Este fin de semana, del 4 al 6 de noviembre, se llevará a cabo en las instalaciones del Centro Nacional de las Artes, la Cuarta Muestra de Arte Iberoamericano, una celebración que comprende cinco bloques de disciplinas artísticas y que representa el trabajo realizado por los beneficiarios del Programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y de Haití en México, es su periodo 2011.

Dicho programa tiene como principal objetivo fomentar el intercambio cultural y multidisciplinario, así como conformar redes de cooperación artística entre los países de la zona. Cabe destacar que la convocatoria es pública, abierta y no se limita a recibir proyectos de artistas consagrados, sino que abre un espacio de desarrollo para artistas emergentes.

La presente edición del Programa de Residencias recibió 236 postulaciones provenientes de 22 países. De ellas, fueron aprobadas 20 para que sus titulares pudieran desarrollar durante 12 semanas sus proyectos en tres sedes en la nación mexicana: Ciudad de México, San Luis Potosí y Ensenada, Baja California.

Es así que, los ganadores de la convocatoria, dividida en cinco grandes grupos, presentarán sus proyectos, con múltiples funciones, durante los próximos tres días en diversos foros del Centro Nacional de las Artes. La entrada para totas las puestas en escena, conferencias y exhibiciones será libre.

Letras, Danza, Teatro, Artes Visuales y Medios Audiovisuales son los cinco grandes grupos en los que se divide la muestra.

En el rubro de letras, el proyecto se comprometió a publicar un volumen compilación del trabajo de los cinco talleristas participantes: Missael Duarte Somoza (Nicaragua), Diana Vallejo (Honduras) Amarilis Pérez Vera (Cuba), Javier Ramírez “Nadie” (El Salvador) y Julio Serrano (Guatemala). La antología lleva por título Rasa: Poesía/Ensayo.

Por su parte, el trabajo de los rubros Artes Visuales y Medios Audiovisuales serán exhibidos en tres espacios del recinto. En la Galería Manuel Felguérez se encontrarán las obras Espacios en construcción de Francisco Eluchans (Chile), Cuerpo en tránsito de Mairyseth Vargas (Venezuela), Paisaje/Frontera de Alejandro Jaime (Perú), Arcilla Fusión – Tierra Fusión de Sofía Ullauri (Ecuador), A.V.I.E. (Agente Virtual de Información Electromagnética) de Rolando Apolo (Perú), Los Colgados de Diana Varas Rodríguez (Ecuador), y Bosquejos de block I y II de Juanito Gutiérrez (México).

En Galería Camerinos se expondrán los trabajos Nebula Humilis de Lola Guerrera (España), Sueños Arrebatados de Amadeo Velázquez (Paraguay), Intrusión 2 de Ricardo Cortés (México) y Recursivo de Aram Vidal (Cuba); mientras que en la Galería AB, se proyectará el proyecto Virtualisis de Raquel Labrador (España), un falso documental sobre un ficticio nuevo mal que aqueja a la especie humana: la adicción a la virtualidad.

En el apartado dedicado a la Danza, se presentarán las piezas Crystal de Ana Trincao (Portugal) y Sin ningún orden/yquésivoy de Omaris Mariñas (Panamá) en el Teatro de las Artes.

Finalmente, para cerrar el encuentro, se estrenará la obra de teatro ¡Enfréntate! Defensa personal para La Convivencia de hoy de Ezequiel Steinman (Argentina) en el Foro de las Artes, a las 19:00 horas del domingo 6 de noviembre.

AN22/IM

"Approximations d'un végétal ligneux", 2006

Con su “Cámara de descompresión urbana”, el artista francés Aurel de Coloblo propone a los capitalinos “retirarse del mundo” e ingresar en una cabina fuera de todo sonido, instalada en la caja de un tráiler, para vivir una experiencia sensorial sin límites. Esta experiencia se podrá vivir en diferentes puntos de la ciudad, hasta el próximo 26 de noviembre.

Desde el año 2001 el artista ha investigado y experimentado procesos de exposición e intervención que permiten crear una relación abierta, poética y crítica con el público, generando un proyecto de instalaciones enfocado en reunir condiciones y construir mecanismos que permitan integrar una multiplicidad de experiencias, tanto para el público como para los artistas participantes. Esta relación se desarrolla en el marco de un proceso abierto a reinterpretaciones, de enriquecimiento mutuo.

La instalación itinerante permite que el usuario se siente en la oscuridad y se encuentre en la soledad de su ruido interno. Esto se logra con la colocación de un estetoscopio electrónico en el corazón del experimentador, quien paulatinamente, en oscuridad completa, empieza a escuchar el ritmo cardiaco de su cuerpo siendo amplificados dentro de la cabina; mientras tanto, en el exterior, el público puede leer la imagen de lo que ocurre al interior del tráiler, dicha imagen consiste en un electrocardiograma procesado que genera una explosión de flores rojas a lo largo de los “picos” de la señal.

A lo largo del recorrido esta “Cámara de descompresión urbana”, los latidos de los visitantes serán grabados para posteriormente ser reinterpretados y crear una pieza audiovisual que se presentará como testimonio del pulso inherente a la ciudad.

La inauguración de la instalación se llevó a cabo ayer 2 de noviembre en la galería Border. Desde entonces, se presentará en el Faro de Oriente los días 4 y 5 de noviembre, en La Casa Vecina el 9 de noviembre, en el Faro de Tláhuac los 10 y 11 de noviembre, en el Faro y pueblos de Milpa Alta para el 15, 16, 17 y 18 de noviembre, en la galería Tal Cual y en La Quiñonera el día 19 de noviembre, en el Parque México el 20 de noviembre, en el Laboratorio de Arte Alameda el 23 de noviembre, y se despedirá en la Fundación Sebastián, el 26 de noviembre.

RMM/EZ

De la serie “R.A.W. - Running After Words in Deafening Forest”, Mexico D.F., 2010

Foto: Zach Hoskin

Edmonton, Canadá.- Es apenas miércoles y el rumor en cuanto a planes para el fin de semana ya se empieza a esparcir. No se trata esta vez de salir a acampar, organizar una carne asada o construir la terraza, aun cuando el clima es perfecto –cuatro días seguidos a más de 20 grados es una verdadera rareza–. No; este fin de semana sólo hay dos tipos de edmontonianos: los que van al Gallagher Park y los demás. Los que deciden jugar al hippie posmoderno y el resto. Bienvenidos a la aldea del Festival de Música Folk de Edmonton.

Durante el invierno, las colinas del parque Gallagher en el modesto centro de Edmonton, funcionan como campo de esquí. En el verano la inclinación natural resulta inigualable para montar siete escenarios más el principal. Para llegar es necesario caminar, tomar el autobús o llevarse la bici y asegurarla a cualquier poste, pues no se permite estacionar el coche en las calles aledañas.

Una amplia diversidad de público asiste mientras que los vagabundos deciden apreciar gratuitamente los actos desde las afueras del parque. Gracias a la destacada organización, hay espacio para todos: desde zonas designadas para discapacitados junto al escenario principal, áreas de juegos para niños, beergardens, lugar exclusivo para fumar y tiendas de campaña; hasta incluso un “muro de intercambio” de boletos o swapboard para aquellos desafortunados que no pudieron conseguir los tan codiciados pases, agotados en dos horas.

El Ritual

Varios de los afortunados que sí lograron comprar sus entradas por teléfono, también deciden asegurar un buen lugar en la colina. Las largas filas para entrar se forman cuatro horas antes del inicio del festival y rodean el parque. Grupos de veinte personas que parecen excursionistas entran junto con gaitas escocesas que los escoltan hasta las primeras filas. Entre lonas, sillas y bloqueador solar, el gesto de bienvenida y reconocimiento a la dedicación corre por parte del staff.

Vale la pena una mención especial a los voluntarios que, en gran parte, hacen posible el evento, además de darle la calidad necesaria para destacar internacionalmente. El trato, su dirección y disposición también es premiado con exclusivas fiestas donde tocan bandas del cartel al terminar la jornada. Por supuesto, los rumores se escuchan entre voluntarios y artistas antes y después del festejo.

