En su primera pieza, “De hombres y… algunos dioses”, Filomarino presenta un crisol de manifestaciones inspiradas en el arte prehispánico, las obras talladas en tezontle y piedra que dan vida física a las deidades aztecas: Ehécatl, Huehuetéotl, Huitzilopochtli, Quetzalcoatl.

En dicha coreografía, el bailarín Rodrigo Angoitia, uno de los más respetados danzantes de la escena nacional contemporánea, da vida, vía pasos mecánicos y estertores, al movimiento pétreo de las colosales deidades mexicas.

Como bailarín y actor, Angoitia se ha desempeñado con directores y coreógrafos como Raúl Parrao, Lidya Romero, Abraham Oceransky y Ko Murobushi, actuando en los principales festivales del país, así como de Estados Unidos y Japón.

“Pasos andados”, interpretada por la propia Filomarino, se sirve de la música primitiva y la fusión Caribe-Asia-Pacífico, para presentarnos una métrica rigorista en cuatro etapas de interpretación: penumbra, espera, metamorfosis, iluminación.

La propuesta en escena cuenta con la iluminación de Marco Antonio Silva y el diseño sonoro de Rodrigo Castillo.

Rossana Filomarino, bailarina, coreógrafa y maestra de danza con más de 45 años de trayectoria, fundó hacia 1991 la compañía DramaDanza constituida entonces por un pequeño grupo de jóvenes bailarines quienes habían aprendido el oficio bajo su tutela. La compañía comenzó su historia con coreografías como “Muchacha triste y sin alas” y “Las troyanas de Eurípides”, piezas que no se adscribían del todo en la danza contemporánea sino que estaban fuertemente influenciadas por el teatro dramático. Sin embargo, sería hasta 1993 con el estreno de “Mitomorfosis” que el estilo de repertorio de DramaDanza tomaría su camino único en la escena dancística nacional, llevándolos a presentarse en los principales foros de México con una veintena de propuestas escénicas.

El programa doble “De hombres y… algunos dioses” y “Pasos andados” de Rossana Filomarino se presentará además los días 1, 2, 3 y 4 de diciembre en el Foro de las Artes del Centro Nacional de las Artes, Río Churubusco y Tlalpan, colonia Country Club. Los horarios de las funciones son: jueves y viernes, 20:00 hrs; sábados, 19:00 hrs; y domingos, 18:00 hrs. Precio por localidad: $120 pesos, aplican descuentos habituales.

AN22/IM

Participarán bailarines de las compañías de San Francisco, Nueva York, American Ballet Theatre, Royal Ballet de Londres, Houston y Nueva Orleans.

Programa:

Llamas de Paris
Tarantella
After the rain
Ballet de Helgi
Drew Jacoby
Black swan
La Sylphide
Diving into the Lilacs
Romeo and Juliet
Chaikovski pas de deux
White swan pas
Diana y Acteón
Don Quijote

Lunes 14 de noviembre de 2011, 20:00 horas

Palacio de Bellas Artes. Sala Principal.
Av. Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas. Centro Histérico de la Cd de México (Metro Bellas Artes)

Tel. 55 12 25 93

Localidades: $350.00, $300.00, $240.00, $180.00 y $100.00

Este fin de semana, del 4 al 6 de noviembre, se llevará a cabo en las instalaciones del Centro Nacional de las Artes, la Cuarta Muestra de Arte Iberoamericano, una celebración que comprende cinco bloques de disciplinas artísticas y que representa el trabajo realizado por los beneficiarios del Programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y de Haití en México, es su periodo 2011.

Dicho programa tiene como principal objetivo fomentar el intercambio cultural y multidisciplinario, así como conformar redes de cooperación artística entre los países de la zona. Cabe destacar que la convocatoria es pública, abierta y no se limita a recibir proyectos de artistas consagrados, sino que abre un espacio de desarrollo para artistas emergentes.

La presente edición del Programa de Residencias recibió 236 postulaciones provenientes de 22 países. De ellas, fueron aprobadas 20 para que sus titulares pudieran desarrollar durante 12 semanas sus proyectos en tres sedes en la nación mexicana: Ciudad de México, San Luis Potosí y Ensenada, Baja California.

Es así que, los ganadores de la convocatoria, dividida en cinco grandes grupos, presentarán sus proyectos, con múltiples funciones, durante los próximos tres días en diversos foros del Centro Nacional de las Artes. La entrada para totas las puestas en escena, conferencias y exhibiciones será libre.

