Una señora busca y rebusca entre plásticos, zapatos, bolsas y alimentos adornados por moscas y larvas mientras varios perros se pelean por un hueso; una carreta llena de unos 100 kilos de desechos de Ciudad Neza es dirigida por una madre y su hijo cuando golpean con un látigo a la mula malcomida que dejó en su pasado bucólico por calles pavimentadas llenas de mierda y basura.

Decenas de aves de rapiña observan desde los cielos los camiones y tráilers que siguen llegando sin parar mientras los pepenadores, esos recicladores humanos a quien se degrada y discrimina siguen tratando de sobrevivir y redimir la ignorancia, ineptitud y ceguera con la que se trata a los residuos sólidos en este país, tanto por las autoridades como por los mexicanos en general.

Texto y fotos: Eduardo Suárez

RMM/ES

Miguel Ángel Cárcamo, jornalero hondureño; Wilmer Antonio Velásquez, jovencito salvadoreño; Telmo Leonidas Yupa Chimborazo, joven, adolecente, ecuatoriano.

Los anteriores son sólo algunos nombres de los 72 migrantes hallados hace un año en una fosa clandestina en Tamaulipas, algunos de los nombres identificados, de humanos asesinados a sangre fría, torturados y arrojados a una cuneta al costado de la carretera. 72 en un mismo sitio, número simbólico de una cifra aún desconocida y que desnuda la odisea que viven decenas de miles que atraviesan nuestro país en búsqueda del sueño americano, un viaje que se ejecuta entre autobuses y locomotoras, en el más absoluto desamparo.

Juan Villoro, Elena Poniatowska, Jorge Volpi, Alejandro Almazán, Lolita Bosch, Sergio Aguayo, Braulio Peralta, Tony Arnau, Francisco Mata. Estos nombres sí que son conocidos. Escritores, narradores, periodistas, ensayistas, académicos, fotógrafos, personajes mediáticos. Personajes que colaboraron con su talento para dar voz a aquellas vidas que se apagaron presas de la incompetencia gubernamental y el crimen organizado.

72 cráneos de azúcar, 72 paliacates, 72 flores gigantes, 72 textos, 72 fotografías, 72 migrantes abatidos. Cientos de deudos. Todo ello puede observarse en un altar erigido en el Museo de la Ciudad de México, donde, el pasado miércoles 2 de noviembre, en plena celebración del Día de Muertos, Elizabeth Palacios, Guillermo Osorno y Alma Guillermoprieto encabezaron la presentación del volumen impreso del proyecto homónimo: 72 migrantes, libro publicado por el prestigioso sello editorial Almadía.

En el proyecto, tomo publicado y página web, participaron decenas de profesionales. La iniciativa, surgida casi de inmediato a los hechos acaecidos en agosto de 2010, pretendió erigirse desde el primer momento en una especie de altar mortuorio en memoria de los caídos. Un altar multidisciplinario en donde texto, imagen, voz, música ofrecieran un crisol de interpretaciones.

“En este país no se cuentan ya historias, se cuentan muertos; y si se llegan a contar historias, son de muertos”, por eso –declaró Elizabeth Palacios, periodista de carrera, especialista en derechos humanos– las historias del libro “están contadas para recordar a los muertos, para que no se conviertan en una cifra, (…) porque no nos queremos acostumbrar a la violencia.”

Por su parte, Alma Guillermoprieto, cabeza visible del proyecto, agradeció la participación de todos los colaboradores de un proyecto planificado para exponer el gran malestar y vergüenza que, como mexicanos, nos causó el conocimiento de dicha tragedia: “Hay un reconocimiento de que todos, absolutamente todos, somos migrantes. Todos cambiamos de ciudad, todos queremos una vida mejor, todos sabemos que nuestra vida es incierta en México.”

