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La artista plástica y promotora nezahualcoyotlense Susana Velasco Hernández proviene de una familia de artistas oaxaqueños que migró a Ciudad Neza en 1965 y se considera de la “segunda generación de artistas” que comenzaron a formarse profesionalmente, ya que estudió dibujo en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda, y pintura con el maestro Urbano Cruz en lo que ahora es el Centro Regional de Cultura Nezahualcóyotl, recinto que ahora dirige bajo el auspicio del Instituto Mexiquense de Cultura.

En su oficina ataviada con pinturas, esculturas y artesanías, iniciamos una amena charla acerca de los laberintos de la cultura en Neza, mientras observamos la entrada de niños, señoras y jóvenes al recinto del Centro Regional.

“¿Cómo nació su gusto por las artes?” pregunté sin titubeos. “Tengo orígenes oaxaqueños. Mi familia está metida en la banda de viento del pueblo desde mis tatarabuelos –me contestaron de inmediato–; un tío estudió en San Carlos y pintó unos murales en casa de mis abuelos. Mi hermana estudiaba danza folclórica. Llegué a los cinco años a Neza, en la secundaria me tocó mecanografía e hice todo lo posible para que el maestro me aceptara en dibujo técnico y (así) empecé a descubrir que tenía la habilidad y el gusto”.

La pintora ha expuesto su obra en camellos, mercados y demás espacios públicos. Junto a Ismael Galán y Mateo Villa, Susana Velazco pertenece a la primera generación del Centro Regional de Cultura Nezahualcóyotl, generación tutelada por el maestro Urbano Cruz, quien tiene 31 años dando clases en este recinto y quien fuera figura clave en la fundación de la “Casa”.

“Hasta que yo entro a la casa de cultura me doy cuenta que hay todo un movimiento artístico en Neza. Se estaba creando la escuela de Bellas Artes, ya estaba la Escuela Fabián Balladares de los artistas plásticos. Había grupos independientes de escritores, de pintores, de músicos, creadores de teatro comunitario”, rememora Velasco con brío resplandeciente en los ojos.

Es entonces que emocionado escucho la historia del artista Alfredo Arcos quien, con su “pintura efímera o grafiti”, intervenía los espacios públicos, exponiendo su obra en paredes, en el piso, en papel.

“Él no era un pintor de caballete, se le criticaba por esa informalidad en el arte. Pintaba perros callejeros y a las mujeres musas de Neza”, así narró Velasco la obra de su antiguo compañero de La Esmeralda, quien junto a Mateo Villa, Urbano, Espejel, Lázaro Galicia, Inocencio Macario, Lorenzo Andrade y Adrián Tavera, entre otros, forjaron lo que se podría llamar la “primera generación de artistas independientes y autodidactas de este municipio”.

La “segunda generación” se forja cuando se hace esta institución y se empieza a convocar a los artistas. La gente se va formando por las clases y se empieza profesionalizar.

“Neza crece con los servicio urbanos, con la población, con la gente que migró y en menos de una década creció mucho”, así, con ellos, creció también el movimiento cultural local. “Estamos en una cuarta generación. La primera que fue autodidacta, la segunda que empieza a preparase, la tercera que ya tiene la oportunidad de entrar a escuelas como Bellas Artes, y ahorita que ya salen de licenciaturas”.

En 1986 el se construye Jaime Torres Bodet que iba a ser la biblioteca, ya que su estructura fue creada para eso, pero por cuestiones políticas e interés particulares, Prospero Domínguez Trejo lo convirtió en centro cultural.

“La cultura en Neza es independiente, así ha sobrevivido. La gente se vuelve gestor de sus propios movimientos, movimientos como CECOS y promotores como Jorge Vega.

“Tuvieron que pasar 20 años para que un Gobierno viera la necesidad de instituciones culturales, y bibliotecas. Veo que no hay el interés que uno quisiera, no hay mecanismos, manuales, no hay una política cultural, (…) lo triste es ver que cada tres años hay borrón, no hay constancia, seguimiento y constancia”, aseguró la artista plástica quien lleva más 11 años promoviendo la cultura del municipio.

Los minutos saltan del reloj y perdimos la noción del tiempo. Un recital de poesía se celebraba en la planta baja cuando lanzo la última pregunta: ¿qué espera de la Dirección de Cultura? “Una convocatoria de artistas para hacer foros y charlas, para observar todas las inquietudes de los creadores. Hay presupuesto para la cultura para beneficiar a toda la comunidad de Nezahualcóyotl”, contestó Velasco mientras ordenaba varias de sus pinturas surrealistas.

RMM/ES

Susana Velasco en su oficina del Centro Regional de Cultura Nezahualcóyotl

Roberto Aymes / Art Latin Jazz Trio

Por Eréndira Zaragoza

El destacado jazzista mexicano Roberto Aymes afirmó que el problema con la escena jazzística nacional es la falta de difusión desde las más altas instituciones culturales del país pues, recordando su experiencia en escenarios internacionales, no percibe que exista diferencia alguna entre la calidad de músicos locales y extranjeros.

En este sentido, el músico fundador y líder del Art Latin Jazz Trio mencionó, en entrevista para MilMesetas, que en el viejo continente están “fascinados” con el trabajo de los jazzistas mexicanos, sin embargo, la escena nacional no ha crecido lo suficiente por la orfandad a la que es sometida desde las instituciones. A según del contrabajista, hace falta que quienes están al frente de ellas se “tomen la molestia” de acercarse a la escena. Afirmó además que el contar con gente relacionada al medio dentro de dichas instituciones sería benéfico no sólo para el jazz sino para la sensibilidad artística en general.

Aymes, que ha destacado por su particular fusión de los lenguajes jazzístico y sinfónico, lamentó que cada vez que se piensa en una representación musical a nivel internacional, por parte del país, se piense todavía en “mariachis para las fiestas” en lugar de dar a conocer la muy variada propuesta sonora que existe en nuestra nación.

A este respecto recordó a manera de ejemplo, la difusión que en su momento tuvieron los artistas plásticos como Diego Rivera o Rufino Tamayo, señalando que su gran producción artística se debió, en gran medida, a que ellos mismos tenían fuerte presencia en las instituciones culturales más importantes del país.

IM

Su gorra verde, su camisa de cuadros, sus “patas de gallo” (fieles reflejos del tiempo; de sus marcas), y su mirada afable, fueron testigos de una atmósfera diferente en Ciudad Universitaria.

Durante ocho días, entre febrero y marzo del año en curso, caminar por los recintos del Centro Cultural Universitario (CCU) del alma máter del país significó perderse en un mundo donde confluían senderos tapizados con rollos de película de 35 mm y cielos bordados con telones rojos. En ese contexto, cualquier persona podía transitar del escenario teatral al set cinematográfico para después mutar en un personaje del teatro físico que abandona su papel para concluir su día como protagonista de un filme del cineasta francés Ossang. De manera clara, en esa coyuntura, el tiempo y el espacio no fueron lugares de desencuentro para dos artes acostumbradas a renacer y morir entre la luz, la sombra, el sonido y el silencio.

Aunque la transformación efímera en el ambiente del CCU de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) parecía obra de la pluma de un dramaturgo omnipotente o de la alquimia de un realizador cuya cámara guarda poderes ocultos, él se mantuvo sereno.

La magia y la divinidad poco tuvieron que ver en que el CCU se convirtiera en un espacio de festividad, de análisis y de reflexión del cine y el arte teatral; fue gracias a los esfuerzos conjuntos del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) y de la Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro, que la zona dedicada para las manifestaciones artísticas de la Universidad Nacional se percibiera como un lugar mágico repleto de ensueños fílmicos e ilusiones teatrales.

Cuando él se dirigía para aportar su experiencia en dicha celebración, ya otras personalidades lo habían hecho: Apichatpong  Weerasethakul, Artavazd Peleshyan, Sergei Dvortsevoy, Kelly Reichardt… Su sonrisa complementaría el cúmulo de sonrisas de distintos países y continentes congregadas ahí. El lugar de su entrada en escena; la Mesa de reflexión: Encuentros y desencuentros del cine y el teatro en México, de la Cátedra Bergman.

