, En un mundo mejor (Hævnen, Dinamarca-Suecia, 2010), de Susanne Bier; y la cinta Confesiones en el diván (Mahler auf der Couch, Alemania-Austria, 2010), de Percy y Felix Adlon, una cinta sobre el encuentro entre el compositor Gustav Mahler y Sigmund Freud, conforman también la selección de la 53 Muestra Internacional de Cine.

Fotograma, “El caballo de Turín / A torinói ló” (2011) de Bélla Tarr

El hombre de al lado (Argentina, 2009), de Mariano Cohn y Gastón Duprat, que recibió seis preseas otorgadas por la Academia Argentina de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, entre las que destacan la de mejor película, dirección y guión original.

Road movie, cine independiente y feria del libro

El planeta más solitario (Estados Unidos-Alemania, 2011), de Julia Loktev, road movie protagonizada por Gael García Bernal, acerca de una pareja que emprende un viaje antes de casarse para descubrirse a sí mismos. El documental de Tom DiCillo When You’re Strange. Una película de The Doors (Estados Unidos, 2009), presentado en el Festival de Sundance, que analiza algunos de los momentos clave de la historia de esta legendaria banda californiana.

Lo más representativo del cine independiente estará presenten en las películas Indiferencia (Detachment, Estados Unidos, 2011), de Tony Kaye, quien obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine Estadounidense de Deauville, Francia.

Destacan también filmes como Elena (Yelena, Rusia, 2011), de Andréi Zviáguintsev, galardonado con el Premio Especial del Jurado en la sección Una cierta mirada en Cannes; Topo (Himizu, Japón, 2011), de Shion Sono, basado en el cómic de Minoru Ruruya, es un filme sobre la desesperación de la sociedad japonesa tras el terremoto y la amenaza nuclear; y Venus negra (Francia-Bélgica, 2010), del tunesino Abdellatif Kechiche, seleccionado en la última edición del Festival de Venecia.

En el marco de la 53 Muestra Internacional de Cine, de 18 al 20 de noviembre se llevará a cabo la Segunda Feria del Libro Cinematográfico y del DVD. Asimismo, el jueves 24 de noviembre se presentará el libro Ciudad de Cine. DF 1970-2010, de Hugo Lara, editado por la Cineteca Nacional.

RMM/DH

Afiche, “Topo / Himizu” (2011) de Shion Sono

Esta Segunda Jornada de Cine de Horror en 35milímetros, se llevará a cabo del 30 de octubre al 2 de noviembre en las inmediaciones de la Cineteca Nacional, y contará con la exhibición de cintas provenientes de seis países.

Dentro de la selección nacional, el ciclo proyectará las películas mexicanas Misterios de ultratumba (1958), El espejo de la bruja (1960), Santo contra las lobas (1976), y El Vampiro y el Sexo/ Santo en el tesoro de Drácula (1969), esta última cinta, la primera rodada a color por el cineasta René Cardona, se hizo recientemente famosa porque su exhibición sin censura había sido vedada por los herederos del ídolo enmascarado ya que en ella Santo salía rodeado de múltiples vampiresas desnudas e interpretaba incluso algunas escenas de cama.

En el apartado de cintas extranjeras, se presentarán las producciones estadounidenses Tarántula (1955), Perros de paja (1971), Dios me lo ordenó (1976), Masacre en el infierno (1986) y Sobre natural (2007); el filme italoamericano Trauma (1993); la película costarricense  El sanatorio (2010); la argentina Sudor frío (2010); la inglesa Fuerza siniestra (1985); la japonesa Pez mortal (2010); así como la coproducción entre México y Estados Unidos Matar a un extraño (1982).

De asesinos seriales y sangre coagulada, un vistazo al cartel completo

1. Dios me lo ordenó (God Told Me To), dirigida por Larry Cohen, cuenta la historia de una serie de asesinatos en Nueva York, cuyo único patrón entre los perpetradores es la declaración: “Dios me lo ordenó”. Conforme la investigación de los homicidios avanza, sale a escena una figura mesiánica que vuelve más extraña esta historia de asesinatos, fanatismo y extraterrestres. Realizada en 1976, cuenta con las actuaciones de Tony Lo Bianco, Deborah Raffin, Sandy Dennis, Sylvia Sidney, Sam Levene y Robert Drivas.