Lo que le puedo decir, señorita, es que a mi hijito me lo mataron allá en su país, poco antes de llegar al otro lado. Como sabe, andaba junto con otros pobres que también lo dejaron TODO para ir en busca de una mejor vida. Sí, fíjese qué cosa más terrible: nos lo mataron, según dicen que fueron unos narcotraficantes que se hacen llamar Los Zetas, gente mala, Dios mío, gente sin sentimientos. Si viera, señorita. Lloré, le rogué a mi hijo que no se fuera y mire nada más cómo terminaron las cosas: me lo quitaron. Declaró la madre de Juan Adolfo Chirinos Padilla a Karla Lottini, ejemplo del sufrimiento que deja una vida segada. Ejemplo de los textos incluidos en el proyecto.

RMM/IM

El Maestro en Tlatelolco, durante el último día de filmación de "Héctor García: Fotógrafo, La foto es la Foto" (2007)

Héctor García

El pasado 23 de agosto, Héctor García, reconocido fotógrafo mexicano, identificado como uno de los más eminentes retratistas de los últimos tiempos, celebró su cumpleaños número 88.

Nació en el barrio de La Candelaria, en la Ciudad de México, hacia el año de 1923. Como muchos otros de su época, migró hacia Estados Unidos donde se graduó en la Academia de Artes Gráficas de Nueva York. Ya de regreso en México, se topó de frente con una nación en crisis y tuvo que emplearse cargando bultos de papel en un periódico de cine y de “jala cables” en los estudios Churubusco.

Edmundo Valadés, narrador, periodista y editor, figura clave en la esfera intelectual mexicana del siglo XX, vio en el joven ayudante un talento único y decidió mandarlo a estudiar a la Academia de Arte Cinematográfico. Así fue como inició su carrera, de la mano de grandes figuras como Manuel Álvarez Bravo y Gabriel Figueroa.

Su estilo es callejero, crudo, con compromiso social y aparentemente espontáneo. A través de su talento, el fotógrafo ha documentado la lucha social, la pobreza, el sufrimiento y el transcurrir de la historia reciente: Héctor García ha sido el autor de algunas de las imágenes más fuertes y significativas de la ciudad de México. Ejemplos son sus trabajos sobre el movimiento vallejista de 1958 y el movimiento estudiantil del 68.

Y cuando los periódicos se negaron a publicar sus fotografías, García no desistió. Con ayuda de Horacio Quiñones y de las revistas ¿Por qué?, la Revista de la Universidad de México, La Cultura en México, y posteriormente en la Días de Guardar de Carlos Monsiváis, encontró la forma de dar su verdad.

Diego Rivera mencionó en una entrevista el 24 de agosto de 1955: “Héctor es un excelente artista que expresa con emoción, belleza, plenitud de forma y profunda sensibilidad y comprensión humanas, la vida que lo rodea, desde el accidente de calle hasta la plástica sublimada de la danza, pasando por todos los matices de las acciones del ser humano sobre la tierra, sus reacciones ante los hechos, mediante sus propias emociones”.

García tiene una vida plagada de anécdotas producto de su andar dentro y fuera del país que lo vio nacer. Su tarea ha sido la de estudiar, conocer gente y capturarlas con su lente. En una entrevista realizada por La Jornada, le preguntaron por qué tomaba fotos y no ayudaba a la gente. A lo que respondió: “pensé que retratarlos era mi forma de ayudar”.

Muchos han hablado de su trabajo y otros tantos de su persona, de sus virtudes, de su talento y de su calidad humana, pero dentro de las fuentes más conocidas que documentan la vida del “fotógrafo de la ciudad“, se encuentran dos: El documental Héctor García: Fotógrafo, La foto es la Foto, elaborado en 2007 por Carlos Rodrigo Montes de Oca Rojo que contiene las participaciones de Carlos Monsiváis, Marco A. Cruz, Héctor García Sánchez, Yuri García Sánchez, Amparo García Sánchez, M. Álvarez Bravo, Carmen Parra, entre otros; y el libro Pata de Perro: Biografía de Héctor García escrito por Norma Inés Rivera. Dicho trabajo es un gran viaje a través de la vida del fotógrafo citadino, un texto prologado además por Carlos Monsiváis, quien ha sido llamado el “crónista de la Ciudad”.