Sentado a la derecha del escenógrafo mexicano Alejandro Luna, escuchaba con atención las palabras de la escritora Beatriz Novaro. Cuando ella expresó: “Los personajes del cine nos dicen quiénes son a través de su mirada”, se dejaron ver entre los resquicios de las pupilas de él, las siluetas fugaces de dos viejos conocidos. Primero se mostró “José Luis”, hombre elegante, hábil para los negocios sucios, que en “El callejón de los milagros” (Jorge Fons, 1995), pudo seducir a la bella “Alma” (Salma Hayek). Luego de la aparición de “José Luis”, se observó la llegada de “Nicolás Estrella”, galán insulso de “Profundo carmesí” (Arturo Ripstein, 1996), que con su falsa sonrisa y bisoñé conquistaba a las mujeres solitarias para después matarlas. Ellos dos fueron llamaradas volátiles de un ayer con vida, que al igual que las palabras de Novaro, desaparecieron.

Reflexiones como: “El cine y el teatro son lenguajes distintos, pero comparten un mismo objetivo; contar historias”; “El cine actual gira en torno al realismo; hoy la ficción puede acerarse más a la realidad que un documental”; “En el teatro el intercambio con el público es algo que, como actor, es muy difícil de renunciar”, y  ”El teatro es un lujo y es por eso que va a sobrevivir por mucho tiempo”, brotaron de la boca del actor de 50 años, cuyo nombre, Daniel Giménez Cacho,  no responde a la totalidad de lo que es: la suma de todos los personajes que ha interpretado (ya que como afirma: “El teatro es una expresión de lo que somos”).

La intervención de Cacho en la Mesa fue concreta. Al igual que los directores Ignacio Ortiz y Mario Espinosa, el también dirigido por Pedro Almodóvar, “La mala educación” (2004), convino en que el primer punto de desencuentro entre el cine y el teatro es el actor; pese a eso, señaló que en ambas disciplinas “el actor debe tener la posibilidad de entrar en conflicto con el director”.

Opiniones diversas respecto al quehacer cinematográfico y teatral se vertieron en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCU en el contexto de la Cátedra Bergman, sin embargo, ninguna de ellas fue tan contundente y divertida como la arrojada por los labios de Alejandro Luna: “Lo único que tiene que ver en cine y teatro son las butacas”. Ante tales palabras, Giménez Cacho no tuvo otra opción más que la de reír.  De esa forma, en un ambiente ameno, el catapultado como actor por “La invención de cronos” (Guillermo del Toro, 1992), concluyó su participación en la fiesta cinematográfica y del arte escénico de la UNAM.

Minutos antes de abandonar el recinto, atrapado entre el vino y los canapés ofrecidos en el vestíbulo del Foro Sor Juana, una voz detuvo el andar de Cacho:

Rama: Oye Daniel, perdona que te moleste, ¿te podría hacer unas cuantas preguntas?

Daniel Giménez Cacho: Disculpa mano, pero llevo prisa. Si quieres te dejo mi correo electrónico para que por ahí me hagas las preguntas.

Rama: Me parece bien. (A su colaborador) Alan, porfas, apunta el correo, creo que no traigo donde anotarlo.

Alan: Sí carnal… jimenezca…

Daniel Giménez Cacho: Giménez con g. ¿Les urge mucho la entrevista?

Rama: Pues sí, un poco. En realidad es algo muy rápido. ¿Crees que sí te la podemos hacer ahorita?

Daniel Giménez Cacho: Bueno, está bien.

En ese instante Alan tomó un sorbo de vino y los ojos de Rama no disimularon la alegría:

Rama: ¡Muchas gracias Daniel! Para comenzar, ¿qué opinas de los actores que no se arriesgan en los proyectos que eligen; de aquellos que para actuar buscan un lugar cómodo?

Daniel Giménez Cacho: Creo que el arte debe ser un lugar de experimentación, de comunicación, de búsqueda, y si no se hace eso a mí sí me resulta muy aburrido… y como actor no te desarrollas; lo peor que también creo es que como actor si no avanzas retrocedes definitivamente.

Rama: Claro. En ese sentido, ¿te consideras un actor arriesgado?

Daniel Giménez Cacho: Pues trato, sí, de hacer cosas que no haya hecho; trabajos que representen un reto. Trato de que cada noche suceda algo nuevo que me haga tener muchas ganas de ir a actuar en esa ocasión, y no ir a repetir algo que sucede todo el tiempo.

Varios jóvenes con el celular en la mano, esperaban ansiosos que el protagonista de “La zona” (Rodrigo Plá, 2007), terminara la entrevista para poder saludarlo y tomarse una foto con él; mientras tanto, Cacho mencionaba que su motor para actuar radica en la magia que se desprende del instante teatral, de la manera mística en que circula el tiempo dentro del escenario.

Rama: ¿Podrías vivir sin actuar?

Daniel Giménez Cacho: ¡Sí! ¡Y hasta sin dos pies! (risas sinceras de los tres involucrados).

Mientras las risas fluían, la Secretaria Técnica de Programación y Asuntos Internacionales de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, Julieta Giménez Cacho, intervino en la plática-entrevista para ofrecerle una copa de vino a su hermano. En ese momento, Alan tosió como señal para apresurar las preguntas:

Rama: Daniel, podrías decirnos cuál es tu opinión acerca de la necesidad del público de contar con  ídolos a los cuales seguir, imitar, en los cuales creer…

Daniel Giménez Cacho: Es muy extraña esa necesidad. En México, en todos los ámbitos, esperamos que venga alguien a salvarnos. Es todo un fenómeno que yo me doy cuenta que no depende de uno, es decir, a mí me puede tocar en un cierto momento, pero no depende de mí; yo soy como una especie de vehículo social y pasa a través de mí. Es algo más grande… Y ese es el problema con la vanidad, uno cree: “Ay, yo soy bien chingón y en este momento todo mundo me adora”, y no, es una cosa que está pasando a través de ti y tú coincidiste en ese momento; si no estuvieras tú, estaría otro, estaría cualquiera. Es una necesidad social que la verdad es digna de estudiarse.

El tiempo de la entrevista estaba por consumirse, sin embargo, el galardonado repetidas veces con el Premio Ariel, alcanzó a mencionar que el teatro y el cine en México presentarán un crecimiento siempre y cuando se amplíe su producción; “habrá lugares para todos, para actores reconocidos y no reconocidos, si se aumentan los espacios de trabajo, si se produce en todos los niveles, ya sea teatro experimental, chico, mediano o grande, o cine comercial”.

Como despedida Giménez Cacho dijo: “Me encanta que haya mucha convocatoria de jóvenes que les interesa seguir reflexionando y discutiendo… Eventos como FICUNAM o como la Cátedra Bergman deben seguir haciéndose año con año… faltan muchas cosas por hacer, está muy abandonado todo este sector ¿no?, como le dicen los políticos: el subsector cultural”; después de reír con su último comentario, el histrión se marchó llevándose consigo los ensueños e ilusiones que durante una semana (y fracción) hicieron de la UNAM la metrópoli del cine y del teatro. La función había concluido.

“El pasado es un prólogo” William Shakespeare

AM/RL

Los relatos y poemas publicados en La otra mujer zurda pertenecen a un período de vida, de duelo y de recuerdo; a un estilo; y a un tema, la ciudad y la nostalgia. Al mismo tiempo, la intertextualidad los enriquece, pues son la continuación o la variación de textos clásicos o modernos.

Hansel y Gretel, Rosa Luxemburgo, Van Gogh, Ulises y Galatea, son algunos de los personajes que la imaginación plasmó. Luego de perderse en el sitio que la vio nacer, Rocío García se exilió. Varios personajes son el espejo de ese exilio, de esa lejanía con las ciudades actuales.

Sobre las calles del Centro Histórico, entre la muchedumbre, los pasos se hacían lentos y agradables. Las risas, habituales en la vida de la escritora, nacían a cada frase, a cada situación recontada y repensada en pretérito.

