Exposición de grabado organizada por Humberto Corral Morales,  Eduardo Casillas y el Instituto de Cultura de Morelos, en la cual se congregará a 20 artistas que mostrarán en total 100 grabados en 4 salas.

Artistas participantes: Víctor Hernández, Francisco Daniel Quintanar Martínez, Iván Gardea, Armando Eguiza, Liliana Mercernario Pomeroy, Carlos Bautista, Humberto Corral Morales, Víctor Leyva, Mafer Bretón, Eduardo Casillas, Xulián Nava, Azucena Ocampo, Enohelia Mojica, Sheila Rocha, Pavel Mora, Xóchitl Ponzze, Abraham Villaseñor, María Antonieta De La Rosa Prieto, EKO y Javier Osona.

Habrá un Homenaje In-Memoriam de Luis Lombardo. Nacido el 05 Febrero de 1955 en el Distrito Federal, fallecido en Diciembre de 2011

Hasta el 26 de Febrero 2012

Horarios:
Martes a domingo
de 10:00 a 17:30 hrs.

Costos:
Entrada general: $30.00
Niños, maestros, estudiantes e INSEN: $15.00

Instituto de Cultura de Morelos, Sección Juárez, Interior del Jardin Borda. Av Morelos 271, Cuernavaca, Morelos. 
Entrada Libre

En el acto inaugural Consuelo Sáizar, titular del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, comentó cómo Pérez ha hecho girar en torno suyo un universo de ideas y proyecciones, cómo ha logrado encontrar un aliado en el fuego y un cómplice en el azar. Con ello, Sáizar manifestó gran gozo por presentar la obra de Pérez en el mentado recinto al que llamó “el lugar de los grandes artistas.”

En este sentido destacó que Pérez es “uno de los ceramistas mayores” del país y enfatizó que con esta muestra se podrá disfrutar de una obra que ha sido descrita por poetas y narradores nacionales.

De acuerdo con Sáizar, describir la cerámica de Pérez resulta complejo debido a “las formas novedosas, las texturas sofisticadas, el estilo abstracto y los colores misteriosos” que habitan sus creaciones, cuya técnica ejecuta con “libertad pero sin olvidar el papel fundamental que juega la casualidad en el arte de la cerámica.”

Dijo que Gustavo Pérez se distingue por su compromiso y entrega en el estilo de su obra, cualidades presentes en las palabras poéticas de varios artistas, como es el caso de Sergio Pitol quien lo definió como el hombre que vendió su alma al barro.

Asimismo afirmó que la cerámica de Pérez, apostada en Bellas Artes, dialoga con una estética arquitectónica diferente, al tiempo que hace guiños de complicidad a los maestros muralistas.

Por su parte Pérez aseguró que es muy importante para él exponer en este recinto, más aún haber conseguido la invitación para un ceramista que trabaja de una manera muy apegada al oficio de la alfarería.

La directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Teresa Vicencio, comentó que los ceramistas no ha sido lo suficientemente reconocidos por parte del gran público debido a que, entre otros factores, la propia cerámica no ha contado con la debida difusión, por lo cual esta muestra resultará significativa en este aspecto por tratarse de uno de los artistas más importantes en esta especialidad a nivel nacional e internacional.

Vicencio destacó que con “Gustavo Pérez. Obra reciente” finaliza la programación de 2011 del Palacio de Bellas Artes, que totalizó 931 actividades artísticas, contando con la presencia de 500 mil asistentes.

RMM/EZ

Discóbolo (réplica), II a.C.

“Cuerpo & Belleza en la Grecia antigua: Colección The British Museum” es una muestra integrada por 116 piezas de arte helénico y romano que se exhibirá en la sala de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología desde este jueves 10 de noviembre hasta el próximo domingo 22 de enero de 2012.