En términos prácticos, el plan para asistir al Folk Fest puede ser tanto austero como lujoso. Las concesiones de comida en el festival tienen buena reputación en la ciudad, y por lo tanto, a ésta equivale el precio. Desde waffles orgánicos de $4 dólares hasta cenas completas de comida hindú o italiana por $16. La alternativa para no gastar más de la cuenta en alimentos es llevar los propios. Se permite incluso entrar con hieleras –sin bebidas alcohólicas–, sombrillas, lonas y sillas de ciertas medidas.

Una vez que el monte se pinta de plástico azul, es buena idea reconocer el lugar. Merodear descalzo por los escenarios y el sitio en general, es más que pretensión. El clima no obedece a ningún patrón, especialmente en la provincia de Alberta. Las temperaturas fueron de los 13 a los 30 grados, con lluvia exprés, vientos y arco iris.

No importa la excentricidad en el vestuario mientras sea cómodo. Los que asisten en plan lujoso deciden empacar ropa contra lluvia, botas y un par de frazadas por si acaso. Para aquellos en plan austero, el pasto es el mejor aliado para disfrutar el golpeteo de la lluvia sobre el cuerpo.

El Festival

La peculiar voz y energía de Imelday May inauguraron el escenario principal la tarde del jueves. Momentos después tocó el turno a Edward Sharpe and the Magnetic Zeros en uno de los actos más esperados. Prueba superada. Alex Ebert, vocalista de la banda, tradujo su buena vibra mientras caminaba descalzo entre la gente entonando Home y 40 Day Dream. Lo hippie, más que cliché, se fue tornando realidad tangible conforme pasaron las horas. Más tarde, los característicos rostros inexpresivos de los Gipsy Kings cerraron la jornada entre miles de velas –a 2 dólares cada una– que alumbraron la noche.

Pero la grata sorpresa de este evento son los talleres o workshops con un nivel protagónico que le da buena batalla al del set principal. Se trata de escenarios más discretos que hospedan sesiones entre artistas de diferentes ritmos, contextos y nacionalidades. El resultado: fusiones eclécticas para nada despreciables, que de sólo escuchar los nombres en primera instancia, no parecen tener mucha lógica.

La cuestión es atreverse a imaginar un violín de Chicago, percusiones nigerianas y jazz de Nueva Orleans juntos en el mismo escenario. Andrew Bird y su característico silbido melódico se encontró con la música tradicional africana de Etran Finatawa y la enorme doble trompa de The Preservation Hall Jazz Band. Es casi como el platillo más raro y aparentemente poco apetitoso que termina por ser la exquisitez del menú.

La multiculturalidad canadiense encuentra terreno común en el folk y lo refuerza con talleres que la gente sabe apreciar. La banda canuck The Paperboys fue otro destacado de la tarde sabatina, combinado con reggae a cargo de Mighty Popo y Alpha Yaya Diallo. Resulta satisfactorio encontrar en el extranjero un colectivo de origen mexicano, sólido y bien armado, experimentando con ritmos ajenos a lo tradicional sin perder su esencia latina.

Tom Landa, líder de The Paperboys, decidió dejar de ser chilango a los 15 años para formar su agrupación en Vancouver. Ellos basan su música en el son jarocho y juegan con ritmos celtas, bluegrass, tintes de ska y country. Durante su colaboración con artistas africanos, estos músicos desmitificaron al frío canadiense promedio y lo pusieron a mover el cuerpo.

El objetivo es liberar la energía. No importa en qué formato ni ritmo o arritmia, la gente baila como sea, por todo el sitio, todo el tiempo; de pié, con el hula hula o en silla de ruedas. Todos tienen lugar: voluntarios, miembros del staff, espectadores e incluso los vagabundos que deambulan fuera del parque. Delhi 2 Dublin reforzó la fiesta con sonidos de guitarra hindú mezclados con beats electrónicos, en uno de los conciertos vespertinos con más audiencia.

La banda Noah and the Whale contribuyó a la atmósfera festiva con un poco de brit rock, justo antes de partir hacia Grant Park, Chicago. La expectativa era alta al ser uno de los actos principales; sin embargo, lograron satisfacerla con un repertorio variado y el público lo agradeció. Más tarde, el legendario trío Taj Mahal cerró el día con una buena dosis de blues.

Jeremy Fisher y The Deep Dark Woods representaron dignamente la esencia del folk canadiense. El estilo de Fisher es simple, cotidiano y contagioso, por lo que ha sonado tanto en radio popular como alternativa. The Deep Dark Woods, instalados en las historias del chico de campo, tocaron las fibras de los canadienses aunque éstos se resistan a aceptarlo. Aquí el country sí termina por conmover. Vale la pena también seguirle el paso a Scenic Route to Alaska quienes, originarios de Alberta, demostraron el potencial local para retomar el country y convertirlo en rock mucho más ruidoso y emotivo.

Con el paso de los días y las últimas horas del festival, comienza la melancolía. No sólo significa el término de la fiesta, sino prácticamente las últimas semanas calurosas. El verano es corto, y aunque éste es el evento más esperado de la temporada, representa también una marca en el tiempo: de ahora en adelante, los días serán cada vez más cortos.

El Festival de Música Folk de Edmonton no es sólo una actividad recreativa y rentable para la ciudad, también es una exhibición artística de calidad internacional que une a la comunidad entre voluntarios, espectadores, artistas y organizadores. Universitarios y vagabundos. Propios y extraños. Canadienses y mexicanos. Hasta el próximo año.

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– English version –

Edmonton Folk Music Festival: the land of the postmodern hippie

by Sandra Murillo

Edmonton, Canada.- It’s barely Wednesday and already the rumors are spreading about weekend plans. This time, however, the discussion is not about camping, having a BBQ, or building the deck, even though the weather is perfect –four days in a row above 20 degrees seems to be a true peculiarity here–. No, this weekend there are only two types of Edmontonians: those who are going to Gallagher Park and the rest. Those who decide to play the postmodern hippie game and everybody else. Welcome to the Edmonton Folk Music Festival village.

During winter, Gallagher Park in the modest downtown of Edmonton, Alberta, serves as a ski hill. In summertime, the natural inclination of the ground turns out to be incomparable to set up seven small stages and the main stage. You can walk, bus or even bike to the festival, since there is a post available in almost every corner close by, and since it is not permitted to park cars in the neighborhood.

A broad range of people attends the festival, while the homeless enjoy every performance for free from the other side of the fence. Thanks to the outstanding organization, there is room for everybody: from designated areas for handicapped just by the main stage, to playgrounds, beer gardens and smoking spots. Even a swap board is available for the unfortunate ones who could not get tickets, which sold out in two hours.

The Ritual

Some of the lucky ones who managed to buy their tickets by phone also decide to assure their spot on the hill. People start lining up, literally surrounding the park, a good four hours before the kickoff. Gatherings of 20 people get in among Scottish bagpipes, which escort them to the front rows. Between tarps, chairs and sunblock, the staff welcomes the most dedicated festivalgoers.

A special mention to the volunteers is worthy, since they pretty much make the event possible. Their manners, direction and disposition are also awarded with exclusive parties where some of Folk Fest bands play at the end of the day. Of course, stories run wild among volunteers and artists before and after the celebration.

Basically, there are two ways of attending the festival: austere and deluxe. The food franchises have a decent reputation in the city, which is reflected in their prices. The range goes from 4 dollar organic waffles to 16 dollar Indian or Italian dinners. The option to avoid spending more than necessary on food is to carry your own.

Once the hill is painted in plastic blue, it is a good idea to get acquainted with the place. Wandering around shoeless in the park is more than a mere pretension. The weather does not obey any particular trend in Alberta. The temperatures were from 13 to 30 degrees, with short storms, winds and a couple of rainbows. It does not matter how eccentric one’s clothing is, as long as it is comfortable. Those on the deluxe plan might decide to pack their rain gear, boots and some blankets, just in case. For the austere festivalgoers, grass is their best ally to enjoy the rain au naturel.