La poesía fue el principio de su creación literaria, asimismo, saltó de ésta a la prosa. En el 2003, la muerte tocó la ventana de su compañero y abrió la puerta a los ataques de pánico. “En el desvelo del invierno/ me acorrala el eco de tu muerte”, escribió. Las consecuencias de la postrera fueron el impulso de la prosa, lo cual representó un reto muy grande.

La latinoamericanista cuenta narrativas de sí misma. Se burla de ellas y también las comparte. Las reproduce con variados matices, mientras acomoda su saco y toma asiento.

¿Qué es La otra mujer zurda?

Hay una mujer en todos los caminos, en cada esquina y en cada tope. García Rey explica que al ser libre encuentra en su publicación la posibilidad de contar historias a partir de muchas, de una en particular, de la mujer. Significa “compartir la posibilidad de dar rienda suelta a las palabras, de estructurar oraciones o frases, de inventar revalorando la historia”.

“No apreciamos lo que implica el pasado, el valor y la cotidianidad de la mujer (la familia, los quehaceres domésticos, etcétera). En esos casos no podría crear, no tendría tiempo”. Sin embargo, aquellas mujeres libres, conociendo de antemano los caminos para escribir pueden hacerlo, expresó.

El ser humano a lo largo de su historia, ha sido prohibido de difundir opiniones de diversa índole. No obstante la reprobación a la libre expresión de la mujer, apenas cuando su voz generó breve eco, ésta tuvo que pasar el tope de la autocensura — más enraizada por su condición histórica—. Un café y galletas enriquecieron la tarde nublada. El breve pasillo daba vista a la calle, ambientada de un gris citadino y los colores que generaban los transeúntes y los bares.

El libro ilustrado por Eko, cuyos primeros trabajos fueron para Unomásuno, es “un atrevimiento, un ejercicio para derribar la autocensura. Es mostrar una variedad de textos que al mismo tiempo convergen en el desencanto de la vida (del amor, del cuerpo, de los encuentros y de sentir)”. Entre cada pregunta la respuesta se extendía en el mismo tono que las risas. Cada tema conllevaba a otros más amplios y más remotos. La base de todos ellos fue García Rey.

Actualmente, la literatura se pierde en los cajones de la autocensura o de la decisión comercial de una editorial. “La literatura ante todo, connota, sugiere, más que dar una respuesta o convencer de una verdad”, señaló la docente de la Máxima Casa de Estudios.

Por ello, La otra mujer zurda es “un ejercicio para demostrar que más allá de los escritos canónicos puede haber más textos legibles. Más allá incluso de las editoriales más comerciales, hay editoriales que se preocupan por la palabra en todas sus implicaciones”.

Lo verbos y adjetivos que elaboran con cautela y estética ésta red de contenidos, muestran en lo que se han convertido las ciudades y cómo éstas dejan huella en la historia con H y en las historias individuales.

RL/ AM

“Es mejor un fracaso contundente que un éxito mediano”

Por Óscar Zapata

(Mex)Una lluvia torrencial nos impide abandonar las instalaciones. El Maestro Francisco Hinojosa termina de impartir el Taller de cuento en el Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca. La entrevista tendrá que hacerse como lo sugiere la novela más famosa de Kerouac: “On the Road”. Subimos a una Van cuya suspensión deteriorada nos transmite cada una de las múltiples irregularidades de la carretera. Francisco Hinojosa, poeta, dramaturgo, editor, ensayista y escritor de cuentos, autor del cuento infantil más leído y reconocido en México, La peor señora del mundo, pasa su mano por la cabeza, desprovista prácticamente de cabello. Seca las gotas de lluvia de su rostro; ajusta sus anteojos.

¿Cómo ha sido su relación con Oaxaca?

El primer libro que escribí fue un libro para parteras empíricas de Oaxaca (las risas no se hacen esperar, incluso el chofer se une a las carcajadas). Es en serio, me puse a investigar para que hubiera más higiene durante los partos en los pueblos. La primera lengua a la que fui traducido fue al zapoteco. La primera gran borrachera que me puse fue con mezcal. Ahora soy autor de una editorial oaxaqueña. He tenido una relación constante y permanente con Oaxaca, he ido a varias escuelas normales a dar pláticas sobre el fomento a la lectura, a los maestros de los futuros maestros.

¿Cuál es su perspectiva del ámbito estrictamente cultural en Oaxaca, me refiero a la difusión y creación de manifestaciones artísticas?

No he estado ligado hasta el momento en cuestiones que hace el gobierno, ni conozco el grado de participación que tenga en recintos culturales, pero lo que hacen las instituciones privadas como CaSa (Centro de las artes de San Agustín Etla), IAGO (Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca), editorial Almadia y la Feria del Libro es importante y grande. La difusión la están haciendo las instituciones privadas.

Ahora que menciona a Almadia, y como lo que nos compete es la literatura, ¿qué opina del singular caso de esta editorial oaxaqueña?

Hay autores como Juan Villoro, Jorge Volpi, Sergio Pitol, que podrían publicar donde quisieran y están publicando en Almadia. Han encontrado un perfil editorial muy bueno, joven, y que ha preferido vender mucho a un buen precio, que vender poco a un precio mayor; que es a lo que apuestan otras editoriales. Los libros se encuentran en todas partes, tienen un diseño atrevido, novedoso, bueno. El primer libro que publiqué con ellos, Poesía eras tú, es una especie de novela en verso que se distingue por su experimentalismo. Texto ‘raro’ que no podría publicarse en otra editorial tan fácilmente.

¿A qué podría atribuir esa apuesta por lo experimental y la novedad?

Creo que la editorial tiene muy buenos editores y que saben olfatear donde están las cosas. Muestra de ello es que han logrado editar a autores como Le Clézio, un premio Nobel, lo que habla muy bien de la editorial. Además han encontrado talentos jóvenes como el caso de Alberto Chimal. Están combinando autores de la viaja guardia y autores jóvenes.

¿A que podría deberse que un proyecto así se esté gestando en Oaxaca, un estado que en el pasado no se caracterizaba por ser semillero de proyectos culturales?

No es un estado que se caracterice por altos niveles de lectura, pero se está avanzando mucho. El ejemplo de Almadia es una muestra de ello, han sabido rastrear el talento y conformar un equipo muy joven y talentoso. Esa inyección de vitalidad de la juventud ha contagiado no sólo a los autores, sino que ha sido bien recibida por los lectores.

¿La apuesta es entonces por incentivar la industria editorial mexicana? ¿O a qué se debe esta tendencia a recurrir a una editorial mexicana creada en un estado con un evidente rezago cultural? ¿Podría leerse, incluso, como un proyecto político?

En mi caso es una apuesta por la búsqueda de lectores. Hace 10 años publiqué un libro de cuentos en otra editorial con un tiraje de 2 mil ejemplares y hasta la fecha no se han vendido, en cambio un tiraje de 4 mil ejemplares en Almadia se agotó en un año. Es algo que habla, no tanto económicamente, sino que indica que los libros están circulando, que están llegando a los lectores. Es una editorial que no le pide nada a nadie.

¿Qué opina del nivel de participación y la calidad de los talleristas en Oaxaca comparado con otros estados, en particular el centro del país?

Casi todos los talleres que he dado han sido fuera del centro del país y casi todos dedicados a literatura infantil. Pero podría decir que aquí hay más disposición por experimentar en literatura y en otros casos se piensa que teniendo una historia en la cabeza todo se da; y definitivamente es mucho más que eso. En talleres como el que imparto ahora en CaSa Etla lo que más me gusta hacer es invitar a la experimentación. ¡Vamos a romper con lo que ya existe, vamos a tratar de crear algo nuevo! Porque si no lo hacemos, no vamos a llegar a ningún lado.

Es mejor un fracaso contundente que un éxito mediano. Todos los cuentos que voy a sacar en un nuevo libro, editado por Almadia, tienen como fundamento experimentar una manera de contar historias. Siempre estoy buscando la manera en que las historias se cuenten como deberían de haberse contado ellas mismas sin que yo les imponga nada.

En este afán de experimentación, ¿existe alguna poética personal a la que se apegue Francisco Hinojosa?