La muestra, cuya curaduría estuvo a cargo de Ian Jenkins y Victoria Clare Turner del Museo Británico, centra su propuesta en el estudio del cuerpo humano durante una decena de módulos especializados, desde el periodo que va del siglo VI a.C hasta el II d.C. o periodo romano. Asimismo, representa el resultado de una fructífera asociación entre el Museo Nacional de Antropología y el Museo Británico, una asociación que hizo posible la muestra “Moctezuma: emperador azteca” presentada en el recinto inglés del 24 de septiembre de 2009 al 24 de enero de 2010.

En dichos módulos podrán observarse espacios dedicados a la belleza natural del ser humano, la del hombre y la mujer común, pero también las propuestas estéticas del ideal atlético, la del superhombre, los dioses antropomórficos, las bestias mitológicas y los filósofos o escritores, hombres de pensamiento.

Es así que la muestra recibe al espectador con la célebre escultura “Discóbolo”, o “El lanzador de disco”, una réplica en mármol proveniente del siglo II de nuestra era, atribuida al escultor Mirón de Eleuteras a mediados del siglo V a.C. y la cual hubo pertenecido al Emperador Adriano.

Dicha escultura tomó gran relevancia en la era moderna ya que fue elegida como símbolo de los juegos olímpicos de Londres 1948, fecha que el gobierno británico quiso recordar a finales de este año ya que la muestra Cuerpo & Belleza es también una forma de presentar la grandeza del pueblo inglés previo a la justa olímpica 2012, justa que se llevará a cabo, por cuarta ocasión, en la capital londinense.

Jarras de figuras rojas, esculturas en piedra y mármol, bustos, vaciados en bronce y oro, estatuillas, mosaicos y platos son los diversos soportes que la muestra alberga. En ella podrán observarse desde ánforas de figuras rojas con pasajes mitológicos y enfrentamientos de Hércules con bestias fantásticas, hasta platos con decorados eróticos; desde mini estatuillas realistas sobre el ciudadano común, hasta esculturas colosales sobre dioses y monstruos; desde inocentes jovencitas jugando mientras recogen flores en un prado, hasta sátiros en esforzado intento por mancillar el tierno cuerpo de un ninfa.

La muestra “Cuerpo & Belleza en la Grecia antigua: Colección The British Museum” se exhibirá de martes a domingo de 9:00 a 19:00 horas hasta el próximo domingo 22 de enero en la sala de exposiciones temporales del Museo Nacional de Antropología, Reforma y Gandhi s/n, colonia Chapultepec Polanco, Ciudad de México. El horario de visita

AN22/IM

Estatuilla de bronce de Zeus, Época romana, siglos I-II d.C.

© Olga Chorro: Celebrando el viaje 3, 2011 / Grafito y acrílico / papel / 70 x 70 cm.

“Desde el primer momento en el que la humanidad dirigió su mirada al cielo

creyó ver una geometría circular que proveía de armonía y movimiento al cosmos”

Tomando como título el nombre de un libro renacentista y como espacio el asombroso Ex Convento del Desierto de los Leones, Olga Chorro reflexiona sobre la naturaleza y el origen del proceso simbólico de la geometría circular en la exposición De Sphaera Mundi (De la esfera del mundo), obra sobre astronomía escrita por Johannes de Sacrobosco que tuvo gran influencia en Europa antes de Copérnico.

Inspirada en el tratado astronómico Olga Chorro establece una conexión entre sus personajes y lo simbólico a través de las circunferencias en colores verde y azul que contrastan el dibujo en carboncillo de los cuerpos humanos en la serie Celebrando el viaje.  35 piezas entre dibujo y pintura conformarán la muestra.