The Festival

Imelda May’s energetic voice opened the main stage on Thursday afternoon. Later on, Edward Sharpe and the Magnetic Zeros went onto the stage in one of the most anticipated moments of the night. Expectations exceeded. Alex Ebert, the band’s front man, transmitted his vibe with Home and 40 Day Dream while walking barefoot among people. The cliché of hippie turns into tangible reality as time runs by. The Gipsy Kings’ inexpressive faces came at the end of the day, among thousands of 2 dollar candles that lit up the night.

The nicest surprise of the festival was the so-called workshops, which almost stole the leading role from the main stage performances. Discrete platforms host sessions between artists of different rhythms, backgrounds and nationalities. The outcome: eclectic fusions that might not make much sense at first.

It is all about daring to imagine a violin from Chicago, percussions from Nigeria and jazz from New Orleans together on the same scene. Andrew Bird and his tuneful whistle met the traditional African sound of Etran Finatawa and the huge tuba of The Preservation Hall Jazz Band. Almost like the most bizarre and least appetizing dish that ends up being the most exquisite on the menu.

The Canadian multiculturalism finds common ground in folk music and it is reinforced with workshops that the festivalgoers appreciate. The Canuck band, The Paperboys, was one of the Saturday’s afternoon highlights along with Mighty Popo’s reggae and Alpha Yaya Diallo’s mix. It is satisfying to find abroad a solid, well-armed Mexican collective that experiments with rhythms far from their own tradition, but still keeps their Latin essence.

Tom Landa, lead singer from The Paperboys, decided to leave his hometown at the age of 15 to later become a musician in Vancouver. Their music is based in the son jarocho while playing around with Celtic melodies, bluegrass, some ska and country. During their performance with the African artists, The Paperboys destroyed the myth of the cold Canadian and put him in the dancing spot.

Release of energy is the main goal. What matters is not really the way or the rhythm, or even arrhythmia, in some cases. The carefree public dances away all around the park all the time: standing up, with the hula-hoop, or in a wheelchair. Delhi 2 Dublin lit up the party with their combination of Indian guitars and electronic beats, in one of the most attended shows of the festival.

Noah and The Whale contributed to the atmosphere with a bit of brit rock, just before heading to Grant Park, Chicago. The expectation was high, as they were one of the main acts; but they managed to meet expectations with a varied set list that people appreciated. Later on, Taj Mahal closed the day with a solid dose of blues.

Jeremy Fisher and The Deep Dark Woods stood up decently for the essence of local talent. Fisher’s style leans more to the pop side: simple, common and contagious. Both the mainstream and alternative radio stations have played his tunes for quite a while. The Deep Dark Woods, a fair representative of Canadian folk, base their songs on the country-boy story. The fans were moved by the lyrics even though they refuse to admit it. Here, country music ends up touching people’s feelings. It is worth mentioning that Scenic Route to Alaska constituted a big Albertan surprise, demonstrating their potential to pick up country sounds and integrate them into a much more emotional, noisier rock.

Days go by and as the last hours of the festival wind down while a sense of the summers-end melancholy sets in. This not only means that the party has come to an end, but also the advent of the last hot weeks. Summer is brief here, and even though this is the most anticipated event of the season, the Folk Fest’s end also represents that, from now on, days will be shorter.

The Edmonton Folk Music Festival is not only a recreational activity profitable for the city, but also a first-class artistic exhibition that unites the community among volunteers, festivalgoers, artists and organizers. Students and homeless. Natives and foreigners. Canadians and Mexicans.

We’ll see you next year…

Photograph by Zach Hoskin

Ciudad de México, 17 de septiembre, 11:00pm. Es tercer día de un agotador “puente” de fiestas patrias. Me preparo para dormir y en mi mente hay una sola cosa: “mañana, después de más de diez años de espera, X Japan pisará suelo mexicano” Sin embargo la alegría no es plena, hay una mala noticia, yo, como muchos otros seguidores de la agrupación japonesa, no cuento con boletos para asistir al concierto.

¿Cómo es eso? Una gran fan sin boletos. Las entradas estuvieron a la venta desde el mes de junio y la respuesta de sus fanáticos no se hizo esperar. Se agotaron todas las localidades en un par de días. A pesar de ello, como buena fan, y después de pasar por una serie de reacciones que iban desde indiferencia, pasando por la frustración, la envidia y el dolor, llegué a la determinación de ir a cazar boletos, no importaba si para eso debía vender mi alma a algún revendedor.

Traté de dormir lo más que pude, mi estomago estaba revuelto, mis manos congeladas, temblaba como gelatina mal cuajada y entre sueños pedía lograr mi objetivo, conseguir un boleto.

18 de septiembre, 10:00am

Desperté después de una noche intranquila. Hoy era el día, uno que estaría grabado en mi memoria para bien o para mal por el resto de mi vida. Revisé Facebook en busca de comentarios del líder de X Japan, quien horas antes publicaba su experiencia en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, el cómo una gran cantidad de seguidores fue a recibirlos. Fue ahí, perdido en tal amasijo de comentarios, que encontré un pequeño mensaje de una mujer que vendía sus boletos. Estaba hecho.

Llegué al Circo Volador a las 4:00pm, el lugar estaba lleno de cientos de fanáticos que vestían con vestidos negros a petición expresa de los organizadores y del grupo porque éstos deseaban incluir su paso por México en un DVD conmemorativo como evidencia de su visita en Latinoamérica.

Aquello era un caos, marabunta de asistentes, revendedores, puestos de comida –desde elotes y hamburguesas, hasta pan al vapor y sushi–, y los comerciantes de cualquier tipo de mercancía relativa al grupo. Perdida entre todo ese desorden me dirigí hacia un miembro del staff para preguntar dónde debía formarme, cosa inútil ya que no supieron decir nada. Lo que era cierto es que pasó una hora y media y no había señales de que habría pronto acceso.

Se asignaron filas para cada tipo de boleto. Los de “X-Zone” para los afortunados que estarían junto al escenario; los que tenían “preferente” se colocarían en medio; y los generales, para la gente como yo, ocuparían en espacio vacío a lo lejos, en las alturas.

Por más de una hora bajo el sol esperamos en una fila interminable. Pero había algo en el ambiente, después de todo yo no era la única que esperaba con ansia creciente dicho momento. Los ávidos asistentes se limitaban a compartir recuerdos de su experiencia con la música de X Japan, bromas sobre la edad de los integrantes, el público ponía ambiente porque sabían que dentro de unos minutos verían un sueño convertirse en realidad.

Finalmente, sorteando con éxito la insolación, logramos ocupar nuestros lugares dentro del recinto. Me alegré al ver que las proporciones del lugar me permitirían ver con claridad el escenario. Una sonrisa complaciente se dibujó en mi rostro mientras mi estomago sufría accesos de ansiedad, mis manos se entumían y mi mente repetía “Estás aquí, es real”. Mi corazón se aceleró cuando de pronto unas figuras aparecieron en el escenario, cuál fue nuestra sorpresa al descubrir que no era la banda la que saltaba al escenario sino un grupo de mariachis que los organizadores consiguieron para dar el saludo de la casa a X Japan.

Pronto cantábamos al unísono “Cielito Lindo”, aplaudíamos, brincábamos; la energía desbordaba el lugar. Gritos como “¡Viva México!” y “¡We are X!” hacían surgir una especie de placentero nacionalismo, queríamos que nuestros ídolos jamás se olvidaran de nosotros, de México.

El mariachi abandonó el lugar, esperamos un suplicio de treinta minutos pero antes de que la multitud se amotinara, las luces del lugar desaparecieron. Mi corazón aceleró su marcha mientras el recinto se llenaba de gritos. Desde el fondo del escenario se iluminó una pantalla y en ella una majestuosa “X” se formó, todos entendíamos el código, todos sabíamos qué hacer: gritar “X”, “X”, “X”… “¡We are X!”

De pronto nuestros oídos, nuestros ojos fueron testigos de lo imposible, Yoshiki se despojaba de su abrigo para tomar lugar frente a la batería, seguido de los legendarios Pata, Heath, Sugizo y Toshi…

Xperience

“Jade” fue la canción elegida como carta de presentación, todos los asistentes cantábamos eufóricos; era increíble, parecía que nada en el mundo podía superar esa sensación hasta que llegó “Rusty Nail”, sí, la clásica canción que había escuchado años atrás en un casete desmagnetizado, ininteligible, uno que había comprado en una convención de cómics muchos años atrás. Miré alrededor, todos estaban envueltos en la magia del momento, yacíamos allí, en verdadera comunión.