En primer lugar la escritura como placer. Si no me causa placer esa escritura, algo no está funcionando ahí. Creo además que ese placer se puede transmitir al lector. Segundo, siempre pienso en el lector. Imagino un lector inteligente, con ciertas competencias narrativas y capaz de identificar referencias intertextuales. En el caso de la literatura para adultos privilegio más la escritura que la historia. Me gusta correr riesgos y me importa sobretodo la experiencia de la escritura.

Privilegiar la experimentación en lugar de la historia, pareciera en algún sentido contrario a las viejas poéticas del cuento como la de Maupassant o Chéjov. ¿Es esto deliberado?

Deliberadamente contracorriente. A lo que atiendo, más que nada, es a esa escritura, la que me está dictando ‘esa otra parte’ que es la historia; en el proceso lo que encontré fue una escritura que no está en un canon o un recetario. Estoy buscando permanentemente decir algo que todavía no sé que es. Primero encuentro la manera en cómo lo voy a decir y luego lo digo.  Se corren riesgos, pero repito, es mejor un fracaso contundente que un éxito mediano.

Editorialmente se corre el riego de que el cuento no sea rentable. Es más fácil publicar una novela mediana que un gran libro de cuentos. ¿Qué opina usted?

Lamentablemente tiene más lectores la novela que el cuento. Se le sigue pidiendo al cuentista que llega a una editorial que primero publique una novela y después, si así lo quiere, un libro de cuentos. Por ejemplo, siempre se le pidió a Carver que escribiera una novela, por supuesto se rehusó. Hay quien es escritor de cuentos. Yo me defino como escritor de cuentos. Sin embargo, que un texto mío, por su extensión o formato pueda ser llamado novela o cuento, no es algo que me afecte ni me importe. Lo que me importa es que esté emparentado con esa experiencia de escritura que en todo momento estoy buscando.

La Van se estaciona a la entrada del hotel Casa Conzatti. Descendemos y la lluvia se ha convertido en un tímido chispear. Estrechamos manos y la figura del cuentista se aleja mientras echa a sus espaldas una mochila que, seguramente, no se quita ni para dormir. Jeovanny, uno de los talleristas y quien también aprovechó el ‘aventón’ de vuelta a la ciudad, me comenta lo estimulante que fue escuchar al escritor. Me despido del joven y lo observo marcharse por las calles de Oaxaca. Seguro va a llegar a casa a experimentar esa escritura de la que tanto se habló y de la que yo entiendo muy poco.

AM/RL

Por Óscar Zapata

Rodeados de los centenares de libros que componen la biblioteca del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), tomamos asiento en una de las mesas más apartadas.

 La escritora Mónica Lavín ha terminado de impartir el Taller de Cuento a una decena de jóvenes que se dieron cita en el reciento cultural ubicado en el centro de La Verde Antequera.

Hace apenas un par de días se le ha anunciado como ganadora del Premio Iberoamericano de Novela Elena Poniatowska por su obra Yo, la peor (Grijalbo, 2009), donde recrea diversos aspectos de la vida de Sor Juana Inés de la Cruz. La calidez de su voz y la delicadeza de su sonrisa son las de una mujer que se sabe satisfecha con su trabajo. Le pregunto si podemos comenzar la entrevista.

Con una naturalidad exquisita cruza las piernas, inclina levemente la cabeza y retira de su rostro el cabello que lo ha cubierto. Mejor conversemos, me responde.

¿En qué circunstancias te enteraste de que eras la ganadora?

Yo no sabía si mi novela estaba concursando o no. Recuerdo haberle dicho a los de la editorial que no se olvidaran que existía el premio Elena Poniatowska ya que es un galardón bastante nuevo. Eso fue todo, la verdad nunca supe si la novela había sido enviada o no. Un día martes, terminando de dar clases en la UACM, respondí a una llamada de Hernán Lara Zavala (jurado del concurso). Después de saludarme me pregunta: “¿Tienes puesto el cinturón de seguridad?”. Sin darme tiempo siquiera de especular me dice: “Porque ganaste el Elena Poniatowska”. Sentí una emoción inesperada, no pude decir nada porque sentía como si algo me hubiese amordazado la garganta. Siempre suena cursi cuando uno describe las emociones en estas situaciones, pero así fue.

Posteriormente, para decirle a mi gente cercana, preparé una mentira, ya sabes que a nosotros los escritores nos gusta contar ficciones. Le pedí a mi pareja que comprara champán y cité a mis padres y mi hermano, que casualmente estaba en la ciudad de México, a un brindis. En casa de mis padres saqué Hasta no verte Jesús Mío de Elena y Yo, la peor: “pues fíjense que gané el premio Elena Poniatowska”. Ese fue el brindis íntimo. Y lo digo porque a mí me gustan los rituales, me parecen importantes, creo en ellos bajo cualquier circunstancia. Cada vez que me llega el primer ejemplar de alguno de mis libros lo abro y anoto las circunstancias en las que recibo ese primer ejemplar.

¿Qué opinas de que las tres novelas premiadas hasta ahora, Expediente del Atentado de Álvaro Uribe, Península, península de Hernán Lara Zavala y Yo, la peor correspondan a lo que se conoce como novela histórica?

No estoy muy de acuerdo en llamarle “novela histórica”. Es más bien novela de contexto histórico, con personajes históricos; creo que eso está pasando en la novela actualmente. Hay una fuerte vertiente, la “nueva novela histórica” le llaman, que ubica a los personajes en un determinado momento de la historia, en un hecho documentado, pero que trata de hacer visible lo invisible.

En la ficción hay permiso de crear personajes, situaciones, hechos y ambientes, aun cuando se trate de un personaje histórico. Me interesa Sor Juana porque es una mujer escritora, porque tiene un espíritu científico. Me parece que lo suyo no es una participación en la historia como Josefa Ortiz de Domínguez o Leona Vicario, lo suyo tiene que ver con un espíritu renacentista, con amar el conocimiento y ver la manera de labrarse un camino.

Me interesaba ver a Sor Juana desde las condiciones del siglo XVII, ahora vemos y pensamos a Sor Juana atribuyéndole, inclusive, una posibilidad de libre albedrio, de libertad de elección; y en el siglo XVII las circunstancias eran otras. Quería pensar cómo se somete su deseo, su impulso, su arrojo. Pensar su buena fortuna, sus grandes dotes intelectuales y su habilidad política para moverse en su tiempo. Era algo que yo me quería contestar.

¿La “obsesión” con Sor Juana, si podemos llamarle de esa manera, no es nueva? Recuerdo haber leído ensayos tuyos acerca de Sor Juana y escritos sobre cocina del siglo XVII.

De ahí salió todo. No creas que yo era una devota de Sor Juana, debo confesarlo. No es cierto que leyera todas las madrugadas sobre su vida. Sabía bastante poco de Sor Juana, sabía acaso lo que todos sabemos. Todo nació a raíz de un encargo de una amiga que desgraciadamente murió hace un año, Ana Benítez Muro, que dirigía en Clío una colección de cocina virreinal. Una vez me dijo que existía un recetario atribuido a Sor Juana y que pensaba adaptarlo a tiempos contemporáneos, así que me pidió un texto sobre Sor Juana y la cocina. En ese tiempo trabajaba como freelance y necesitaba la lana.

El proyecto me pareció atractivo porque a mí siempre la parte gastronómica me ha encantado, entonces me puse a investigar para tratar de aterrizar a Sor Juana con la cocina. Ese trabajo de pensarla frente al fogón, qué sabores probaba, qué decisiones tomaba, me llevaron a interesarme en ella pero como persona. Entonces me empezó a seducir la idea de hacer una novela alrededor de ella. Como te darás cuenta, el acercamiento fue realmente casual.

Dentro de esta nueva “novelística histórica”, que si bien no trata de desmitificar al personaje, pero que sí quiere mostrar una materialidad muy concreta, ¿cómo dar cuenta de la parafernalia que existe alrededor de Sor Juana, tanto en lo filosófico, lo literario, e incluso lo político, y al mismo tiempo mostrar su cotidianidad? ¿Cómo balancear ambos aspectos?