2. Pez mortal (Tsumetai nettaigyo) del cineasta nipón Shion Sono sigue la historia del dueño de un pequeño acuario, Shamoto (Mitsuru Fukikoshi), quien vive con su joven esposa Taeko (Megumi Kagurazaka) y su rebelde hija Mitsuko (Hikari Kajiwara), producto de su primer matrimonio. Shamoto no puede evitar que llamen a la policía cuando su hija es sorprendida robando en un almacén, lío del que sale librada gracias a la intervención del señor Murata (Denden), dueño de una importante cadena de acuarios, quien no sólo defiende a la joven, sino que le ofrece empleo en uno de sus locales. Sin embargo, las circunstancias dan un giro desesperado cuando Shamoto descubre que el señor Murata podría estar implicado en decenas de violentos asesinatos.

Afiche, “Pez Mortal / Tsumetai nettaigyo” (2010) de Shion Sono.

3. Perros de paja (Straw Dogs) del director Sam Peckinpah ha causado polémica por el uso de violencia explícita y su opinión sobre las relaciones humanas a partir de la violación y la pérdida del sentido común. El filme está basado en la novela The siege of Trencher’s Farm de Gordon M. Williams.

El filme narra la historia de un matrimonio formado por un profesor estadounidense de matemáticas y una joven inglesa quienes se establecen en el pueblo de donde ella es originaria; pero su posición de gente de ciudad es vista como una ofensa por parte de algunos pobladores, quienes están dispuestos a demostrar su superioridad con base en la violencia. La cinta cuenta con las actuaciones de Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Del Henney, Ken Hutchison, Colin Welland y Jim Norton.

4. En El espejo de la bruja, Sara (Isabela Corona) advierte a su ahijada Elena (Dina de Marco) de las intenciones asesinas del marido de ésta, el doctor Eduardo Ramos (Armando Calvo), quien pretende casarse con Deborah (Rosita Arenas). Los avisos de Sara no impiden que Eduardo cometa el crimen, así que Sara, practicante de brujería, planea vengarse de la pareja a través de un espejo donde se refleja el fantasma de Elena. Cosas terribles comienzan a suceder. Un accidente desfigura el rostro de Deborah, por lo que Eduardo hace injerto de mujeres muertas en su esposa, práctica médica que acarrea funestos resultados. La película está basada en un argumento original de Alfredo Ruanova y Carlos Enrique Taboada, y fue dirigida por Chano Urieta.

5. Misterios de ultratumba de Fernando Méndez. Los doctores Aldama (Antonio Raxel) y Mazali (Rafael Bertrand) se prometen que el primero que muera volverá del más allá para contarle al otro los secretos de ultratumba. Tras la muerte de Aldama, Mazali llama a su espíritu a través de una médium, sólo para enterarse que en tres meses sabrá la verdad sobre lo que hay después de la muerte. Patricia (Mapita Cortés), hija Aldama, tiene pesadillas que involucran al joven médico Eduardo Jiménez (Gastón Santos). Juntos harán frente al espíritu de Aldama, quien ha poseído el cuerpo del asistente de Mazali.

6. En Santo contra las lobas, por primera vez, “El Enmascarado de Plata” huye ante una amenaza y pide auxilio a gritos… ésta no es cualquier película de Santo. Dueña de una atmósfera realmente enrarecida, el filme se compone de una fotografía de grano reventado que le da un cariz de realismo a esta historia en la que el Enmascarado de Plata se enfrenta a un clan de lobas comandadas por Nicar, un hombre lobo con el que Santo deberá realizar su último enfrentamiento durante una inolvidable persecución al alba.

Dirigida por Jaime Jiménez Pons y Rubén Galindo, Santo contra las lobas cuenta con las actuaciones de “El Santo”, Rodolfo de Anda, Jorge Russek, Nubia Martí, Carlos Suárez, Rosa Furman y Bruno Rey, entre otros.