Clausura: Diciembre 4, 2011

Ex Convento del Desierto de los Leones
Parque Nacional Desierto de los Leones, Carretera México Toluca s/n,
Col. La Venta Cuajimalpa de Morelos
Teléfono: (55) 5814 1171 – ext. 72
Horario de visita martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas

Entrada: $11 pesos

Este fin de semana, del 4 al 6 de noviembre, se llevará a cabo en las instalaciones del Centro Nacional de las Artes, la Cuarta Muestra de Arte Iberoamericano, una celebración que comprende cinco bloques de disciplinas artísticas y que representa el trabajo realizado por los beneficiarios del Programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y de Haití en México, es su periodo 2011.

Dicho programa tiene como principal objetivo fomentar el intercambio cultural y multidisciplinario, así como conformar redes de cooperación artística entre los países de la zona. Cabe destacar que la convocatoria es pública, abierta y no se limita a recibir proyectos de artistas consagrados, sino que abre un espacio de desarrollo para artistas emergentes.

La presente edición del Programa de Residencias recibió 236 postulaciones provenientes de 22 países. De ellas, fueron aprobadas 20 para que sus titulares pudieran desarrollar durante 12 semanas sus proyectos en tres sedes en la nación mexicana: Ciudad de México, San Luis Potosí y Ensenada, Baja California.

Es así que, los ganadores de la convocatoria, dividida en cinco grandes grupos, presentarán sus proyectos, con múltiples funciones, durante los próximos tres días en diversos foros del Centro Nacional de las Artes. La entrada para totas las puestas en escena, conferencias y exhibiciones será libre.

Letras, Danza, Teatro, Artes Visuales y Medios Audiovisuales son los cinco grandes grupos en los que se divide la muestra.

En el rubro de letras, el proyecto se comprometió a publicar un volumen compilación del trabajo de los cinco talleristas participantes: Missael Duarte Somoza (Nicaragua), Diana Vallejo (Honduras) Amarilis Pérez Vera (Cuba), Javier Ramírez “Nadie” (El Salvador) y Julio Serrano (Guatemala). La antología lleva por título Rasa: Poesía/Ensayo.

Por su parte, el trabajo de los rubros Artes Visuales y Medios Audiovisuales serán exhibidos en tres espacios del recinto. En la Galería Manuel Felguérez se encontrarán las obras Espacios en construcción de Francisco Eluchans (Chile), Cuerpo en tránsito de Mairyseth Vargas (Venezuela), Paisaje/Frontera de Alejandro Jaime (Perú), Arcilla Fusión – Tierra Fusión de Sofía Ullauri (Ecuador), A.V.I.E. (Agente Virtual de Información Electromagnética) de Rolando Apolo (Perú), Los Colgados de Diana Varas Rodríguez (Ecuador), y Bosquejos de block I y II de Juanito Gutiérrez (México).

En Galería Camerinos se expondrán los trabajos Nebula Humilis de Lola Guerrera (España), Sueños Arrebatados de Amadeo Velázquez (Paraguay), Intrusión 2 de Ricardo Cortés (México) y Recursivo de Aram Vidal (Cuba); mientras que en la Galería AB, se proyectará el proyecto Virtualisis de Raquel Labrador (España), un falso documental sobre un ficticio nuevo mal que aqueja a la especie humana: la adicción a la virtualidad.

En el apartado dedicado a la Danza, se presentarán las piezas Crystal de Ana Trincao (Portugal) y Sin ningún orden/yquésivoy de Omaris Mariñas (Panamá) en el Teatro de las Artes.

Finalmente, para cerrar el encuentro, se estrenará la obra de teatro ¡Enfréntate! Defensa personal para La Convivencia de hoy de Ezequiel Steinman (Argentina) en el Foro de las Artes, a las 19:00 horas del domingo 6 de noviembre.

AN22/IM

Arturo Estrada en su estudio, 1977

La obra del artista plástico Arturo Estrada, que en sus propias palabras describe como “una mezcla entre lo popular y lo oculto”, es exhibida en la exposición Testimonio crítico de un momento urbano, muestra inaugurada desde el pasado 27 de octubre y que permanecerá hasta el próximo 20 de noviembre en el Salón de la Plástica Mexicana.