No lo sé, creo que es meramente intuitivo. Lo que intenté fue comprenderla. Creo que la literatura tiene un afán de comprensión, creo en la idea de Faulkner de la compasión por los otros, de entender la parte de fragilidad y grandeza del espíritu humano. Para mí la parte cotidiana es la manera de poder ver a una Sor Juana que no sea observada desde la óptica del encumbramiento. El día a día es lo que va haciendo a la persona, las decisiones que va tomando. Esa era la parte que me interesaba. La dificultad era discernir, de todo el bagaje que hay sobre Sor Juana, qué es lo que a mí me parecía más relevante para contar; si su vida y sus diferentes momentos, pero a través de las diferentes mujeres que van a comprender una u otra faceta de la poetisa.

Por ejemplo, la madre analfabeta no puede ni leer su poesía para empezar; no le interesa la poeta, le interesa la hija. La cuestión es entender, en función de las pasiones humanas y tipos de relaciones, quién era Sor Juana para las otras y para los otros. Para Sigüenza y Góngora era absolutamente una igual si no es que una superior. Yo creo que ahí encontré el balance. Como me parecía tan inapresable y, como decía Octavio Paz, tan diversa de sí misma, esa diversidad la quería ver a través de sus distintas facetas y no sólo desde la usual línea conventual. Quería entender las posibilidades que tuvo de ser “otras Sor Juanas”.

En ese contexto, ¿encontraste afinidad en el hecho de que se tratase de una mujer, es decir, una afinidad de voces en cuanto al género?

Sí. Yo creo que era inevitable. Lo que pasa es que tenía que encontrar una forma, y me parecía que la forma en ese tiempo, dado que estuvo encerrada en un claustro y las condiciones eran muy limitadas, era a través de lo que pudo haber sido como mujer y de la óptica de las otras mujeres. Me preocupaba, por ejemplo, en el convento qué hacen con las menstruaciones de las monjas. A lo mejor sí es un tema de lo “femenino cotidiano”, de lo “femenino de alcoba”, pero eran puntos donde podían confluir las perspectivas de todas estas mujeres, llámese la mamá, la hermana o incluso la virreina.

El referente obligado sobre Sor Juana es indudablemente Octavio Paz. Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe es casi un demonio hablándote al oído cuando se trata de escribir sobre la poetisa. ¿Cómo sortear este referente que hace hincapié en la obra y deja de lado las vicisitudes personales?

Es un gozo leer Las trampas de la fe. No puede centrarse en las decisiones cotidianas de Sor Juana de la manera en que la ficción de la novela lo permite, pues es fiel al espíritu del ensayo que tan lúcidamente practicaba Paz. Yo quería estar del otro lado de la gran obra. Del otro lado de la gran obra está la persona. Quería estar cerca, quería apreciar ese siglo XVII. Paulatinamente me fue ganando el gusto por saber de la época. Antonio Rubial, que es el estudioso del siglo XVII, tiene un libro que se llama La plaza, el palacio y el convento: la Ciudad de México en el siglo XVII, que justamente toca los tres ámbitos en los que vivió Sor Juana. Es fascinante el entramado social de esa época. Me engolosiné muchísimo con todas las posibilidades que me daba ese ambiente para hacer un tapiz de la época.

Súbitamente nos indican que tenemos que abandonar las instalaciones del IAGO porque el edificio está por cerrar. Acordamos vernos al día siguiente para continuar nuestra charla. La cita es ahora en el restaurante Los Danzantes de Oaxaca ubicado en andador turístico Macedonio Alcalá. La conversación se torna en esta ocasión de lo más informal. Bebemos unas cervezas e intercambiamos opiniones acerca del mundo literario y académico del país. La escritora se ve particularmente bella esta noche y no puedo evitar sonrojarme cuando toma mi antebrazo y reímos simultáneamente.

Me cuenta de sus influencias literarias, del determinante influjo que el escritor argentino Mempo Giardinelli tuvo en su prosa, de cómo dejó de lado la biología para dedicarse de lleno a las letras. “La primera vez que me sentí realmente escritora fue cuando, al llenar una forma migratoria en la aduana de un aeropuerto, escribí escritora en el espacio que decía ‘ocupación’… a partir de ese momento me supe simple y llanamente escritora”. Nos avisan que su reservación está lista y que sus acompañantes han llegado.

Me despido y agradezco su cordial disposición. Abandono rápidamente el restaurante porque en menos de una hora tengo que tomar un autobús a la ciudad de México. Al abordar ruego que la boletera pregunte mi ocupación, muy por el contrario: “¿Viene tomado joven? Porque no puede abordar el autobús en estado de ebriedad”.

AM/RL

(Mex) El sol caía radiante sobre el verde tropical de los árboles, los arbustos y los antiguos mobiliarios que formaban el camino en San Pedro de las Joyas. Entre cada casa había una breve distancia;  un pasillo pequeño conducía a una puerta de madera casi escondida. Hice sonar el timbre, unos grandes ojos verdes se asomaron.

Detrás de Daniel Aspuru, dos faros nobles, oscuros, calmos, se exhibían cuales ventanas del distanciado Japón, era Tetsu Kondo quien miraba con incertidumbre. Alrededor, programadores, equipo de audio, iPhones, se ubicaban en el centro del estudio de grabación, aparentemente esparcidos  por todo el lugar, pero no era así.

En el amplio jardín semejante a un bosque sonaba una sierra atravesando un árbol, sin alcanzar a observar de dónde específicamente venía el ruido ni qué árbol era talado; asimismo, los músicos parecían tranquilos, sin perturbaciones auditivas.

Tetsu Kondo y Daniel Aspuru son músicos y personas multifacéticas; se conocieron el año pasado gracias al Centro Nacional de la Artes (CNA).

Daniel Aspuru, nacido en 1978, inventor de instrumentos musicales —que no requieren necesariamente el uso de la computadora—, y partícipe en distintos grupos como El Gabinete y Nine Rain, toca el piano, el saxofón, la batería y la tabla.  Transmite a través de la música disímiles sensaciones.

“Los dos somos músicos. Para él la música es un método fácil de comunicación, el lenguaje español-japonés”, expresó Daniel traduciendo lo dicho por su colega. “La gente puede decir que Japón y México son muy diferentes, si lo ves a través de la música no es tan diferente. También tenemos internet y nuevos medios que permiten que nos comuniquemos fácilmente”.

“Nosotros creamos un arte que primero nos guste. Después comenzamos a considerar detalles, pero no hacemos el arte para la gente; disfrutamos el proceso de hacerlo, desde hacer una comida o intercambiar cosas de Japón, hoy fuimos a Xochimilco a comprar comida, eso es parte esencial del arte. De ahí viene la inspiración para hacer la música: de conocernos a nosotros”, agregó.

Tetsu Kondo, nacido en 1975, se vinculó con Daniel desde aquel concierto en 2009. Invitado a presentar un concierto, pidió trabajar con músicos y compositores mexicanos, por ello contactaron a Daniel. Desde entonces, se vale de algunos instrumentos inventados por su amigo y también de los suyos.

La ejecución de obras sonoras —llamadas de “vanguardia” por la aplicación de la tecnología al arte sonoro—, y la vinculación entre los artistas conllevaron a la reciente presentación de un concierto en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), donde Tetsu es considerado minimalista.

¿Cuál es la esencia del arte sonoro y del minimalismo? ¿Qué significa para ustedes el minimalismo?

“Me gusta la frontera entre lo abstracto y lo que es fácil de entender. La frontera, por ejemplo, entre lo consciente y lo inconsciente”, comentó el artista japonés.

“Es muy interesante cuando creas una pieza sonora —nos gusta hacer eso— y le das a la gente elementos para que ellos viajen: pones un color y un sonido, de pronto eso evoca que la gente responda y se imagine cosas, no ser tan explícitos sino ser abstractos, pero tampoco tan abstractos como para que no se entienda”, agregó Daniel.

Hay piezas en las que podrían buscar provocar a la gente, con ruido por ejemplo, para que reaccionen de cierta manera, o bien, buscar relajarlos para un intermedio entre una pieza y otra. Requieren de combinar instrumentos musicales acústicos con tecnología, valiéndose de la programación o de crear música a partir del video y a la inversa; sin embargo, ¿qué uso le dan a la programación en el arte? 