7. En Tarántula de Jack Arnold, el biólogo investigador Gerald Deemer (Leo G. Carroll), trata de prevenir el desabasto de alimentos provocado por la explosión demográfica. Con ayuda de la energía atómica, inventa un nutriente que provoca el crecimiento exponencial de los animales. Uno de los ejemplares afectados es una tarántula mexicana de vientre rojo, que al escapar del laboratorio siembra el pánico en el desierto de Arizona. Sólo un ataque con Napalm podría detener al monstruo, aunque las consecuencias podrían no terminar ahí.

Afiche, “Tarantula” (1955) de Jack Arnold.

8. Dirigida por Miguel Gómez El sanatorio narra la historia del Sanatorio Durán, construido en la región costarricense conocida como Prusia en el año de 1915. Este Sanatorio albergó a enfermos de tuberculosis bajo el cuidado de religiosas hasta su cierre en la década de los sesenta, aunque hay testigos de que algo siniestro se oculta todavía en su interior; por lo que un grupo de entusiastas jóvenes deciden filmar una investigación que descubra esas falsas leyendas.

9. Por primera vez será proyectada en México la película Trauma, dirigida por Dario Argento. Aura Petrescu (Asia Argento), una chica con problemas de anorexia, es testigo de la muerte de sus padres a manos de un asesino que decapita a sus víctimas. Con la ayuda de un diseñador, Aura irá tras la pista del homicida en un intento por evitar que él de primero con ellos. Este largometraje fue el primero realizado totalmente en Estados Unidos por Argento.

10. Matar a un extraño (To kill a stranger) de Juan López Moctezuma. También conocida como Secuestrada, esta cinta presenta un encuentro extraño entre Christina Carver (Angélica María) y el Coronel Kostik (Donald Pleasence). Los papeles de víctima y victimario se intercambian, dando paso a un thriller realizado con especial atención en el detalle y que muestra a un Juan López Moctezuma muy distinto al autor de filmes como Alucarda y La mansión de la locura, aunque igual de sobresaliente.

11. Fuerza siniestra (Lifeforce) de Tobe Hooper, es una rareza que resultó un fracaso en taquilla, pero en el que sobresalen los efectos visuales de John Dikstra y su equipo. Tras el paso del cometa Halley, un grupo de astronautas exploran una nave en la órbita de dicho cuerpo celeste. Dentro de la extraña nave se hallan tres cuerpos que aparentan ser humanos y los llevan consigo cuando descienden a la tierra. Con esa decisión desatan una infestación de zombies chupadores de energía.

12. En Sudor frío de Adrián García Bogliano, la novia de Román (Facundo Espinosa) ha desaparecido. Cuando él sale a buscarla llega a una casona donde cree que su novia está con el amante que conoció por chat. Con la ayuda de su amiga Ali (Marina Glezer) decide investigar la verdad, pero lo que no saben es que al interior no encontrarán un romance prohibido, sino el escenario de una serie de crímenes a manos de dos ancianos ex miembros de la facción Triple A, en tiempos de la dictadura militar en Argentina, y que en el presente se dedican a perfeccionar sus métodos de tortura.

13. Masacre en el infierno (The Texas Chainsaw Massacre 2) dirigida por Tobe Hooper. Tras las llamadas telefónicas que unos jóvenes hacen a una estación de radio para molestar a Vanita Stretch Brock (Caroline Williams), su locutora, se escuchan gritos y el ruido de una sierra eléctrica. Al descubrirlos asesinados al día siguiente, el teniente Lefty Enright (Dennis Hopper), sospecha que se trata del mismo demente que trece años atrás asesinó a un grupo de jóvenes, de los cuales solamente sobrevivió su sobrina Sally. Enright decide unir fuerzas con Stretch en busca de una venganza valiéndose de métodos igualmente sanguinarios.

14. Sobre natural (The Mist), basado en la novela homónima por Stephen King, fue dirigida por Frank Darabont en el año de 2007. En un pequeño pueblo de Maine estalla una violenta tormenta que termina bruscamente. Entonces aparece una espesa niebla que atrapa a la gente en sus hogares, comercios o donde quiera que estén, matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad. David Drayton (Thomas Jane) y su hijo Billy (Nathan Gamble) están atrapados en el supermercado local, junto con un grupo de gente que pronto será víctima de la histeria y estallidos de violencia y fanatismo, justo cuando buscan la manera de escapar de la oscura bruma.