Sugizo, despejando cualquier duda como miembro de la banda, asombró a los presentes mostrando tanto su talento como guitarrista como su virtuosismo al violín, al ejecutar, entre otras piezas, el mismísimo Himno Nacional Mexicano, como muestra de afecto a los fans. Las reacciones no se hicieron esperar, aplausos incontrolables al termino de sus ejecuciones, silencio respetuoso mientras él nos regalaba un momento de tranquilidad y belleza entre la euforia. Los minutos trascurrieron cual agua, todos gozamos y nos estremecimos con canciones como “Drain” o “Born to be free”.

Pero llegó el momento, comenzó a sonar la canción que lleva el nombre del grupo, “X”, su pieza emblemática. Aquella canción que escuchaba cuando algo iba mal, cuando peleaba con gente querida o estaba triste, aquella canción que representa los ideales de cambio de una generación entera.

La multitud despertó como una fiera. Un inmenso grito surgió de miles y miles de gargantas, personas apasionadas por los acordes de unos pocos instrumentos.

No lo podía creer. Mis rodillas temblaron, mi garganta tenía un nudo que solo podía ser liberado cantando y gritando. Brinqué como no lo hacía en mucho tiempo, mientras cruzaba mis brazos en forma de “X” y las lágrimas caían en torrente por los bordes de nuestras mejillas al ver cumplido un sueño colectivo. Fue sin duda el momento más intenso de la noche.

Una pausa. La presentación de los miembros, “¡We are X!, ¡We are X!” fue el grito de guerra mientras Yoshiki se lanzaba a un público hambriento de él, volviendo locos a los fans y a el quipo de seguridad.

De regreso en el escenario, se acababa su voz gritando con el auditorio. En un momento sublime y vertiginoso, Yoshiki arrojaba cosas, mojaba a su público y se entregaba al piso con la fuerza de su voz. Todos los asistentes disfrutábamos cada momento, éramos parte, era real.

X Japan dedicó cálidas palabras de amor por México y se despidió… pero nosotros no, necesitábamos más, aún no pensábamos irnos. El auditorio rugía en espera del pronto reencuentro y después de un corto lapso reapareció el hombre sensación de la noche, Yoshiki, ataviado con un gran sombrero típico mexicano y envuelto por la bandera tricolor agradeció una vez más al público asistente las muestras del cariño recibido. Su piano comenzó a tocar y el resto de grupo se le unió.

Yoshiki mencionó la gran pérdida de dos de sus amigos y ex compañeros de la banda: HIDE por quien los gritos no se hicieron esperar y Taiji quien fue sorprendido hace apenas unos meses por la sombre de la muerte. Notablemente conmovido, el líder comenzó a tocar aquella tonada por todos conocida. “Endless rain” llegó a nosotros y con ella las lágrimas de los pocos que no se habían entregado aún a la melancolía. Finalmente “Art of life” fue la encargada de cerrar el recital de la noche, uno que nadie quería que terminara pero que afrontamos con el espíritu en alto. Todos estábamos satisfechos y felices.

Yoshiki de nuevo se lanzó a su gente complacida por tenerlo entre sus brazos. Y con esto la participación de la banda había concluido, pero de fondo teníamos otra canción emblemática la cual cantamos para ellos “Forever love”. Cada miembro agradeció y con lágrimas aplaudimos los últimos momentos de la banda sobre el escenario, disfrutábamos cada segundo que nos quedaba con ellos y después de unas reverencias y gritos, por fin, se fueron.

Un desfile de zombies aún embelesados comenzaron a desalojar el lugar, todos hablaban de lo especial que había sido, de lo profesional de los músicos, de recuerdos, de deseos, de X Japan. Yo tenia una sensación de triunfo, sí, la organización no fue la mejor, comenzaron una hora y media después del plan, pero, todo, absolutamente todo valió la pena. Fue una de las experiencias auditivas, visuales y corporales más intensas, más sorprendentes, más increíbles por las que he pasado.

Las palabras más precisas para describir dicha experiencia fueron las escritas por el mismo Yoshiki en la mañana siguiente al concierto, vía Facebook: “We Fxxkin ROCKED!! I used every single energy I had in my body…! I can’t even stand up…!”

Otro 11 de septiembre, el de 1973, prólogo a una amarga saga de exilios. Fotograma de la trilogía “La Batalla de Chile”, Patricio Guzmán, 1975-1979.

Preciso empezar con una pregunta: ¿Qué es lo que hace chileno al cine chileno? ¿Qué hace sueco al sueco, libanés al libanés, ruso al ruso, mexicano al mexicano? Imagine usted que camina por Santiago intentando responderse la cuestión, y pregunta usted a un productor, que afirmará que lo que hace chileno al cine es la inversión de dinero netamente patrio en el filme dicho. Pregunte usted a un cineasta, que afirmará que eso depende del origen nativo del autor, sea lo que sea que esa idea, autor, le signifique. Pregunte usted ahora a un guionista, que podrá decirle que mucho depende del idioma en que esté escrito, de las condiciones de locación, del lugar donde se desarrolla el argumento y el entorno de lo que ahí sucede. Pero pregunte usted al espectador que va saliendo de la sala, al que busca un DVD, al que revisa la cartelera, y encontrará la respuesta menos sectaria, la más sensata: El cine chileno es el que me habla de mí mismo y de Chile. Y basta. Eso valdría, digo yo, para cualquier cine del mundo, por encima de dineros, autorías o locaciones. ¿O es que tiene patria la imagen?

Si hablamos aquí de Chile y no de otro caso más reconocible en el mapa de la América audiovisual es precisamente porque es aquel país el que exhibe una de las condiciones más interesantes (también menos conocidas) en su desarrollo durante las últimas décadas: El del cine nacido en el exilio.

Mientras que otros cines hispanos de calidad, como España o Argentina, lograron germinar en suelo propio bajo la sombra y a contracorriente de dictaduras a cual más áspera, los cineastas chilenos a partir de 1973 optaron por una dolorosa diáspora que poco tenía de cobarde, pues si se fueron no fue para batirse en retirada sino para regar por el mundo (con celuloide extranjero, con cámaras extranjeras, sí) la noticia de lo que ahí dentro pasaba: El horror silencioso, el infierno en medio de la calma, del buenos días, de lo normal.

“Nunca”, dice Luis Horta, cineasta, restaurador fílmico de la Universidad de Santiago, “nunca se hicieron tantas películas chilenas como entre 1973 y 1990 (el período de la dictadura)”. Curioso pensar que de entre ellas, ni cuatro se hicieran, siendo estrictos, en Chile. Conocido es el caso del recién fallecido Raúl Ruíz, quien desde el exilio francés se dedicó a entretejer una de las obras más dilatadas, multifacéticas y arriesgadas del cine de autor, más de 200 trabajos que pasan por el video, el montaje fotográfico, los 8, 16 o 35 mm, el documental, la ficción, el abstracto o lo que no cabe en ninguno  de los tres, una obra de interés creciente a partir de un número especial que Cahiers de Cinéma le dedicara en 1983.

Conocido también es el caso de los otros dos chilenos del mundo, documentalistas ellos, Patricio Guzmán y Miguel Littín, quienes a diferencia de los vuelos experimentales de Ruíz eligieron la firme claridad discursiva del documental político para difundir seriales de altísima calidad formal, el legendario tríptico “La Batalla de Chile”, de Guzmán, y las casi cinco horas de la Acta General de Chile filmada por Littín, esta última con un inmejorable making-of escrito por “el Gabo” García Márquez como La Aventura de Miguel Littín, clandestino en Chile. Léalo usted, incluso si no le interesa el tema, incluso si no le interesa García Márquez.