La voz suave y pacífica de Tetsu explicó: “If I don´t need to do programmy I don´t do. Only music is fine, but for this concert I thought the music express”, su voz se fue encogiendo poco a poco…

“A muchos de los artistas les gusta usar la programación, están programando, programando…, es como un arma para matar gente. A él no le gusta eso. Es lo opuesto. Si él no tiene que usar programación, él no la usa. Sólo la música está bien, pero para este concierto, pensó que la programación era importante para expresar”, explicó Daniel.

… “Of course, I can to program very well. I like a balance between human and the technology”, se insertaba nuevamente el habla de Tetsu.

La simplicidad del arte digital y la música es la razón por la que Tetsu usó la programación en el concierto en el MUAC. Le gusta un balance entre la humanidad y la tecnología, lo cual demanda una base de conocimientos al respecto, gracias a ellos es profesor de Tecnología aplicada al arte en el Politécnico de Tokio y en la Universidad de Nagoya, en Japón; es investigador en la Universidad de Nueva York y también diseñador.

Con fluidez Daniel expresó: “hay mucho del arte electrónico, la gente lo piensa al revés. O sea, piensa en: ‘voy a hacer una pieza basada en una computadora con un robot con una pantalla’, y no, así no es el arte. El arte es al revés, primero tienes que pensar qué quieres expresar y después ve qué necesitas. A lo mejor no necesitas el robot ni la pantalla, sino hacer la idea artística. Mejor usar esa tecnología para hacer herramientas no para el arte”.

Daniel es ingeniero de sonido, diseñador electrónico y productor musical; ha visitado Berlín, Roma, Ámsterdam, Belgrado, Zagreb, San Petersburgo, Prato, Buenos Aires, incluso Ljuvjiana dando conciertos. Es inventor del transductor eólico, un instrumento creado en 2005, el cual convierte señales de audio de cualquier tipo en flujo de aire que cuenta con alrededor de ciento cincuenta circuitos integrados artesanalmente.

En éstos días el arte muta, se reinventa; la tecnología es una herramienta, un recurso útil o también inútil, pero que está ahí a disposición del proceso creativo. Para Daniel “el real arte no necesita una cédula. El buen arte no necesita textos. El buen arte lo ves y te has sitiado”.

AM/RL

Foto: Juliana Wiklund, 2010

(Chile) Alexader Fredés es un artista viajero, Chile, Polonia, Inglaterra, Suecia y Dinamarca, son sólo algunos de los países que han sido testigos de sus creaciones. Su camino de originalidad y de expresión visual, lo han llevado a incursionar en la dirección de arte, la fotografía y la obra gráfica, entre muchas otras propuestas. En entrevista para MilMesetas, Alexander habla de lo que significan ciertas palabras para él.

 Movimiento

 ”Arte es para mí una espiral que está siempre en movimiento. No creo que exista un movimiento o una expresión artística que no tenga raíces en alguna parte. Hacer arte es crear conexiones inesperadas o imprevistas entre elementos que de otra manera podrían considerarse incompatibles o, trasladar elementos desde su ambiente originario a un contexto diverso. El arte es una expresión profunda de individualidad y del deseo de comunicar esa manera individual de ver la realidad.

El potencial creativo existe no sólo en las cosas que socialmente se aceptan como bellas sino también, dentro de lo que es considerado desperdicio o renegado. Si se tiene esta capacidad de ver lo que otros no ven y de encontrar nuevas conexiones más la habilidad técnica (no importando cuál) se está apto para crear y probablemente según las circunstancias, de comunicar esas creaciones u obras de arte.”

Imprevisible.

“Durante una clase de artes plásticas en el tiempo de la escuela básica, el profesor no pidió que hiciéramos una reproducción de cualquier obra de arte a elección. Un libro con esculturas de Picasso cayó en mis manos y entre ellas la imagen de un rostro hecho con varillas metálicas que a pesar de no ser más que contornos daba la sensación de  tridimensionalidad. ¡Fascinante! Sólo varas metálicas… sin embargo, un rostro en tres dimensiones.

Copié en ese entonces esta escultura con los materiales que tenía a mano, o sea con alambres e hilos para unirlos. El resultado, inesperado por supuesto, fue del gusto del profesor que sugirió a mi tutora que deberían cambiarme de escuela y enviarme al preparatorio artístico. No era la primera vez que recibía esta clase de atención ya que desde pequeño había demostrado inclinaciones artísticas de diferentes tipos. No fue sin embargo mi momento adecuado, ya que no existían los medios para enviarme a esa escuela especial y todo quedó en nada. Debería esperar cinco años más para tener el primer contacto con la técnica del óleo.

Grulla, ilustración digital, Alexander Fredés 2010

La primera vez que pinté algo en realidad fue cuando me hice miembro del club de pintura en la escuela secundaria. Allí aprendí a usar la técnica del óleo pintando naturalezas muertas y estudiando la técnica de los grandes pintores, especialmente, los impresionistas. Durante mis años en la universidad fui en forma paralela a una academia privada de arte en la que estuve tres años experimentando con diferentes técnicas y materiales. Allí recibí por primera vez el primer premio en la exposición de estudiantes por mi pintura experimental. Después de ese periodo continué pintando especialmente con óleo sobre tela por varios años hasta que decidí que debería parar ya que no tenía en verdad nada que decir o expresar.

Muchos años después, y ya radicado en Suecia, en 1987 llegó a mis manos mi primera cámara fotográfica que me hizo descubrir una nueva manera de ver las cosas. Descubrí cuán interesante es capturar momentos, hacer retratos de personas, de transmitir un hecho mostrando sólo un “momento congelado”. A fines de los ’80 tuve la oportunidad de mostrar mi trabajo fotográfico en una exposición colectiva en la Casa de la Fotografía (Fotohuset) en Gotemburgo, Suecia.”

 Casualidades.

“Mis primeros contactos con las artes gráficas y la tipografía fueron cuando entré a la Escuela de Publicidad y Medios de Comunicación de la Universidad Técnica del Estado, en Santiago de Chile. En ese entonces no tenía ninguna idea de la conexión entre hechos, formas, colores, líneas ni tampoco del momento en que se vivía. Había crecido en un ambiente protegido, lejos de la realidad. Abrir los ojos y ver, me costó algunos años. Esto, sin embargo nunca ha sido en mi caso una desventaja porque me ha permitido conservar la manera pueril de acercarse al mundo, la curiosidad de lo imprevisto y el- no -sentirme- atado a ninguna regla, grupo ni pertenencia de ningún tipo.

En 1990 entré a la Escuela de Diseño y Artes Aplicadas de la Universidad de Gotemburgo en Suecia (HDK, Göteborgsuniversitetet). Un fantástico nuevo mundo se abrió ante mis ojos. Durante cinco años tuve la oportunidad de conocer y experimentar con todo tipo de técnicas y materiales. Trabajé con todo el espectro de recursos que la escuela ofrecía y no sólo con diseño gráfico sino con diseño integrado, es decir borrando todo tipo de barreras entre las diferentes especialidades. Personalmente, comencé a pintar acuarela por la facilidad de poder andar trayendo los colores conmigo, especialmente en los viajes, y en vez de la cámara fotográfica (tengo varios libros de bosquejos a la acuarela, de esos años).

En 1992 me ofrecieron hacer una exposición en Szczecin, Polonia en que presenté una colección llamada Tonos de la Naturaleza (Shades of Nature). Una serie de acuarelas inspiradas en la naturaleza de la costa oeste de Suecia. Entre los años ‘91-’94 participé en diferentes exhibiciones conjuntas, más que nada con relación a las escuelas en que estaba estudiando. “

 Inspiración

Foto Alexander Fredés, Roma 2010

“No sigo las tendencias y lo que hago no se parece en general a nada o sea es individual y es esta individualidad, la que caracteriza mi personalidad y mi manera de ver o sentir la realidad. A veces tengo éxito en comunicar mis ideas otras, quedan archivadas en espera de tiempos mejores, tal vez para cuando el espectador esté maduro para ver y entender lo que mira.