15. Bajo la dirección de René Cardona, en El Vampiro y el Sexo, también conocida como Santo en el tesoro de Drácula, un grupo de científicos se reúne para ser testigos de un invento sin precedentes: una máquina que permite desintegrar el cuerpo humano y transportarlo al pasado. El inventor es “El Santo”, quien prueba su descubrimiento enviando a Luisa (Noelia Noel) al siglo XIX. Finalizado el experimento, Luisa vuelve al presente, pero trae consigo una maldición que sólo “El Santo” puede enfrentar.

RMM/DH

Fotograma, “El Vampiro y el Sexo” (1969) de René Cardona.

De acuerdo con Pablo Guisa Koestinger, director general del festival originario de Tlalpujahua, Michoacán, la celebración ha crecido un 352% desde su primera edición para convertirse en un verdadero motor turístico y cultural de la zona. Durante su edición 2010, el Festival propició una derrama económica de poco menos de tres mil millones de pesos gracias a la exhibición de 29 largometrajes, 35 cortos, 5 exposiciones, 36 invitados nacionales y 11 internacionales.

En su tercera edición, Mórbido tuvo más de 22 mil espectadores, cifra que esperan crezca al menos hasta los 30-32 mil participantes gracias a la gran cantidad de oferta cultural programada para su edición cuarta la cual estará dedicada a “El Cine de Terror y la Música”, el sonido como pieza clave en la conformación del ambiente terrorífico en un filme del género.

Y es precisamente con estrenos internacionales como el del filme Extraterrestre, el más reciente largometraje del cineasta español Nacho Vigalondo (Los Cronocrímenes, 2007), que Mórbido pretende superar la barrera de los 30 mil visitantes.

Para la presente edición de Festival que arranca esta noche, se marca el banderazo de salida para tres nuevos proyectos: la Incubadora Mórbida, La Caravana del Terror y Radio Mórbida, esta última en alianza con Radio Ibero 90.9.

La Incubadora Mórbida será un esquema de apoyo para la producción nacional de cine fantástico y de terror en donde se ofrecerá ayuda a estudiantes o directores de cine en la conformación de guiones, consolidación de proyectos y búsqueda de financiamiento para la realización de los mismos.

Por su parte, La Caravana del Terror pretende la exhibición de siete películas, una por día, pertenecientes a la selección oficial del festival en un esquema nómada, así, las cintas viajarán por 52 complejos del país comenzando en la Ciudad de México. Dicha propuesta, apuntó Guisa Koestinger, asegura la movilidad de aquellas “películas que nunca tuvieron un estreno comercial y que, de otra manera, no lo tendrán”.

Asimismo, por primera vez en su existencia, Mórbido tendrá una sede fuera del país, ubicada en la ciudad de San José, Costa Rica, presencia foránea que planea extenderse pronto, aseguró Guisa Koestinger, hacia territorio panameño y colombiano.

RMM/IM

Fotograma, “Pez Mortal / Tsumetai nettaigyo” de Shion Sono.

]]> http://www.revistamilmesetas.com/festival-morbido-2011/feed 0 http://www.revistamilmesetas.com/miss-bala-el-horror-sin-palabras http://www.revistamilmesetas.com/miss-bala-el-horror-sin-palabras#comments Thu, 20 Oct 2011 04:18:12 +0000 Alejandro Maciel http://www.revistamilmesetas.com/?p=7534 Los mexicanos tienen miedo. Temor a todo: a salir a las calles, a caminar, a correr. También temen esconderse, denunciar o callar. Nada ofrece la protección requerida. No hay lugar seguro en un país donde la libertad viene a menos, en el que la violencia se interioriza y se apodera de la mente, de los pasos, de los labios.

Gerardo Naranjo presenta Miss Bala,  largometraje que embona a la perfección con los tiempos complejos por los que atraviesa el país. No es un reflejo de la realidad; tan sólo es una aproximación al universo que viven a diario millones de mexicanos, sobre todo aquellos del norte, próximos a la frontera estadunidense y donde la lucha del narcotráfico deja muertos y heridos todos los días.

En pleno proceso del concurso Miss Baja California, Laura Guerrero pelea por coronarse como la auténtica ganadora, sin darse cuenta del camino azaroso que habrá de emprender para conseguir su sueño, y al mismo tiempo, su pesadilla. Una ruptura entre la realidad y las apariencias sucedida en un ambiente de miedo y ansiedad.