Pero si alguien me pregunta a mí qué es lo que, de entre todo esto, encuentro más interesante, hablaría de un fenómeno conmovedor, yo diría inédito, en la historia de las coproducciones: un cine epistolar filmado en formato de cartas, de confesiones, de memorias o de mero documental, filmado por chilenos exiliados en puntos como Suecia, Finlandia o Mozambique,  pero financiado, producido y distribuido por aquellos países de acogida, en un gesto de decidida solidaridad.

De modo que tenemos cintas (hoy tristemente inconseguibles) habladas en sueco o con el paisaje de Helsinki o la llanura africana,  producidas con toda la agrura del exilio, de la nostalgia de cineastas arrancados de la familia, los lugares y el idioma pero que parten hacia el mundo a hacer cine sobre Chile y sobre el exilio. ¿Es esto hablar de cine chileno? La pregunta no es retórica ni mucho menos. Dejo al lector toda la libertad de respuesta.

En el otro lado del juego están los que (las razones sean de cada quien) decidieron quedarse. Ahí, durante la década de 1980 y con el impulso del video doméstico, se realiza sin tregua un documental urgente, apresurado, clandestino, que va saliendo del país poco a poco como la carta en la botella que un prisionero lanza al mar, soñando con alguna clase de respuesta. Documentalistas que salen a la calle con una cámara como quien sale con una granada sin seguro. Pedro Chaskel, Helvio Soto o Ignacio Agüero tienen, por supuesto, que hacerlo de forma anónima, sin firmar nada o haciéndolo bajo seudónimo. “Lo importante era hacer cine”, apunta Horta, “sin importar quién lo hiciera. Ese es uno de los cuestionamientos más importantes que puedan hacerse a la idea del autor.”

Hoy, veinte años después, el cine chileno aprieta el paso para alcanzar a otras cinematografías hispanas en la formación de una industria, empieza a alzar la mano con cierta timidez en festivales internacionales, consigue alguna que otra exportación a otros países, es capaz de generar una revista de sólido interés como R7A: Revista Séptimo Arte (www.r7a.com). Nombres como Larraín, Wood o Bize podrán sonar vagamente conocidos al cinéfilo actual, quien tendrá en alguna estima a Machuca, La Nana o La Frontera, pero habrá que empezar a pagar la deuda que tenemos como hispanos, como latinos, con aquel otro cine, ese que no nos podemos dar el lujo de olvidar.

¿Qué es lo que hace chileno al cine chileno? Preguntemos otra vez. ¿Qué es aquello tan juguetón que le otorga nacionalidad a una imagen, como si la vista tuviera cartilla, como si el sonido tuviera pasaporte? ¿No será, acaso, que las sucesivas crisis del cine mexicano tienen una raíz ahí, en pensarse como mexicano y no, a lo mucho, como hecho en México? Eso, por supuesto, ya es desviar el rumbo de nuestro texto hacia otro cauce, uno bastante amplio. Aunque no estaría de más.

Otra vuelta de tuerca es una historia de fantasmas ambientada en una casa de campo victoriana donde llega una institutriz a cuidar a dos niños, Miles y Flora. Las circunstancias de su llegada son extrañas y al poco tiempo la institutriz empieza a comprender el oscuro pasado que amenaza a Miles y a Flora. La música de Britten acompaña magistralmente la tensión dramática del texto.

El papel de la institutriz fue interpretado con suficiente destreza por la soprano galesa Fflur Wyn. Samuel Boden (quien recibió lo más entusiastas aplausos por su más que brillante actuación) y Lourdes Ambriz representaron los papeles de los fantasmas de Peter Quint y la Srita. Jessel. La talentosa Encarnación Vázquez en el papel del ama de llaves la Sra. Grose. Flora y Miles fueron representados por Erin Hughes y Leopold Benedict. Al frente del Ensamble Filarmonía estuvo el célebre director Jan Latham Koenig. El resultado fue una combinación de talentos bastante buena que recibió al finalizar una ovación entusiasta por parte del público asistente.

El libreto de Otra vuelta de tuerca fue escrito por Myfanwy Piper y la ópera fue estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 14 de septiembre de 1954 bajo la dirección musical de Benjamin Britten. Musicalmente, la ópera está basada en un tema de doce notas que Britten maneja a través de variaciones y transformaciones diversas.

Cabe aún destacar el gran trabajo en la dirección de escena realizado por Michael McCaffery; su trabajo sumó a la calidad musical que ofreció esta ópera un manejo visual de los espacios y los personajes que respaldó la fuerza dramática de la obra sumergiendo al público en un ambiente decadente e inquietante.

Otra vuelta de tuerca fue un gran acierto y un éxito que esperamos que se repita en otras producciones de calidad comparable.

OZ

Portada de la edición inglesa para las librerías Borders, limitada a 800 ejemplares

Un instructivo tiene la finalidad de explicarle paso a paso, a la persona promedio, cómo armar un mueble, cómo conectar un electrodoméstico, cómo usar un equipo electrónico. Su objetivo es que el lector no se pierda, no dejarle el mínimo espacio a la imaginación deductiva, pues si el usuario se pone a pensar por su cuenta, es probable que no sea capaz de instalar su artefacto. Por eso es tan aburrido leer un instructivo. Por eso la mayoría de nosotros no terminamos nunca de leerlos y al final del día tenemos que llamar al experto que conecte el DVD a la televisión. Sobra decir que la literatura es una cosa completamente diferente, eso es obvio, pero parece que para muchos lectores y, mucho peor, para muchos escritores, las razones de la diferencia, no son tan evidentes.

Tomemos el caso de After Dark, de Haruki Murakami (Kioto, 1949), autor también de Tokio Blues / Norwegian Wood, novela que a mí me llegó muy hondo (no es el lugar para detallar las razones). La trama es interesante: una serie de personajes un tanto marginales, cada uno a su estilo y respecto de su entorno, se mantienen en vela toda la noche y se van cruzando en distintos puntos de un barrio de Tokio. Mari no quiere estar en su casa y su plan es leer en una cafetería. Takahashi ensayará con su grupo de jazz en el sótano que alguien les presta. Kaoru administra un hotel de paso, en el que acaban de golpear y desvalijar a una prostituta china que trabaja para una mafia de ese país. Shirakawa prefiere trabajar a deshoras, antes que regresar a su casa a dormir junto a su esposa. Pero además Eri, hermana de Mari, lleva durmiendo más de dos meses sin salir del sueño, en cuyo cuarto la televisión se prende y se apaga, a pesar de estar desconectada.

El narrador nos va llevando de un lugar a otro, de una habitación a otra, del exterior hacia el interior y luego de vuelta de la televisión del cuarto de la bella durmiente, de un encuentro a otro, acercándose y alejándose de los personajes, de las situaciones, de los conflictos, que se van entrelazando y se van haciendo más complejos, que ascienden en intensidad hasta que la historia primordial se resuelve con un final lleno de ternura y amor entre las hermanas. Las demás líneas argumentativas no tienen una resolución definitiva, pero no importa, no le quita mérito.

Hasta aquí suena muy bien y daría la impresión de que el recurso literario de acercarse y alejarse de las escenas y de los personajes le da dinamismo y plasticidad a la obra. El recurso tiene un nombre concreto: un narrador cámara, que es flexible y tiene plena libertad de enfocar y desenfocar a su gusto. Pero aquí es donde vienen los peros: toda la digresión anterior sobre el narrador cámara no es una sesuda deducción mía, que parta del planteamiento de los escenarios y de la técnica empleada por el autor, para generar el efecto de acercamiento y alejamiento. No lo es, porque al inicio de cada capítulo y en cada ocasión en que cambiamos de escenario, el narrador nos indica expresamente que la cámara se mueve de acá para allá y que ahora se acerca a tal personaje y ahora está enfocando tal objeto, para luego decirnos que se aleja para irnos a no sé dónde. Es decir, es un instructivo del narrador cámara, pues más bien parece que nos está dando una lección de cómo emplear el recurso literario.

En vez de lograr que imaginemos ese movimiento, el narrador se va por la salida fácil, la que menos esfuerzo le requiere, de mejor enseñarnos paso a paso el movimiento de la cámara. Al lector no le interesa saber, como leyendo un instructivo, cómo se utiliza el recurso del narrador cámara. El lector preferiría imaginar, sentir, el efecto dinámico de subir y bajar, de entrar y salir. Pero eso es mucho más difícil de lograr.