Las técnicas digitales y sus expresiones en nuestros entornos inspiran mis trabajos presentes. Me puedo inspirar en lo que me está sucediendo en ese momento, en una conversación, en el encuentro de una persona, en una relación y e los medios de comunicación en general.

Tengo una insaciable curiosidad que me hace pensar en imágenes en todas partes. Si en ese momento tengo una cámara, tomo una fotografía; si no, escribo mis pensamientos para después usarlos en mis creaciones. El material o la técnica que use, no es de ninguna manera decisivo para expresar mis ideas, lo importante es lo que necesito expresar y lo que quiero que los demás vean y capten, con la esperanza de que mi obra les comunique algo.

En los últimos años he estado invitado a participar en varias muestras colectivas, sin embargo, me he visto forzado a rechazar las invitaciones por razones de costos. En el otoño del 2008 participé, sin embargo, en una muestra colectiva en Estocolmo, Suecia, con colegas de la Asociación de Ilustradores Suecos. Debido a que trabajo como Art Director, pensé que lo más representativo para mí en ese entonces era presentar una colección de afiches en que enlacé las técnicas digitales con la fotografía, tipografía y la pintura. Cada afiche está basado en una frase, palabras, textos y de allí las formas y los colores, en otras palabras, presenté ilustraciones.

En los dos últimos años he seguido trabajando con técnicas digitales mezcladas con pintura y otros materiales (telas, hilos metálicos, láminas metálicas, luz) dependiendo de cuál es el pensamiento y texto que me inspiran.”

Alexander L Fredés

Art Director/Graphic Designer (MFA)

email: alexander.fredes@gmail.com

www. alexanderfredes.com

Y? (Why?), mixed media, Alexander Fredés 2009

AM/RL

Líber reconoce su sencillez, pues así como puede tocar en el Vive Latino con el escenario lleno (como sucedió en el 2010), también puede abordar un camión y conversar con todo tipo de gente. El parque que sirve de punto de encuentro para la entrevista es muy tranquilo, el rostro de Líber no escapa a este ambiente. Cruza su pierna e imaginariamente se dibuja sobre su cabeza ese sombrero tan característico en él (y que hoy no porta).

Al entrar en contacto con su pasado los suspiros salen de sus labios. Líber admite que su galopada en el mundo musical comenzó en la reconocida banda de ska “Los de Abajo”, con quienes consolidó una importante carrera, no sólo en México, sino a nivel mundial (con ellos realizó diez giras por Europa, dos por Australia y Nueva Zelanda, dos por Canadá y una por Estados Unidos, además de conciertos en Japón y Singapur. Con esta banda, ganó un reconocimiento de la BBC de Londres en 2006 como mejor grupo latinoamericano). Sin embargo, Terán quiso evolucionar, y por ello, se aventuró a crear un proyecto solista. Sus años de experiencia, más la ayuda de sus influencias (desde Agustín Lara hasta grupos de Grecia y Turquía), han dado como resultado dos producciones: “Gitano Western” y recientemente “Tambora Sound System”.

El origen

Su deambular en la música inició cuando tenía cuatro años, sus padres lo inscribieron a una escuela de pedagogía infantil, en donde interpretaba música mexicana (incluso le enseñaban música prehispánica.) Aunque –recuerda, al tiempo que dirige una mirada hacia arriba–, su primera composición la realizó cuando tenía apenas ocho años, influenciado bajo el rock en español.

Contrario a lo que piensa la mayoría de sus seguidores, Líber, no inició en Los de Abajo. Surgida en 1989, su primera agrupación se llamó “Niños Santos”, tocaban grounge en combinación con rock.

Líber talla su ojo, piensa y profiere: “Después de ese grupo fundé Los de Abajo. Puedo decir que un 80 por ciento, las creaciones me pertenecen. Éramos una auténtica “big band”. En 2007, finalmente, vino la fractura del grupo”.  Al preguntarle sobre el motivo de la separación, el vaquero del norte, contestó que ya no existía la misma empatía de antes.

Josué Lugo (JL): ¿Existe la posibilidad de que posteriormente se reencuentren?

Líber Terán: Actualmente me encuentro muy concentrado con mi proyecto, muy satisfecho con él. No pensaría en regresar con mis ex compañeros, sin embargo, no cierro la puerta. Aunque la música es cómo la vida; muy impredecible (su rostro adopta una postura más seria). Tras una pausa de escasos dos segundos aduce: “la música cuando te llama te llama”.

La fórmula secreta

¿Qué ingredientes contiene la fórmula musical de Líber Terán? Música de los Balcanes: griega, turca, otomana; ritmos sinaloenses y duranguenses, destellos de rock steady y foxfoot, además de música mexicana contemporánea. En suma, Líber define su género como rock folk alternativo.  Su mayor éxito, según sus palabras, reside en su autenticidad, ya que cada acorde creado es degustado por su creador, cada letra es pensada con toda precisión, cada canción es sometida a un meticuloso proceso de selección.  

Líber se define como un cantautor lírico. Sus letras se nutren de poesías y novelas, pero sobre todo, de canciones provenientes de músicos que admira. Mientras tanto, en el parque -ubicado en el DF-, el sol arrecia y la gente pasa, ya sea con sus hijos, con sus mascotas, o solos. Voltean y miran a Líber con extrañeza. Los árboles confieren al lugar vitalidad  Terán se quita la sudadera y agrega: “la canción es la frontera entre la poesía y la música”. El oriundo del DF, recomienda a los jóvenes músicos, estudiar mucho, enamorarse de sus instrumentos y acercarse a la lectura.

Las letras de su última producción, “Tambora Sound System”, aluden a historias urbanas como es el caso de “Lola” o “Perro negro”, hablan de conflictos existenciales, muestra de ello son las canciones: “mi funeral” y “la sombra”.

Qué decir de los aprietos amorosos, los cuales, no pueden ser eximidos de esos conflictos que a Líber tanto le gusta reflejar. Como muestra está la canción: “té amargo”.

Terán no olvida la utopía, pues ésta lo mantiene vivo; en términos más claros, le gusta pensar en un mejor lugar, ser optimista, esto reluce en la canción: “el jardín ideal”, primer sencillo que se desprende de “Tambora Sound System”. Como valor agregado, la producción posee colaboraciones de ex integrantes de Nortec Colective y Control Machete en dos remixes. Al referirse al disco, el también estudiante de etnomusicología sentencia: “Es una nueva tendencia que va de lo global a lo local”.

Detrás del músico

Detrás del músico, el boom literario latinoamericano, Paul Auster, biografías y novelas históricas (otra de sus grandes pasiones), libros de medio oriente y novelas europeas. Cine independiente como el Goran Bregovic, clásico como el de Stanley Kubrick y Fellini, sin olvidar al polémico Tarantino. Música griega y de protesta, Velvet Underground, David Byrne (con quien Líber trabajó debido a que éste le produjo un disco con Los de Abajo), Jhon Lennon y José Alfredo Jiménez. Rock, baladas viejitas y actuales, además de otros libros, documentales (le apasionan mucho), películas y géneros musicales, que Líber no mencionará. Lo que sí aduce, es que su persona evoluciona a la par de sus gustos y carrera musical.

Su mayor inspiración es la vida, el amor, el desamor, las pasiones del hombre, la historia, la existencia. De no haber sido músico, hubiera sido caricaturista, actor o periodista (ríe).

Llega el tiempo en forma lenta, se incrusta en Líber, quien cambia su postura, su pie ya no está cruzado y habla más lentamente, la pregunta que se le ha planteado implica un pensamiento profundo. ¿Mi mayor miedo?, dice, mientras tranca su mirada en el árbol que acobija el encuentro. “La muerte”, claudica. ¿Mi mayor sueño (respira)? Ser inmortal a través de la música. ¿Mi mayor pertenencia? El amor hacia mi familia. ¿Sus bebidas predilectas? El vino tinto y tequila.