La gran epopeya del director fue retomar un tema global y particularizarlo; viajar de un conflicto de múltiples aristas hacia un rincón de contados personajes, con nombre y apellido. No pretende, en ningún momento, ser explicativa de un fenómeno nacional, ni simula ser la cinta arriesgada e innovadora. Se entrega a los espectadores tal como es: una oda a la indefensión.

Laura Guerrero es la protagonista, y al mismo tiempo no es nadie. Es ella el vehículo a partir del cual se despliega una historia opresiva. Es a través de ella que se materializan la humillación, la violencia y la frustración. Pero su cuerpo es sólo el pretexto para representar un conflicto que, hoy día, alcanza magnitudes supremas porque su centro ya no existe, está perdido en la atmósfera misma.

El hilo conductor de la trama es la soledad. Se entreteje en las sociedades, en la familia, en el interior de un individuo. Laura Guerrero está sola, sin nadie que la defienda. Tiene miedo, tiembla, vomita, se esconde, no sonríe. Rompe con su persona y su rostro se desdibuja, pues no hay mayor agresión que no ser escuchado ni tomado en cuenta.

Miss Bala –galardonada en la pasada entrega del Festival de Cannes- se postula como una de las favoritas para representar a México en la próxima entrega de los Premios Oscar. Su llegada a las salas de cine se vio diezmada por la falta de promoción, pero sin duda es una cinta que no debe pasar desapercibida, pues pocas veces se cuentan con producciones tan propositivas y con invitaciones a la reflexión de su público.

AM

Fotograma: "Miss Bala", de Gerardo Naranjo

El FICM tiene como objetivo establecer un foro para promover a los nuevos talentos del cine mexicano, así como crear un punto de encuentro entre los cineastas, el público de Michoacán y la comunidad fílmica internacional.

Así, la muestra cinematográfica está integrada por una selección de 40 estrenos de lo mejor de la cinematografía nacional e internacional. Entre los estrenos de realizadores mexicanos se encuentran Las razones del corazón de Arturo Ripstein y Días de gracia de Everardo Gout.

El Festival cuenta con cuatro secciones en competencia: Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano, Largometraje Mexicano y Sección Michoacana (en la que participan cortometrajes y largometrajes de ficción y documentales). De igual forma, cuenta con un Concurso Michoacano de Guión de Cortometraje, en el cual participan guiones escritos por autores oriundos de la entidad o residentes la misma.

Los invitados de honor de esta novena edición son el director alemán Volker Schlöndorff y el húngaro Béla Tarr, de quienes se exhibirá lo más representativo de su obra. De este último, se estrenará en nuestro país El caballo de Turín, su más reciente cinta. Otros directores internacionales presentes en esta edición son Terrence Malick, Aki Kaurismäki y Michael Nyman.

El actor michoacano y amigo del Festival, Damián Alcázar será la figura homenajeada de este año. Y, entre otros reconocimientos, por séptima ocasión, la Casa Cuervo otorgará el Premio Tequila Tradicional, que este año será entregado a Gael García Bernal.

Por quinto año consecutivo se llevará a cabo el Foro de los Pueblos Indígenas, que representa el compromiso del FICM con los realizadores de cine indígena en México y alrededor del mundo. En esta ocasión se presentará una muestra de la realizadora oaxaqueña Yolanda Cruz.

Asimismo, se presentará el programa de “México Imaginario”, con énfasis en películas que muestran a México, su cultura y sus tradiciones, desde la mirada de directores extranjeros. Es el cuarto año consecutivo que el programa propuesto por el director francés Bertrand Tavernier se realiza en el FICM.

Además, en el arranque del Festival, Consuelo Sáizar, titular del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, anunció la creación de la Licenciatura de Cinematografía a incluirse en el plan de estudios del Centro de Capacitación Cinematográfica y avalada por la Secretaría de Educación Pública (SEP). En dicho tenor, anunció la creación en Morelia de una escuela de altos estudios en guión cinematográfico, misma que planea iniciar actividades para el año 2012, con el firme propósito de convertirse en la mejor escuela de guionismo en lengua castellana.