Las 40 piezas que componen la muestra, se dividen en 19 óleos y acrílicos sobre tela, 15 grabados y 6 dibujos. En ellas, Estrada exalta la vida cotidiana a través de un tránsito de estilos, como el realismo, el impresionismo, el neoimpresionismo, el constructivismo y el surrealismo.

Dentro de las obras que pueden apreciarse está “Quetzalcóatl llegó al siglo XXI en el cielo guadalupano”, en la que el pintor michoacano muestra el universo azteca desde la Conquista –pasando por los periodos de la Colonia, la Independencia y la Revolución– hasta llegar al presente siglo.

Otros trabajos que se exhiben en Testimonio critico de un momento urbano son: “No guerra, No miseria”, “Informe de administración”, “No a la guerra”, “Del hombre caído se hace leña”, “Prelados contentos”, “San Salvador Atenco, historia de la impunidad”, “Circo democrático” y “México, territorio  mortal”, entre otros.

Estrada, cuyas creaciones se caracterizan por la alegría del colorido, declaró que éstas son pinturas inspiradas en el acontecer diario de la ciudad, donde la vida queda sin bienestar, justicia y paz.

Asimismo, indicó que en su carrera, de más de 50 años, ha intentado pintar lo que le ha impresionado, ha intentado “retratar el momento que está viviendo”.

Para el pintor, que ha expuesto desde 1945, un artista no debe cegarse ante la vida real de los pueblos, y afirma que “El tema social es indispensable”, debido a ello, la labor de él es seguir capturando “en forma realista, esos  momentos.”

Lo que pretende con sus obras es que el espectador entienda perfectamente las escenas de sus pinturas, pues en su opinión la miseria, la inseguridad y el desempleo son los únicos temas que se han globalizado y en estos momentos “el arte puede ser un útil consuelo que pueda lograr el equilibrio.”

Respecto a su trabajo, afirma que durante toda su carrera ha mantenido su fidelidad a la idea de que “el arte es para el pueblo”, ya que desde el principio notó que la pintura “podría ser un instrumento para señalar errores y pensar en soluciones mejores para la sociedad.”

RMM/EZ

“THAT´S ALL FOLKS!”, 2007

El artista Javier Pulido reflexiona acerca del consumo desmedido, la vida artificial y la cultura de la insatisfacción en la exposición You are what you eat, muestra que se inaugurará hoy viernes 7 de octubre en el museo Ex Teresa Arte Actual.

El espectador se convertirá en un actor al portar una máscara de cerdo durante parte del recorrido que se divide en tres salas. La muestra critica la sociedad de consumo contemporánea, buscando que el público se asuma como un cerdo “que come insatisfacción”, señala el artista.

El trasfondo es una reflexión de los estereotipos, clichés y la ambigüedad de la muerte en el mercado del arte, pues, indica el creador: “Ya no basta con lo que somos”, por ello, “utilizo al cerdo como un símbolo de la voracidad del consumismo”.

La muestra será inaugurada este viernes a las 20:00 horas y permanecerá en exposición hasta el próximo 9 de noviembre en el museo ubicado en Licenciado Verdad 8, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. El horario de atención es de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. Entrada libre.

TOG

Guernica´s portrait, 2009

Jazzamoart disfruta lo que hace, juega con las formas y con los colores, se divierte con cada pincelada, pero lo más importante: transmite al espectador ese deleite en cada una de sus obras.

El artista mexicano Francisco Javier Vázquez es mejor conocido como Jazzamoart, que más que un pseudónimo es una filosofía de vida en el que conjuga su amor por el jazz y por el arte. Considerado por Carlos Montemayor como el tercer gran artista de Guanajuato, junto con Diego Rivera y José Chávez Morado, ha mostrado su trabajo en más de 350 exposiciones en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Además, su obra ha sido adquirida por importantes colecciones tanto públicas como privadas y ha realizado escenografías para conciertos e ilustraciones para libros y discos.