¿Lo que un seguidor no imaginaría de mí?, dice Líber. Sus manos se mueven de abajo hacia arriba, de arriba hacia abajo, finalmente responde: “Me gusta la natación, tomar el micro (no me gusta manejar), tal vez resulta inimaginable que no me gusta fumar,- a menos que sea puro-, me gusta ir a la playa, y disfruto dar clases de música.     

Vaquero a contracorriente

Durante su estancia con Los de Abajo era evidente el fin político que perseguían sus composiciones, así como su apego a movimientos sociales, tales como el EZLN y la liberación de los presos políticos. En su nueva faceta, ¿este espíritu combativo ha sido diezmado? Líber piensa, parece que dirá una palabra, pero calla, vuelve a pensar su respuesta, cruza su pierna (otra vez) y claudica: “desde luego que mis canciones tienen un fin político. El arte no puede disociarse del contexto que le rodea. Con mi música pretendo unir fronteras. Estoy en contra del abuso de poder, en contra de los que oprimen a los pobres. Soy una persona a contracorriente.”

Líber Seregni, perteneciente al frente amplio progresista de Uruguay fue inspiración de los padres de Líber para nombrarlo así, tal vez sea por ello, que Terán se identifica con los colectivos que luchan por los derechos humanos. “El zapatismo me sigue llamando, es una lucha con la cual sigo concordando, apoyo la lucha del SME, las ideas de la revolución cubana, la liberación de los presos atenquistas; de igual modo, me identifico con los artistas que hacen conciertos en apoyo a luchas sociales. En resumen, soy una persona de izquierda”, manifiesta el músico. “Un artista puede o no  hablar de política –eso no le resta méritos si es bueno.-“

JL: ¿Qué opinas de la situación política actual?

Líber: Veo una fuerte crisis en la izquierda y en la derecha mexicana. Veo una crisis mundial que todos padecemos. Veo un mundo colapsado por las guerras, en especial, entre Oriente y Occidente. Veo mucha xenofobia y racismo.

Al referirse a México, manifiesta que los problemas no se han solucionado con votos, la eterna dependencia hacia Estados Unidos sigue latente. No hay congruencia electoral. Para Terán, los cambios pueden llegar más por grupos no oficiales que por partidos políticos.

JL: Bajo este contexto, ¿puede el arte transformar una sociedad?

Líber: Claro, le da un sentido más humano, se pueden formar redes de personas que compartan esta idea y desde su trinchera, cada quien, seguir aportando lo que pueda.

Las palabras cesaron, pero el sol sigue a todo lo que da. El silencio, previo a la despedida, penetra en el lugar. Líber se levanta (es alto, mide como 1.88 cm) en un tono afable se despide, el vaquero del oeste sigue su recorrido, son apenas las dos de la tarde.

AM/RL

(C hile)A.I: ¿Quién eres?

V.L: Un creador y devorador de historias de horror. Nací en Machalí, específicamente en Coya, un pequeño sitio cordillerano ubicado al noroeste de Rancagua. Desde pequeño llamó mi atención la literatura y el comic, como uno sde mis primeros escritores favoritos recuerdo a Mark Twain y a Edgar Allan Poe.

A la edad de 11 años participé en una especie de grupo  de Arte Subversivo en el Internado Nacional Barros Arana  de Santiago, el grupo se llamaba  ATOMIC FLATULENCE, básicamente fue mis inicios en el arte, nos juntábamos a escuchar discos de Thrash Metal y Hard-Core Punk y escribíamos historias de horror y algunos comics, y al mismo tiempo saboteábamos cualquier manifestación artística que fuera considerada mediocre por nosotros.

De ese tiempo recuerdo algunas historietas como La Mancha, Cañete, el Pordiosero, etc, etc. Y un cuento de terror llamado Síndrome de la carne muerta ( una ridícula historia de zombies en donde yo era el héroe, que destruía la plaga de muertos vivientes sentado en una silla de ruedas, jajaja)… Me expulsaron del Internado en Segundo Medio a la edad de 14 años, bueno casi 15 en realidad y ese cambio, me marcó por siempre. Al llegar a Rancagua, entablé amistad con Gustavo Daza (Director de Arte y Profesor de la Escuela de Cine de Chile), con él comenzamos a compartir nuestra afición por la Literatura y el Arte en general. En esa época descubrí la poesía de Rimbaud, Mallarmé, Corbier, Baudelaire y Bukowsky, casi sin pensarlo comencé a escribir poesía, lo único que conseguí crear fue un libro llamado “Súcubos en el olvido”, que nunca fue publicado pero si fue interpretado en un recital de poesía hecho en la Universidad de Rancagua. Fue Gustavo quién me dijo que mi manera de escribir eran como epígrafes, por lo que decidí lanzarme a escribir cuentos. De esa etapa  nacieron relatos influidos por el consumo de la codeína: Niños en negro,  Insomnio, etc. Algunos de ellos aparecen publicados en mi blog EL INFIERNO NO ES UN MAL LUGAR PARA ESTAR. En esa misma época gané una tercera mención con un cuento de zombies llamado “Ciudad Sitiada”,  hecho por la Municipalidad de Rancagua.

 Al cumplir 19 años emigré a la Serena y estudie Diseño Gráfico carrera que deseché y me seguí dedicando a escribir.  A los 22 años entré a la Escuela de Teatro LA CASA del maestro Fernando Cuadra, en realidad no sabía mucho de Teatro, creo que lo hice como forma de terapia para calmar mi destrozado sistema nervioso. Allí, conseguí crear algunas piezas teatrales, escribí una obra caótica de seres que consumían codeína llamada JODIANA que fue representada en el Teatro San Martin de Rancagua ante un pequeño grupo de drogadictos, punks e idiotas. Si bien, la obra no fue un fracaso, marcó un principio y un fin en mi manera de contemplar la vida.

Decidí abandonar para siempre mis estudios de Teatro y dedicarme de lleno a la escritura. Entablé amistad con Alonso Salazar un artista plástico y dibujante de comics y creamos una revista de historietas llamada “Heroicomics”, de esa relación surgieron los personajes: CHARLIE DE LA MANSO, EL JOROBADO DE LA CATEDRAL, EL YEISON, DEPREDADOG y otras más, algunas de ellas fueron ilustradas por un muchacho de 14 años llamado Diego Donoso con quién tiempo después volví a trabajar. Sacamos dos números de Heroicomics, en la segunda edición pasé a formar parte del staff de la revista y Alonso Salazar (Loncho) me propuso que hiciéramos un comic-book basado en uno de los personajes que aparecía en la revista, un superhéroe, el hombre de cobre Sewellman. El comic-book fue bastante conocido y algunas ediciones se venden por internet todavía… el personaje había sido creado originalmente por Guillermo Valderrama y Alonso Salazar, lo que hice fue básicamente crear mi propia versión  del personaje y más que un súper héroe Sewellman, se transformó en un ser taciturno con profundos traumas…

Al mismo tiempo que me dedicaba a las historietas, seguía creando historias de horror, algo particularmente extraño sucedió con dos de mis relatos. El primero llamado “Vampírica”, fue devorado ávidamente por los adictos a la literatura en la red (Aún circula de página en página, sin mi autorización, no importa, me encanta que el relato sea uno de los más leídos y que mi nombre se asocie con ese cuento). El otro relato fue el “Diario de la Señora Lastarria”, este estuvo inspirado en el mito de Tito Lastarria y hubo personas que creyeron que el diario…, el cual está escrito en primera persona por la supuesta madre de Tito Lastarria, era legítimo y sirvió para resucitar el mito del vampiro o nigromante rancagüino, de hecho fui entrevistado para un teaser realizado por Pablo del Real que sirvió como esqueleto para el documental basado en la leyenda rancagüina.

 Actualmente mis relatos están esparcidos por la red y tengo un comic-book junto a Diego Donoso, esperando por salir. He abandonado momentáneamente la literatura para dedicarme a la música canto en una banda, o grito en una banda de Thrash Metal llamada “Madhouse” y sigo escribiendo…

 Sí quieren saber más de mí, mi página es: http://qkazufer.wordpress.com/

 Eso es todo  a tengo 34 -35 años cumpliré en Septiembre… y amo a Satán. Ja ja ja.

RL