RMM/DH

Fotograma, “Las razones del corazón” de Arturo Ripstein

Gaspar Henaine “Capulina” (1926-2011)

“Y si volviera a nacer, me encantaría volver a ser Capulina”

Gaspar Henaine “Capulina” falleció el viernes 30 de Septiembre en la ciudad de México. El actor quien nació 6 de enero de 1926 es originario de Chignahuapan, Puebla, lugar en el que pasó sus primeros años de  vida, para después mudarse junto con su familia a la Ciudad de México y establecerla como su lugar de residencia.

Dueño de una agilidad mental que marcó época en el cine y en la comedia televisiva Capulina se erigió como uno de los humoristas más prestigiados a nivel nacional. Así como uno de los más “limpios”, al apelar a un ingenioso sentido del humor familiar, lleno de muecas y gestos, siempre prescindiendo del doble sentido y de los insultos.

El “Rey del humorismo blanco” fue siempre muy versátil. Además de haber realizado 84 películas, sacó a la venta 12 álbumes musicales, fue torero, actor de teatro y pionero en realizar giras por todo México y Latinoamérica encabezando un exitoso espectáculo, el “Circo de Capulina”.

Gaspar Henaine, es reconocido por su acervo filmográfico, sin embargo, comenzó como cantante para el cuarteto Los Excéntricos del Ritmo y el trío Los Trincas, agrupaciones que se presentaban en la radiodifusora más importante de ese tiempo, la XEW.

Hacia 1944 inició su carrera de actor, contando apenas con 17 años, y para el año de 1952, mientras su carrera despuntaba con fuerza, conoció en la radio a quién fuera su compañero inseparable, Marco Antonio Campos Contreras mejor conocido como “Viruta”, con quien formó una de las parejas cómicas legendarias del cine mexicano.

Como curiosidad, hay que mencionar que el sobrenombre de “Capulina” lo obtuvo debido a que en el circo del que formaba parte existía una perrita con ese nombre y como Gaspar la imitaba en su acto de mover la colita, Henaine ganó el apodo que le dio reconocimiento a nivel mundial.

Capulina fue uno de los primeros cómicos en participar en la televisión mexicana para los canales 2 y 4 del entonces Telesistema Mexicano. Poco a poco logró hacerse de reconocimiento a nivel nacional y en Latinoamérica y al proyectar Se los chupó la Bruja (1958), la primera película acompañado de “Viruta”, fue tal el éxito que le siguieron otras 25 producciones, por lo que su carrera ya no tuvo regreso.

A pesar de las críticas que se le hacían a esta dupla por su semejanza humorística con “El Gordo y El Flaco”, es claro que fueron creando el estilo inconfundible que llenó las pantallas de cine durante muchos años. Sin embargo, tras filmar Dos Pintores Pintorescos (1967), la pareja se separó por problemas personales y profesionales.

Pero dicho rompimiento no detuvo el ascenso de Gaspar Henaine ya que realizó 58 películas más en solitario, teniendo como guionista a otro gran humorista nacional, Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”, películas en las que compartió créditos con grandes figuras de la época, “Santo, El enmascarado de plata” incluido.

Su última película fue Mi compadre Capulina rodada en 1989, su última participación en televisión fue en 1999 en la telenovela El diario de Daniela y su última temporada de El circo de Capulina la realizó al lado de su hijo, el también comediante Antonio Henaine “Toño Moño”.

El “Rey del Humorismo Blanco” fue homenajeado en el 2009 con la develación de una escultura de bronce en la Plaza de la Constitución de Chignahuapan, Puebla, y dentro del mismo evento se instauró el 6 de enero como el día de Capulina, fecha que coincide con su nacimiento.

Apenas este año recibió el premio al Orgullo Hispano, que le fue entregado en su casa de Cuernavaca, Morelos. Su reciente fallecimiento llena de dolor no sólo al mundo de la comedia, de las pantallas de cine, televisión y las carpas mexicanas, también deja un vacío en todos sus seguidores, que se vieron reflejados en esa imagen de respeto, tolerancia y de buen humor que hizo reír a tantas y tantas generaciones. Que Descanse en Paz Gaspar Henaine “Capulina”.

“Pin up Capulinita”, ilustración por Esteban Saldaña “Tebin”, para revista Comikaze #10