Jazzamoart continúa en la línea expresionista de la pintura. El término expresionista suele utilizarse sin el mayor cuidado, en este caso está correctamente empleado, pues a través de su obra el artista guanajuatense confiesa pasiones al ritmo de improvisados ritmos de jazz que surgen de saxofones abstractos; es el sonido plasmado en color y líneas. Las comparaciones y las referencias parecen inevitables, pero enumerarlas sería una tarea impertinente y falta de sentido. Si retomó tal o cuál elemento de cierto artista carece de importancia, lo primordial es que la pintura sigue viva, está vigente y sigue siendo parte del quehacer artístico.

De ésta última reflexión surge la idea de la exposición que lleva por título “Retrato de La Pintura”. La premisa puede resultar sencilla a simple vista, sin embargo hacer un retrato de la pintura resulta paradójico. Bajo esta hipótesis, la preponderancia está en los materiales, la pintura se nos muestra como grandes empastes de color recordándonos que se trata de un elemento físico y tangible, antes de tratarse de la representación de una idea y de un sentimiento. Sin embargo, el retratar la pintura de esa manera nos introduce a los pensamientos y a las obsesiones del propio artista, fruto de reflexiones de años de dedicarse al arte. En cada trazo, pincelada o “accidente controlado” nos lleva de la mano como si de un concierto de jazz se tratara, la improvisación de alguien que conoce bien su oficio y es capaz de crear arte con el ingenio y la frescura del que se divierte jugando. Fondos de color neutro de los que emergen explosiones de colorido y formas que no dejan descanso para el ojo curioso e incitan a la imaginación a buscar figuraciones donde sólo existe la forma en sí. El ojo y el oído intercambian papeles de manera lúdica, ¿podemos escuchar un cuadro, podemos ver las notas que emanan del saxofón?

La exposición Jazzamoart: Retrato de La Pintura se presentará en el Museo José Luis Cuevas, ubicado en la calle de Academia 13 en el Centro Histórico de la Ciudad de México, del 6 de octubre al 16 de noviembre.

JB

Jazzamoart

El objeto del objeto es reflejo del reflejo. Imagínense un lugar donde un lápiz puede estar detrás de una vitrina como pieza de museo. Ya existe, desde octubre de 2010 en la Ciudad de México. El Museo del objeto del objeto (MODO) es el único espacio dedicado a coleccionar, conservar, exhibir y difundir diversas expresiones del diseño y de la comunicación.

Este recinto abre las puertas a la exposición “El MODO de Tassier”. Una mirada del ícono del diseño gráfico, Gonzalo Tassier, quien interpreta las libretas de trabajo, dibujos, cartas, bocetos, trazos, y una colección de lápices que asciende a más de 11 mil piezas.

Esta muestra forma parte de la serie El Modo de… en la que se invita a artistas, diseñadores y productores culturales a realizar un estudio e interpretación de la colección del Museo. La finalidad es invitar a distintos creadores a revisar la colección y a partir de ahí desarrollar una serie de piezas nuevas.

Con incipiente seriedad y amplia creatividad, Tassier se ha destacado en la escena de la publicidad y del diseño por más de 40 años como un personaje humorístico y humilde. El representante del diseño latinoamericano a nivel global, expone ahora una serie de dibujos, trazos e ilustraciones inspirados en 30 mil objetos de 1810 a la fecha.

También “se presenta, una suerte de gran serpiente formada de 365 sobres cosidos unos a otros, que corresponden a cada día del año. Cada sobre está membretado y dentro contiene una nota y un dibujo de Tassier para un destinatario”, señala el Museo en un comunicado.

La huella de Tassier

El sello de Gonzalo Tassier no se limita al logo de Pemex, la imagen de la marca Del Fuerte o el águila vestida de selección mexicana de futbol. El diseñador ha dejado huella en la educación pues ha fundando la Agencia Retorno Tassier e impartido cátedra en la Universidad Iberoamericana.