Letras, Danza, Teatro, Artes Visuales y Medios Audiovisuales son los cinco grandes grupos en los que se divide la muestra.

En el rubro de letras, el proyecto se comprometió a publicar un volumen compilación del trabajo de los cinco talleristas participantes: Missael Duarte Somoza (Nicaragua), Diana Vallejo (Honduras) Amarilis Pérez Vera (Cuba), Javier Ramírez “Nadie” (El Salvador) y Julio Serrano (Guatemala). La antología lleva por título Rasa: Poesía/Ensayo.

Por su parte, el trabajo de los rubros Artes Visuales y Medios Audiovisuales serán exhibidos en tres espacios del recinto. En la Galería Manuel Felguérez se encontrarán las obras Espacios en construcción de Francisco Eluchans (Chile), Cuerpo en tránsito de Mairyseth Vargas (Venezuela), Paisaje/Frontera de Alejandro Jaime (Perú), Arcilla Fusión – Tierra Fusión de Sofía Ullauri (Ecuador), A.V.I.E. (Agente Virtual de Información Electromagnética) de Rolando Apolo (Perú), Los Colgados de Diana Varas Rodríguez (Ecuador), y Bosquejos de block I y II de Juanito Gutiérrez (México).

En Galería Camerinos se expondrán los trabajos Nebula Humilis de Lola Guerrera (España), Sueños Arrebatados de Amadeo Velázquez (Paraguay), Intrusión 2 de Ricardo Cortés (México) y Recursivo de Aram Vidal (Cuba); mientras que en la Galería AB, se proyectará el proyecto Virtualisis de Raquel Labrador (España), un falso documental sobre un ficticio nuevo mal que aqueja a la especie humana: la adicción a la virtualidad.

En el apartado dedicado a la Danza, se presentarán las piezas Crystal de Ana Trincao (Portugal) y Sin ningún orden/yquésivoy de Omaris Mariñas (Panamá) en el Teatro de las Artes.

Finalmente, para cerrar el encuentro, se estrenará la obra de teatro ¡Enfréntate! Defensa personal para La Convivencia de hoy de Ezequiel Steinman (Argentina) en el Foro de las Artes, a las 19:00 horas del domingo 6 de noviembre.

AN22/IM

En la presente edición, el FIC, también llamado “Fiesta del Espíritu”, recibe como países invitados a Suecia, Noruega, Finlandia y Dinamarca, así como al estado de Nayarit. En el marco del festival se realizarán exposiciones y encuentros entre artistas nórdicos y mexicanos. Asimismo, este año se celebrará la primera Feria del Libro de las Artes.

Durante la ceremonia de inauguración, realizada en el Teatro Juárez de la capital guanajuatense, se otorgó de manera póstuma la presea FIC a la Trayectoria Artística al dramaturgo guanajuatense Héctor Mendoza (1932-2010), por su aporte al teatro moderno.

Mendoza, considerado como uno de los pilares del teatro en México, fue director de escena, investigador y catedrático en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) desde el año 1969 y hasta poco antes de su muerte. El galardón fue recibido por su hijo, Rodrigo Mendoza.

Presencia de países nórdicos

En el marco del FIC, compañías y agrupaciones de danza, teatro y música, entre otras disciplinas provenientes de los países nórdicos realizarán diversas presentaciones en lugares públicos y recintos culturales de Guanajuato.

La Compañía de Danza Zero Visibility Corp., proveniente de Finlandia, presentará un trabajo con 19 bailarines que se reúnen para explorar el cuerpo y el alma de la mujer. Dinamarca mostrará la variación del arte danés a través de una selección amplia, que incluye al coro Ars Nova y la agrupación de jazz The New Jungle Orchestra.

Por su parte, Noruega presentará una selección de figuras destacadas como la Oslo Camerata, el Cuarteto Vertavo, Knut Reiersrud, la intérprete Mari Boine o el pianista Geir Henning Braaten, entre otros.

Suecia dará a conocer diferentes elementos de la escena melómana local: Hugo Ticciati y Michael interpretarán música clásica; el compositor Ake Parmerud ofrecerá conciertos de música electroacústica y el dúo Minilogue se presentará en el marco de MUTEK, el encuentro de música electrónica del FIC.

Además se presentarán dos antologías nórdicas publicadas por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, una de poesía y la otra de cuento corto, así como la proyección de diversos filmes nórdicos.

Los dones de la naturaleza

La directora general del FIC, Lidia Camacho, dijo que este año comienza un nuevo ciclo para el Festival, al establecer un eje temático que busca llevar a la reflexión y al compromiso.