Pero el instructivo para seguir la novela no se limita a lo anterior: el narrador no deja participar al lector, no le da ese espacio vital necesario para la imaginación y la deducción lógica a partir de los elementos que se van planteando durante el texto. Prefiere meter su cuchara y explicárselo todo con detalle, no vaya ser que se pierda y no capte la complejidad de la trama.

Un ejemplo: un integrante de la mafia china llega en motocicleta y casco al hotel por la prostituta vejada. Páginas más adelante Mari y Takahashi van caminando por la calle y junto a ellos pasa una motocicleta montada por un hombre con casco: es evidente que es el mismo tipo, pero el narrador nos lo aclara, no sea que se nos escape. Lo mismo sucede con los lápices de la compañía en la que trabaja Shirakawa y otros detalles.

Lo primero que un escritor debe tener en cuenta para hacer literatura y no instructivos, es que el lector es, por lo menos, tan inteligente como él. Pero insisto, a muchos escritores no les quedan claras las razones que hacen diferentes un texto de otro.

Alguien dirá que soy muy fijado en la técnica y que lo importante de una novela es la historia. Puede ser, pero desde mi punto de vista, una buena historia mal contada –con una técnica deficiente–, se vuelve un mal libro.

La historia planteada en After Dark es, lo reitero, muy interesante. Los personajes tienen mucho potencial, por sus entornos y antecedentes, para darnos una visión del mundo –de su mundo– enriquecedora, intrigante, que nos haga plantearnos algún problema desde un punto de vista que no habíamos considerado. Sin embargo, el narrador que todo lo explica hace ruido e impide que el lector se sumerja en el flujo de la trama y en la conciencia de los personajes. Es como el acompañante al cine que no para de hablar durante toda la película: hacia la mitad queremos estrangularlo o cambiarnos de lugar. Lástima que el lector no puede prescindir ni del autor ni del narrador.

Igual ruido causa, por ser un elemento más cercano al instructivo que a la literatura, que al inicio de cada secuencia el narrador nos explique en donde estamos: al interior de la cafetería; o en la tienda de conveniencia; o en la oficina de Shirakawa; o cualquier otro, el caso es que explícitamente el narrador dice en dónde está puesta ahora la cámara. Nuevamente todo ya masticado y digerido para el lector: que no se esfuerce, que no se pierda. Lo contrario sería dejarlo que imaginara y dedujera en qué escenario estamos ahora, a partir de la descripción de los objetos significativos, de las acciones de quienes ahí se encuentran, pero eso, otra vez, es mucho más difícil.

Valdría la pena recomendarle a Murakami que leyera las primeras tres páginas de El coronel no tiene quién le escriba, en las que, a partir de lo que sucede el lector deduce, imagina, que está en la cocina de la casa del coronel… sin que se lea la palabra “cocina” ni una sola vez.

Para escribir literatura y no un instructivo, el escritor debe saber que es mucho mejor mostrar las cosas que explicarlas y mencionarlas explícitamente. Sólo así se le da al lector el espacio necesario para la interacción imaginativa.

Un último apunte, fuera de toda crítica técnica: según Hugo Hiriart en El Arte de Perdurar, para que una obra trascienda debe representar algo, ser individual y claramente identificable. Añado yo: debe ser representativa de un país, de una cultura, de una época.

Algo que, desde mi punto de vista, hace tan grande a Kawabata es que representa fidedignamente el temple japonés. Lo bello y lo triste y La casa de las bellas durmientes están llenas de muestras significativas de su cultura.

Me pareció que en Tokio Blues Murakami logró lo mismo, guardada proporción. Pero en After Dark, Murakami hace todo lo posible por desvanecer el carácter japonés de sus personajes. Pareciera que su propósito es occidentalizar a sus personajes y homogeneizarlos con el gran mercado literario europeo y norteamericano. Ellos escuchan y/o tocan jazz y/o rock, en las cafeterías la música que suena es íntegramente popular. Mari usa una gorra de los Medias Rojas de Boston. Si le cambiáramos el nombre a las ciudades y a los personajes, podrían encuadrar perfectamente en cualquier otra parte del mundo, por lo mismo son un tanto planos pues el autor los hace prescindir de esa riqueza adicional que les daría estar claramente identificados, ser representativos de su cultura y su temple, lo cual no se pelea con su integración global, a partir de los cuales plantear, desarrollar y resolver conflictos universales.

IM

El filme narra la transformación de Irene Ravelli cuando ella entra en crisis y cuestiona su propia imagen de mujer de éxito. El primer hecho que desencadena esta transformación ocurre cuando una pareja con quien tenía una amistad cercana, y con quienes mantenía ciertos negocios que al parecer no les beneficiaron, se suicida al tiempo que a ella le otorgan el premio a empresaria del año.

Irene Ravelli (Barbora Bobuľová), protagonisa del filme, representa a la mujer de éxito de principios del siglo veintiuno. Heredera de una fortuna familiar, se ha hecho cargo de la empresa inmobiliaria que su padre le ha dejado y con gran habilidad ha conseguido hacerla despuntar. Irene es una mujer ligera de prejuicios y de principios, vestida con traje sastre de Armani y Chanel, sin marido, rica, exitosa, pragmática. Le acompaña la tía Eleonora, matrona invencible y reina en elegancia y firmeza de carácter, hermana de su padre y que se encargó de cuidarla desde muy pequeña.

Despúes del suicidio de sus amistades, Irene entra por primera vez en la habitación donde su madre pasó los últimos años de vida, en el viejo palacio de la familia Ravelli que la empresa que Irene dirige quiere convertir en un edificio de minidepartamentos de lujo.

En la habitación de su madre las paredes están llenas de inscripciones ininteligibles y de iconografía religiosa. Según la versión que Irene conocía, su madre había pasado sus últimos años sumida en un delirio religioso, obsesionada con la santidad y había perdido todo interés por ver a su hija.

Durante su visita al palacio, Irene conoce a Benny, una niña de los barrios pobres de Roma que ladinamente le roba la cartera. Hay algo extraordinario en Benny que provoca la simpatía de Irene. Es una niña que cuenta poco sobre sí misma, que no hace lo que dice, que no se preocupa por someterse a autoridad alguna y que roba para tener cosas que dar a los demás. Todo esto lo va descubriendo Irene que, fascinada quizás por la vitalidad de Benny, se cuestiona su propia vida y el mundo que representa.

Entonces Benny muere repentinamente e Irene pierde por completo su imagen de sí misma. En una reunión de negocios ella pierde el control frente a un nutrido grupo de inversionistas, empieza a balbucir porque se vuelve ya incapaz de articular el discurso que sostiene su imagen de exitosa empresaria posindustrial.

Ante esta ruptura, Irene se convierte en una filántropa compulsiva e impotente frente a un mundo de miseria antes invisible para ella. Convierte la vieja casa de su familia en un refugio para indigentes, y cambia la relación que tiene con su madre muerta, con quien quizás ahora siente una mayor cercanía que con su tía Eleonora.

Corazón sagrado es en definitiva una gran película que nos ofrece una crítica a la voracidad del mundo capitalista de principios del siglo XXI. Actúan Barbara Bobulova, Andrea di Stefano y Caterina Vertova en los roles principales.

OZ/IM

10ª Semana de Cine Alemán/10. Deutsche Filmwoche

Filmes en exhibición:

¿Quién sino nosotros? (Wer wenn nicht wir)

Director: Andres Veiel
País: Alemania
Año: 2010
Duración: 124 min.

Alemania Occidental, principios de los años 60. Bernward Vesper inicia sus estudios en Tubinga, quiere ser escritor. El país en el que vive Bernward se está asfixiando en su pasado. Hace 15 años que terminó la guerra, los viejos nazis vuelven a hacer carrera y no se habla de crímenes de guerra. Con este telón de fondo, Bernward conoce a la compañera Gudrun Ensslin. Juntos quieren cambiar el mundo, pero se pierden en su camino: mientras que Ensslin se sumerge en el terrorismo de la Fracción del Ejército Rojo, Bernward Vesper es presa de la locura.
¿Quién si no nosotros? habla de los inicios del terrorismo alemán y relata historias de un gran amor fracasado, de la destrucción y de la autodestrucción.