Tassier ha sido galardonado con la Medalla Sir Misha Black del Royal Collage of Art, otorgada por el gobierno Británico, para reconocer su trayectoria en la enseñanza del diseño. En los 30 años que se ha entregado este premio es la primera vez que se otorga a un diseñador latinoamericano.

La muestra permanecerá abierta hasta febrero del 2012, compartiendo espacio con la actual exposición temporal Colección de Colecciones. El MODO se ubica en Colima 145, Colonia Roma, y cuenta con el horario de visita de 10:00 a 18:00 horas de miércoles a domingo.

Detalle de "En la cama", 2005

El Antiguo Colegio de San Ildefonso acoge desde este miércoles 21 de septiembre la primera exposición del reconocido escultor australiano Ron Mueck en territorio mexicano. La muestra, titulada Ron Mueck / Hiperrealismo de alto impacto, permanecerá en la sala de exposiciones temporales del museo hasta el próximo 5 de febrero de 2012.

Dicha exposición, conformada por nueve piezas del escultor apostado en Londres, recibe al asistente con Máscara II (2001-2002), una pieza-retrato consistente en el corte de un rostro de poco más de un metro de envergadura. Un rostro de inusitado realismo que escapa de la verisimilitud humana sólo por sus dimensiones alteradas.

Y es que el grado de detalle que consigue Mueck en sus obras logra imitar a la perfección los rasgos del cuerpo humano. Por ello mismo puede ser considerada un tanto “perturbadora”, más aún cuando el reconocido escultor trabaja con vaciados de silicona y cabello natural.

La propuesta de Mueck es tan osada que, a finales de la década de los noventa, durante una muestra organizada para el Museo de Brooklyn en Nueva York, el entonces alcalde de la ciudad, Rudolph Giuliani, se escandalizó por el contenido “visceral” de la exposición y censuró la propuesta al limitar los recursos del estado para dicha institución cultural. Sin embargo, Mueck ha conseguido labrar una carrera en el circuito de arte moderno colgado sus piezas en sitios como el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, La Galería Nacional de Canadá, el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney y la National Gallery de Londres, logrando además vender sus piezas a la Fundación Cartier para Arte Contemporáneo así como a una infinidad de colecciones particulares.

La muestra en San Ildefonso contiene obras representativas del escultor. Piezas como un minúsculo bebé empotrado al muro, Bebé (2000); un hombre solitario cruzado de brazos sobre un gran bote, Hombre en bote (2002); una mujer colosal recostada sobre la cama viendo al horizonte, En la cama (2005) o una enorme gallina, del tamaño de un cuerpo humano, colgada patas arriba, Naturaleza Muerta (2009), conforman una muestra atípica en el entorno artístico de la Ciudad de México.

La curaduría de la misma estuvo a cargo del propio Mueck quien fue asistido por su Charlie Clark, uno de sus colaboradores más cercanos. Mueck visitó la capital mexicana durante cuatro días para montar la muestra ya que quería estudiar el espacio y organizar personalmente las piezas de acuerdo a ello.

Así, la exhibición de apenas ocho salas goza de un flujo natural en la que cada pieza ocupa un espacio magnifico de exhibición sin estorbarse, manteniendo una comunicación sincera con la pieza anterior y la posterior, creando así un todo armónico. En dicho tenor, el texto introductorio asegura que “inmersa en su introspección o en su silencio elocuente, la mirada de estas figuras pensativas evita cualquier intercambio y así mantiene junto a sus actitudes, una distancia que les anula toda distracción”.

La muestra estará abierta al público en el horario habitual de recinto, ubicado en la calle Justo Sierra #16 del Centro Histórico de la Ciudad de México.

AN22/IM

"Pareja acurrucada", 2005-2007