El tema “Los dones de la naturaleza” tiene como objetivo sembrar una pequeña semilla para contribuir con el rescate del entorno ecológico y preservar el planeta Tierra para las futuras generaciones.

Lidia Camacho anunció el arranque del proyecto “Bosque de los Artistas”, en el cual los participantes del festival plantan un árbol en el Parque Bicentenario, ubicado a cinco kilómetros de la capital del estado.

Este proyecto es acorde con el eje temático que eligió el Festival para este año, porque busca evidenciar la importancia de la naturaleza y el arte. La directora del FIC mencionó que el 28 por ciento de las actividades del programa del festival están relacionados con el tema.

De igual forma, se lanzó el Concurso de creatividad artística para jóvenes 2011, en las categorías de Paisaje Sonoro y Postal Digital, donde los concursantes podrán participar con piezas que evoquen el vínculo entre el arte y la naturaleza. Los primeros lugares de cada categoría serán premiados con un viaje al Reino Unido para asistir al Festival internacional de Edimburgo.

RMM/DH

“Now she knows” de la compañía noruega Zero Visibility Corp. Foto: Erik Berg

Alicia en el país del ballet, de la compañía de danza Ardentía, presenta, bajo la dirección de Reyna Pérez, un ilustrativo viaje por la historia de la danza, de sus componentes básicos, de su vestuario y variantes estilísticas a través del tiempo.

El viaje comienza gracias a la curiosidad de Alicia, una jovencita iniciada en el arte del baile quien, poco a poco, irá comprendiendo la trascendencia de su nuevo oficio. El poder de transmitir mensajes, emociones, con el movimiento del cuerpo.

Así, Alicia emprende un viaje a las raíces de la danza clásica, el ballet. Raíces que pueden rastrearse hasta el siglo XVI y los bailes cortesanos de la nobleza italiana, danzas que se establecen como disciplina formal ya en Francia, en tiempos de Luis XIV, cuando se estableció la primera compañía de ballet y la primera academia de danza.

A partir de entonces la danza clásica ha sufrido innumerables cambios. Diferentes y muy variados estilos de interpretación han surgido, las capacidades de movimientos corporales siguen evolucionando y las posibilidades en vestuario se han diversificado.

Cada forma de baile, cada etapa es ilustrada con piezas clave en el desarrollo del ballet. Fragmentos a las coreografías de El lago de los Cisnes, El Cascanueces, o Diana y Acteón, se ven complementados por breves atisbos al jazz y la danza contemporánea.

Asimismo, el ballet se ha manifestado de forma distinta a través del tiempo y el espacio. El Ballet de la Ópera de París (en Francia), el Ballet Bolshoi (en Rusia) y el Ballet Nacional de Cuba son escuelas del todo distintas pero comparten la misma pretensión comunicativa: expresar con el cuerpo las distintas emociones humanas.

Es entonces que, entre graciosas risitas infantiles y pronunciadas reverencias adultas, la obra resulta un acierto artístico de gran beneficio pedagógico en el ámbito cultural mexicano. Un respiro de arte entre tanto insulso urbanismo.

Alicia en el país del ballet, se presenta todos los domingos hasta el próximo 23 de octubre a las 13:00 horas en el Teatro Legaria del IMSS, ubicado en Calzada Legaria s/n, esquina con Glorieta Allende, en la colonia Pensil Norte de la delegación Miguel Hidalgo.

IM

Foto: Felix Audette

Rojo intenso, proyecciones, espesa capa de neblina. Música electrónica. Movimiento humano. Beats y estertores. Músculos vibrando bajo la cadencia de un ritmo iterante que parece mantra gótico. Así se mira, a eso suena Vortex X 33 de Diane Eden Ormsby, considerada una de las mejores bailarinas y coreógrafas de su generación.

Dicha pieza, ganadora del certamen Danza Ópera Prima 2010 convocado por la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo la noche del pasado martes 9 de agosto su reestreno en la Temporada 2×1 del Teatro de la Danza en el Centro Cultural del Bosque. Dicha obra contará con una función más el próximo martes 16 de agosto donde será acompañada por Abigail Jara y su coreografía MUSSE D.C.

“La espiral es capaz de salir y entrar del cuerpo –explica Ormsby en la presentación de su obra–, se desenvuelve de lo micro cósmico hasta lo macro cósmico. En este fragmento se aborda lo infinito, el ritmo incandescente que fluye en nuestras venas, el abstracto y lo concreto, el todo y la nada, la destrucción junto con la creación. Bailamos para no morir y para que el cuerpo llore en sus infinitas tonalidades. Las luces son mándalas y espirales infinitas. Todo es espiral.”