Bajo la ciudad (Unter dir die Stadt)

Director: Christoph Hochhäusler
País: Alemania-Francia
Año: 2010
Duración: 105 min.

En una inauguración se encuentran por primera vez, sólo brevemente, pero aun así es un momento de mucha intensidad. Pocos días después, se vuelven a ver por casualidad: el gerente de banco Roland Cordes y Svenja, la esposa de su empleado Oliver Steve. Si bien Svenja accede al juego de la fascinación entre ellos, de entrada rechaza la posibilidad de una aventura. Sin embargo, Cordes está acostumbrado a cambiar las cosas a su gusto. Para lograr tener el paso libre a la mujer de sus deseos, promueve al esposo de Svenja a un puesto muy bien pagado, pero a su vez peligroso en Indonesia, sin que Oliver fuera el mejor calificado para el trabajo. El plan de Cordes parece funcionar. Sin saber quién está detrás de la promoción de su esposo, Svenja cede ante los impulsos de su adorador. Mientras que Oliver se da cuenta en Yakarta de que su puesto conlleva peligro de muerte, Svenja y Cordes se enredan en una aventura de graves consecuencias.

El mal del sueño (Schlafkrankheit)

Director: Ulrich Köhler
País: Alemania-Francia-Países Bajos
Año: 2010
Duración: 91 min.

Ebbo y Vera han pasado los mejores 20 años viviendo en diferentes ciudades de África. Ebbo es el gestor de un programa del mal del sueño. Vera, sin embargo, se siente cada vez más perdida en la comunidad de expatriados de Yaoundé. No soporta la separación de su hija de 14 años, Helen, que asiste a un internado en Alemania. Ebbo debe dejar su vida en África o arriesgarse a perder a la mujer que ama.
Años después. Alex Nzila, un joven médico francés de raíces congolesas, viaja a Camerún para evaluar un proyecto de ayuda de desarrollo. Hace mucho tiempo que no está en el continente. Pero en lugar de encontrar nuevas perspectivas, encuentra a una persona destructiva y perdida: como un fantasma, Ebbo elude a su experto.

Confesiones en el diván (Mahler auf der Couch)

Director: Percy Adlon y Felix Adlon
País: Alemania-Austria
Año: 2010
Duración: 105 min.

Verano 1910: plagado de celos, el compositor Gustav Mahler necesita la ayuda y el consejo de Sigmund Freud. La razón: recibió una carta de amor dirigida a su esposa Alma. En ella, el arquitecto Walter Gropius le cuenta a detalle su romance con Alma, dejando a Mahler totalmente desentendido del mundo. Mahler ya no está inspirado, no puede terminar ninguna composición. De Freud espera ayuda. De hecho, la sesión con el famoso psicoanalista revela cosas asombrosas.

Cisnes (Swans)

Director: Hugo Vieira da Silva
País: Alemania-Portugal
Año: 2010/2011
Duración: 126 min.

Un hombre viaja a Berlín porque su ex-novia está en coma. Lleva al hijo que tienen en común, Manuel, con quien se aloja en el departamento de la enferma. El padre va a menudo a la clínica y Manuel se siente ahí fuera de lugar, por lo que prefiere andar en su patineta por la ciudad en invierno. El cuerpo mudo e inmóvil de la mujer es el centro de la película y produce malestar en padre e hijo, malestar que cada uno maneja a su manera. El hijo se enfrenta a las turbulencias libidinosas de convertirse en adulto, el padre tiene las molestias físicas propias de la edad. Es decir: andar en patineta, masturbarse y puro rap berlinés por un lado y suaves técnicas de relajación y deporte en televisión, por el otro. Y está también el cuerpo de la inquilina Kim que despierta el deseo sexual de Manuel y cuyos utensilios le sirven de fetiche. Una confrontación de diversas imágenes de cuerpos con un clima de distancia emocional y el frío de la ciudad.

El día que no nací (Das Lied in mir)

Director: Florian Cossen
País: Alemania
Año: 2010
Duración: 95 min.

En realidad, Maria Falkenmayer se dirigía a Chile para asistir a una competencia de natación. Durante una escala en Buenos Aires escucha una canción infantil en español que la perturba. ¿Por qué conoce ella, una joven alemana, esa melodía y esa letra? Maria pierde el vuelo de enlace y su pasaporte, así que se acomoda en una habitación de hotel en búsqueda de una respuesta. La canción en mi interior es una película tan compleja como contundente, que narra la historia de una joven que se entera, en un primer momento de forma no intencionada, de que su origen no es el que pensaba, sobre su posterior crisis de identidad, sobre una relación entre hija y supuesto padre, que se complica de forma repentina, sobre culpa y perdón.

Neukölln, sin límites (Neukölln-Unlimited)

Director: Agostino Imondi y Dietmar Ratsch
País: Alemania
Año: 2010
Duración: 96 min.

En el distrito berlinés de Neukölln, Hassan Akkouch, de 18 años, y sus hermanos Lial, de 19, y Maradona, de 14, luchan por conseguir el permiso de residencia para su familia en Alemania. Sin rap ni breakdance, sin talento ni pasión, ni cultura juvenil, las posibilidades de éxito de los hermanos serían aún más escasas.
La cámara acompaña en la lucha diaria por el reconocimiento oficial y muestra la voluntad incondicional de los Akkouchs por poder vivir en el país que aman. Neukölln Unlimited es una señal apasionada, constructiva y alentadora de una zona que para muchos es el Bronx alemán.

Sascha

Director: Dennis Todorović
País: Alemania
Año: 2010
Duración: 102 min.

¡La vida puede ser tan complicada! Especialmente cuando uno tiene 19 años, “cree” que es homosexual, procede de una familia inmigrante de Montenegro y está locamente enamorado en secreto de su profesor de piano.
Un largometraje sobre inmigrantes en una gran ciudad alemana, el día a día de una familia que reside en un barrio multicultural, y las dificultades que supone hablar abiertamente sobre tendencias sexuales.

Tres (Drei)

Director: Tom Tykwer
País: Alemania
Año: 2010
Duración: 119 min.

Hanna y Simon son pareja desde hace 20 años. El técnico de arte y la moderadora de cultura viven en Berlín uno al lado del otro y juntos, llevan una relación armoniosamente en pugna. Han vivido muchas cosas juntos, buenas y malas, crisis y dichas. Pero también saben que probablemente ya no les queden muchas sorpresas. ¿O sí? Sin imaginarlo el uno del otro, ambos se enamoran del mismo hombre, el encantador y enigmático investigador de células madre Adam Born. Así, Hanna y Simon llevan en silencio su aventura con Adam sin saber lo mucho que los une el secreto que se guardan mutuamente. Hasta que Hanna se embaraza.

Los escritos de Poll

Director: Chris Kraus
País: Alemania-Austria-Estonia
Año: 2010
Duración: 134 min.

En vísperas de la Primera Guerra Mundial, Oda von Sieing, de 14 años, regresa a Poll, su lugar de origen en la costa báltica. Una región difícilmente compartida por alemanes, rusos y estonios. La esperan Ebbo, su padre; su tía Milla y otros miembros de su aristocrática familia alemana, que se aferra a sus privilegios en un mundo al borde del desastre. Luego de encontrar a un estonio anarquista herido, Oda lo esconde y en secreto lo cura, consciente de que su acción podría desencadenar una reacción de violencia incontrolable.

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Programación por estado:

Monterrey
Cineteca Nuevo León (19 – 28 de agosto 2011)

Parque Fundidora. Av. Fundidora y Adolfo Prieto S/N. Col. Obrera. Monterrey, NL
Tel. + 52 55 84790015
El mal del sueño, 21:00 hrs-Viernes 19 agosto

El mal del sueño, 16:00 hrs. y 18:30 hrs-Sábado 20 agosto (Función con coctel de inauguración)

¿Quién, si no nosotros?, 21:00 hrs.