Acompañada por los bailarines Edgar Pol, Fana Adjani y D’enirio Pérez, con vestuario de Galo e iluminación de Jazzael y Saens, la joven bailarina y coreógrafa, quien ha participado en numerosas compañías nacionales y tenido participación en festivales internaciones como el Tanz Plattform Deutchland de Alemania o el Festival Iberoamericano de Bogotá, Colombia, demuestra con su presente trabajo la flexibilidad del soporte dancístico y su fuerza como mensaje audiovisual.

Diane Eden Ormsby es bailarina profesional desde 1996 y durante diez años trabajó con la compañía mexicana UX Onodanza bajo la dirección del controvertido maestro Raúl Parrao. Ha sido becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones y comenzó su trayectoria como coreógrafa muy recientemente con la obra I>D (Identity Crisis). Su principal interés radica en explorar las cualidades interpretativas de la expresión corporal y encontrar un estilo dancístico que las combine con la música electrónica.

AN22/IM

Cabe señalar que la Huasteca -de donde proviene el son huasteco-, está compuesta por seis estados: Querétaro, Hidalgo, Veracruz, Puebla, San Luis Potosí y Tamaulipas; y el son arribeño, sólo abarca  pueblos de la Sierra Gorda de Querétaro, Guanajuato y San Luis Potosí.

En este último, el canto versado de los músicos durante las “controversias” o “topadas”, es de manera improvisada y puede ser “religioso” o “profano”; los versos son en décima y una sola cuartilla va rigiendo el tema, por ello -enfatizó el también poeta, “es considerado uno de los sones más difíciles, ya que se compone de poesía decimal o valona, son o jarabe”.

Para Tello Gómez, nativo del pueblo El Refugio, Arroyo Seco, Querétaro y uno de los bailares más reconocidos de toda la Huasteca, “el bailador tradicional está olvidado”. “El bailar no es de lujos ni para que te hagas rico, es para conservar y difundir nuestras tradiciones. Para mí el escribir y el bailar es algo espiritual, es una comunión entre mi cuerpo y mi alma; en cambio, los bailarines profesionales, lo sienten de manera diferente, ya que se preocupan más por la coreografía; nosotros mamamos la tradición, no nos la inculcó una institución”, señaló Julián Tello, quien defiende la identidad local de la música y baile del huapango.

Para este “bailador tradicional”, es de mucha importancia promover su cultura y tradiciones queretanas, por ello visita e imparte talleres de baile ‘arribeño’ por diversos pueblos, encuentros y escuelas de la Huasteca y la ciudad de México, en compañía de su esposa y grupo de amigos.

“De la cultura no vivimos, pero me duele mucho, que existan personas que utilizan el nombre de ‘promotores de cultura’ para aprovecharse de las tradiciones”, enfatizó. Por otro lado, hablar de su poesía, es pensar en la “filosofía de la vida, del querer ser, de las nostalgias de pueblo, el sentir del campo, de arrastrar la yunta, de labrar la tierra y sentirla entre los huaraches como una alfombra mullida y suave”.

Tello, quien escribe desde los 8 años, mencionó que cuando migró de su pueblo, la literatura que encontró en las bibliotecas de la ciudad, le llevaron a mejorar su escritura, pero su poesía expresa más “la filosofía de la vida, del querer ser”, confesó el también sobrino del reconocido músico de huapango arribeño, don Lupe Reyes.

RL

El próximo 30 de junio se cumplen dos años del fallecimiento de la célebre bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, quien murió en el 2010 a los 69 años víctima del cáncer.  Bausch fue una de las grandes figuras de la danza contemporánea, y su compañía alcanzó el respeto y la admiración del público de todo el mundo.  Sus creaciones recorrieron los escenarios de los cinco continentes y fueron registrados para la posteridad en un filme 3D por el director de cine Wim Wanders.

  Basuch nació en 1940 durante la Guerra Mundial, razón por la que no pudo acercarse al mundo de la danza sino hasta terminada la guerra.  Al cumplir los 19 años viajó a Nueva York en donde pronto se abrió camino. En los Estados Unidos conoció además la obra de Martha Graham, obra que le haría interesarse por crear un lenguaje plástico más libre y vital para la danza.