¿Quién, si no nosotros?, 13:30 hrs. y 16:00 hrs-Domingo 21 agosto
Tres, 18:30 y 21:00 hrs.

Tres, 16:00 hrs-Lunes 22 agosto
Bajo la ciudad, 18:30 y 21:00 hrs.
Bajo la ciudad, 16:00 hrs-Martes 23 agosto
El día que no nací, 18:30 y 21:00 hrs.
El día que no nací, 16:00 hrs-Miércoles 24 agosto
Cisnes, 18:30 y 21:00 hrs.
Cisnes, 16:00 hrs-Jueves 25 agosto
Neukölln, sin límites, 18:30 y 21:00 hrs.
Neukölln, sin límites, 16:00 hrs-Viernes 26 agosto
Sascha, 18:30 y 21:00 hrs.
Sascha, 16:00 hrs-Sábado 27 agosto
Los escritos de Poll, 18:30 y 21:00 hrs.
Los escritos de Poll, 16:00 hrs-Domingo 28 agosto

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Guadalajara

Cineforo Universidad Guadalajara

(12 – 20 de agosto 2011)

Av. Juárez esq. Enrique Díaz de León. Guadalajara
Tel. + 52 55 38267297
¿Quién si no nosotros? – INAUGURACIÓN, 20:15 hrs- Viernes 12 agosto
Con la presencia del director y de la protagonista

¿Quién si no nosotros?, 15:50, 18:05 y 20:20 hrs-Sábado 13 agosto
Con la presencia de la protagonista

El mal del sueño, 16:00, 18:00 y 20:00 hrs-Domingo 14 agosto

Bajo la ciudad, 16:00, 18:00 y 20:00 hrs-Lunes 15 agosto

Tres, 15:50, 18:00 y 20:10 hrs- Martes 16 agosto

El día que no nací, 16:00, 18:00 y 20:00 hrs- Miércoles 17 agosto

Neukölln, sin límites, 16:00 y 18:00 hrs- Jueves 18 agosto

Cisnes, 20:00 y 22:15 hrs.

Sascha, 16:00, 18:00 y 20:00 hrs- Viernes 19 agosto

Los escritos de Poll, 15:50, 18:10 y 20:30 hrs- Sábado 20 agosto

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Cd de México

CINEMANÍA LORETO

(12 al 18 de agosto)

Revolución, Esq. Río Magdalena. Col. Tizapan, San Angel. Ciudad de México

Tel. + 52 55 56164836

¿Quién, si no nosotros? -12 de agosto de 2011

Bajo la ciudad -13 de agosto de 2011
Sal y pimienta -14 de agosto de 2011
La banda Baader Meinhof -15 de agosto de 2011
El mal del sueño- 16 de agosto de 2011
Cisnes- 17 de agosto de 2011
Tres- 18 de agosto de 2011

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CINE LIDO

(12 al 20 de agosto)

Tamaulipas 202. Col. Condesa. Ciudad de México
Tel. + 52 55 52767123

Película Día de exhibición
¿Quién, si no nosotros? 12 de agosto de 2011
Bajo la ciudad 13 de agosto de 2011
Sal y pimienta 14 de agosto de 2011
La banda Baader Meinhof 15 de agosto de 2011
El mal del sueño 17 de agosto de 2011
Cisnes 19 de agosto de 2011
Tres 20 de agosto de 2011

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CCU Tlatelolco

(15 al 21 de agosto)

Ricardo Flores Magón 1,

col. Nonoalco-Tlatelolco, CP. 06990

(cerca del metro Tlatelolco y Garibaldi)

¿QUIÉN SI NO NOSOTROS?/ (Wer wenn nicht Wir) - Lunes 15 de agosto, 17:00 y 19:15 hrs.

BAJO LA CIUDAD/ (Underdir die Stadt)- Martes 16 de agosto, 17:00 y 19:00 hrs.

SAL Y PIMIENTA/ (Soul Kitchen)- Miércoles 17 de agosto, 17:00 y 19:00 hrs. LUGAR: SALA 3

LA BANDA BAADER MEINHOF/ (Der Baader Meinhof Komplex)- Jueves 18 de agosto, 17:00 y 19:30 hrs.

EL MAL DEL SUEÑO/ (Schlafkrankheit)- Viernes 19 de agosto, 17:00 y 19:00 hrs.

CISNES/ (Swans)- Sábado 20 de agosto, 17:00 y 19:15 hrs.

TRES/ (Drei)- Domingo 21 de agosto, 17:00 y 19:15 hrs.

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Cineteca Nacional

(4 al 17 de agosto)

Av. México Coyoacán #389 Col. Xoco Del. Benito Juárez Mexico D.F. C.P 03330

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La selección de películas podrá exhibirse por primera vez en un total de 15 sedes en 12 de las ciudades más importantes de la República Mexicana. Consulta la programación, si la 10ª Semana de Cine Alemán llega a tu ciudad. AQUI

Después de 10 años de la aparición de la primera cinta, de más de 6 mil millones de dólares en taquilla y de convertirse en una de las sagas literarias y cinematográficas más importantes de la historia, la adaptación de la serie de libros del niño mago llega a su fin en Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2.

La misión era cumplir y mantener las expectativas generadas en millones de fanáticos que, luego de una década y de siete películas bien logradas, convirtieron a Harry Potter en un fenómeno cultural a nivel mundial.

Después del preámbulo que significó la primera parte de este último episodio, la trama se volvió sencilla, ya no hay construcción de personajes pues eso se ha hecho a lo largo de los filmes anteriores; sólo queda el espacio para la resolución de conflictos y para ver actuar a aquellos niños de hace 10 años ahora como jóvenes.

El desempeño de los actores es digno de destacar sobre todo en el caso de Daniel Radcliffe (Harry), Emma Watson (Hermione), Rupert Grint (Ron), Matthew David Lewis (Neville), Evanna Lynch (Luna) Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange) y Alan Rickman (Severus Snape).

El primero soporta el peso del protagónico dando su mejor actuación en toda la serie, otros personajes renacen para volverse clave, mientras que Rickman, tan sutil cómo es posible, explota toda la profundidad de uno de los personajes más complejos en esta historia: Severus Snape.

Apegada al libro, salvo en algunas excepciones, y a pesar de las críticas por la escasa trayectoria fílmica del director, la película del inglés David Yates no decepcionará a los fanáticos de la saga. Técnicamente es sin duda una de las mejores logradas, comparable en imagen y efectos con El Prisionero de Azkaban, dirigida por el cineasta mexicano Alfonso Cuarón.

Harry Potter logró que cambiaran los dogmas, los estatutos y los lenguajes del cine, influyó en todas las capas de la cultura popular. Durante diez años el tiempo la puso a prueba y como resultado surgió un culto de seguidores, fanáticos que no se perderían ninguna película o escatimarían en la lectura de los libros.

Las novelas resultaron un fenómeno editorial inédito. Chicos que nunca habían leído más que un breve libro hacían fila ahora para comprar volúmenes de 700 páginas, ejemplares que eran devorados en pocos días. Esa fascinación se expresó en recaudaciones estratosféricas. Desde que se publicó el primer tomo, hace 10 años, la franquicia ha vendido 325 millones de ejemplares en todo el mundo.

¿Es acaso un reencuentro de la humanidad con los libros? Es evidente que con esta saga muchos niños y adolescentes se acercaron por primera vez a un libro no impuesto por sus centros educativos. Harry Potter ha resultado una excelente introducción del infante a ese ejercicio, ese placer que mejora sociedades.

Además de ser todo un fenómeno en el mundo literario, la saga Harry Potter ya está a la par de las grandes en la historia del cine fantástico y de ciencia ficción, y esta última entrega no se puede analizar sin dejar de lado que representa uno de los sucesos cinematográficos que ha marcado a la presente generación.

Gran parte de la relevancia de esta última cinta, y del éxito de toda la saga, es que la historia, libro a libro, película a película, fue madurando al mismo tiempo que lo hacían sus intérpretes y la legión de fanáticos del universo creado por J.K. Rowling.

Así, la historia se fue llenando de lazos, dando forma a lo que hoy es el mito Harry Potter.

OZ/IM