Regresó a Alemania en 1961 donde conoció a su mentor, Kurt Joss, y ahí comenzó una larga carrera de éxitos que la seguiría hasta su muerte. Pina dirigió en Alemania durante 36 años a su compañía llamada  Wuppertal, con la que cosechó grandes éxitos y con la que mostró al mundo una revolución en el lenguaje del cuerpo y de las posibilidades dancísticas. Fue también una artista nómada que lo mismo vivió en Lisboa que en Hong Kong.

 Fumadora y fuera de foco,  no dudaba en inundar un escenario con tierra o con agua ni escatimaba movimientos con tal de explorar nuevas  y fértiles caminos para la danza, lo mismo creaba con música o en silencio, e incluso hacía que sus bailarines hablaran —en lo que ella misma llamaba teatro-danza—.

 Las coreografías de Pina evocaban a la belleza  y los movimientos de la vida, recordaban viejos rituales y los resignificaban, ejercían la crítica y el análisis a la realidad social y a la experiencia del cuerpo.

 A dos años de su muerte Pina y se legado siguen influyendo en el mundo de la danza, no sólo en la memoria de los miles de espectadores que acudieron a ver sus coreografías sino que, para fortuna de todos, la obra de Pina Bausch fue registrada y difundida en video y dvd, por lo que su trabajo puede ser estudiado y admirado por las generaciones que no tuvieron la fortuna de verla o ver a su compañía en plena acción.

Entre sus obras coreográficas destacan Orfeo y Eurídice (1975), Consagración de la primavera ( 1975),  Café Müller (1978), Wissenland  (2000) y Aqua (2001), entre muchos otros.  No deben olvidarse tampoco sus participaciones en cine con Pedro Almodovar o con Federico Fellini. Entre muchos premios y reconocimiento que recibió, fue galardonada con el premio Goethe en 2008, justo un año antes de su muerte.

Compañía Cuerpo Etéreo (Monterrey, Nuevo León, México)

(Mex) Organizado por la Dirección de Danza de la UNAM, el Centro Cultural Universitario presentó  este  noviembre el Tercer Encuentro México- USA de Danza Contemporánea, en el que se abre un espacio a las diferencias y similitudes de ambas culturas en el terreno del baile.

Diversas compañías provenientes de ambas naciones se presentan en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, espacio dedicado a las expresiones dancísticas de todo el mundo y en donde se han presentado una larga lista de compañías y artistas independientes.

En esta edición, Dance Danza contó con la presencia de LeeSaar The Company (New York), Cuerpo Etéreo (Monterrey, Nuevo León), Antares (Hermosillo, Sonora), Cia. Tatzudanza (Mérida, Yucatán) y Locust (Seatle, Washington).

Antes de cada presentación en vivo, se proyectaron dos cortometrajes pertenecientes a la Muestra de Videodanza Las Danzas del Tio Sam, con presentaciones de baile provenientes de diversas partes del mundo y al ritmo del swing, jazz, tango, sinfonías y algunos fragmentos de películas célebres como Cantando bajo la lluvia (1952).

 Otros videos presentados en la Sala corresponden a la muestra Pupila Dilatada, cortometrajes realizados por jóvenes de diversos países y que enseñan, muchos de ellos, sus primeras incursiones en la materia. La cabida de artistas emergentes es otra muestra del carácter interracial del evento.

Paralelo a las presentaciones de la Sala Miguel Covarrubias, otras compañías se presentaron en el Salón de Danza de la Ciudad de México. Tal es el caso de Mvworks , de Estados Unidos, y los mexicanos Zafarrancho Danza-Teatro Presenta , Esthel Vogrig y Alma Quintana, Sensodanza y por último, Utopía Danza Teatro y Jaime López.

Siempre dispuesta a una mayor apertura de ideas, tanto mexicanas como transnacionales, la Dirección de Danza de la UNAM ofrece estas manifestaciones artísticas con las más variadas propuestas de baile en el terreno de lo contemporáneo.

Las presentaciones tienen la principal intención de hacer a un lado los problemas políticos y más aún, olvidarse de las fronteras físicas para acercarse a un plano más íntimo y humano, donde converjan las similitudes y diferencias de ambas culturas sin intenciones ideológicas ni mediáticas; simplemente artísticas.

 Dance Danza…sin fronteras se presentó del 5 al 21 de noviembre. Para mayor información, visite www.cultura.unam.mx

(Agencia de Noticias -La Danza del lápiz)

Por Tania Ortega

(Mex) Los tonos de Atahualpa Yupanqui, con Vasija de Barro, se esparcen por el recinto. La lluvia de música poco a poco se mezcla con el ritmo del movimiento. La luz azul magnifica los bordes de los bailarines, los contornos de la danza.

Por primera vez, Cartas desde los Valles se presenta en el Salón de Danza del Centro Cultural Universitario. Es una obra dirigida por Javier Contreras Villaseñor -profesor de la Escuela Contempodanza- y por Mercedes Balarezzo  -coreógrafa ecuatoriana.

En entrevista, Javier Contreras explicó que buscaban articular a México y Ecuador. En virtud de que Quito es un Valle y la Ciudad de México también, decidieron escribir cartas. “Era como escribirse de Valle a Valle”.

El proyecto es financiado por los Fondos Concursables 2009-2010 para el desarrollo cultural del Ecuador. Mercedes Balarezzo consiguió el apoyo del Ministerio de Cultura, gracias al cual viajaron a Quito para luego regresar a México.

Cartas desde los Valles busca las posibilidades de un diálogo transparente, rompe las fronteras culturales, estéticas y políticas a través de la Danza. A partir de cuestionamientos como ¿quién soy?, ¿cómo te imagino?, ¿qué me demandas?, y ¿qué te demando?, la actividad conjunta México-Quito encaminó las coreografías.

Carta para tu escucha.

El montaje coreográfico se divide en tres partes. La primera es la mexicana, llamada Carta para tu escucha. Javier Contreras dirigió a Coatlicue García, Marién Pérez, Marisol Cal y a Laura Mondragón, todas estudiantes de la Escuela Contempodanza. La música es el principal elemento que debe llegar a los oídos del espectador. Con fundamento en esto, las cuatro bailarinas “chilangas”, muestran un diálogo permanente con sus antepasados.

 “¡Huevos!, menosprecio ligero de testículos”. “¡Aguanta!, entiéndase como sosiégate”. “Mocharse, acción de compartir”… son algunas de las frases que mezclan con el movimiento corporal y la música.

Contra “el eterno femenino”, las bailarinas se emancipan y se reafirman como mujeres. En el suelo de la danza —rodeadas de la dominación masculina— escriben con la punta del talón la ruptura de los principios del machismo. “¡Nos vale madres!”, gritan.

La sensualidad y estética de las féminas se alteran, cambian de sitio, se rebelan contra el machismo. Todas en conjunto, bailan. Al mismo tiempo no dejan su individuo, su sensualidad y estética propios.

A quien corresponda.

Un espejo vacío: una puerta a lo lejano o cercano; una frontera entre algo y algo (Ecuador-México), lo mismo: Latinoamérica. Una línea que separa siembras y define frutos; una búsqueda para encontrarse. Así, un espejo vacío guió A quien corresponda, la segunda carta del montaje. Mercedes Balarezzo dirigió ésta parte, bailó junto con Gerardo Guerrero, Raffaella Tomaselli y Sara Camila Acosta.

De acuerdo con Mercedes Balarezzo, la obra busca “¿qué es un ecuatoriano y qué significa para cada uno de nosotros? Ecuador es un país pequeño, pero es muy diverso. Entonces todas esas formas diferentes de ser ecuatoriano hacen la identidad, que sea tan rica y tan variada”.

Un juego entre la puerta-espejo y los bailarines posibilita la estética coreográfica y la identificación como ecuatorianos. Bajo la luz roja, a veces azul, los márgenes de los artistas se matizan, se combinan, entrelazan y construyen su identificación a la manera de la danza. Javier Contreras lo define “como un hecho compartido de producción y búsqueda de sentidos que nos comprometen comunitariamente. Más allá de la técnica y el carácter local o ‘contemporáneo’ del discurso dancístico, la verdad del lugar desde el que se enuncia y para el que se enuncia”.

 De Valle a Valle.

La tercera parte es una composición montada con el método composición en tiempo real, básicamente improvisación. Se basa en las anteriores coreografías; una conversación espontánea entre los bailarines, única e irrepetible.

La música de Cartas de los Valles es compuesta por el mexicano Javier Sandoval. En las primeras cartas hace una mezcla de música, se vale de canciones muy conocidas y tradicionales en Quito. Por ejemplo, Vasija de Barro de Atahualpa Yupanqui, basadas en poemas de Jorge Enrique Adoum (1926-2009).

Cartas desde los Valles, se llevará acabo en el Salón de Danza del Centro Cultural Universitario, a partir del 26 al 31 de octubre a las 19 horas. La entrada es libre.

AM/RL