Entre los galardones recibidos, Héctor García cuanta con el Premio Nacional de Artes y Ciencias en el 2002, el Premio Nacional de Periodismo en tres ocaciones (1958, 1969 y 1979), y el premio al mejor film etnográfico del Festival dei Popoli en Florencia, Italia (1972). Entre sus exposiciones destacan: Imágenes de México y México fraternal. Su libro Escribir con luz fue publicado en la colección Río de Luz del Fondo de Cultura Económica.

Las fotos de Héctor son el resultado de muchos años de calle, de jornadas con cámara al hombro, de muchas horas en el cuarto oscuro con la ayuda de María, su esposa y compañera. Se trata de una vida entera con el ojo, el corazón y la mente atentos a los mexicanos más olvidados.

Definitivamente no nos queda más que felicitar a Héctor García, porque ha sido un hombre comprometido con el testimonio gráfico de nuestro país y debe ser un referente para los fotógrafos y periodistas de la actualidad. La mejor prueba de ello es su inagotable tránsito por los caminos del fotoperiodismo del México, lo cual se revela en su millón y medio de negativos en muestra permanente en la Galería-Fundación María y Héctor García.

OZ/IM

"Desde los techos de Teherán", de Pietro Masturzo

(Mex) Concluyó la exposición internacional más exitosa en materia de fotoperiodismo, World Press Photo, que se presentó de nueva cuenta en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México. Como en años pasados, se lleva comentarios de aceptación y de crítica por parte del público asistente.

En esta edición, participaron más de 100 mil fotografías provenientes de 5,847 fotoógrafos de 128 países distintos. De este conjunto, tan sólo 162 resultaron ganadoras del consurso y fueron exhibidas en diferentes puntos del mundo. La imágen ganadora del primer lugar fue “From the rooftops of Tehrarl” (Desde los techos de Teherán), del italiano Pietro Masturzo. En ella se muestra a una mujer del barrio protestando desde su azotea por las elecciones efectuadas en aquella nación, suceso que terminó en conflicto al grado de que periodistas y fotográfos se vieron obligados a encerrarse en sus hoteles.

El evento es una manera de mantenerse en contacto con la realidad política, económica y social en el mundo. Con fotografías que van desde los desolados parajes en Gaza hasta un festivo Yankee Stadium en Nueva York, la WPP10 logra capturar exitosamente el carácter multifacético del espíritu humano.

La exposición se dividió en dos grandes secciones; la primera de ellas dedicada a los conflictos políticos y sociales que azotan a distintos rincones del globo; mientras que la segunda abordó diversas esferas del quehacer humano y sus visiones. Sin embargo, el tono y objetivo permaneció constante en ambas secciones, incluso a pesar del salto temático.

Ya sea entre la alta sociedad británica presenciando una carrera de caballos, o royendo los huesos de un elefante víctima de la sequía en el África subsahariana, los espectadores declararon sentirse conmovidos e identificados; verse siempre reflejados en el sujeto de la fotografía; compartieron la alegría del aficionado deportivo al ver ganar a su equipo, pero también la frustración de una madre que ve regresar a su hijo mutilado de Afganistán. Se vio a sí mismo en una metrópolis desarrollada, pero también caminando por las calles empedradas, en los suburbios de la capital keniana.

Más allá de esto, el fotoperiodismo no sólo es valioso como denuncia sino que también pone sobre la mesa un debate mucho más implícito, aunque no por ello de menor importancia. Este se refiere al papel que desempeña la imagen dentro de la sociedad en tanto rectora de la percepción individual sobre distintos acontecimientos.

Dijo alguna vez Claude Lanzmann que no podían existir imágenes sobre el “holocausto”; es más, si existieran, habría que destruirlas. El iconófobo director de cine afirmaba que este suceso era inimaginable y, por lo tanto, irrepresentable, hasta el grado de considerar cualquier intento de representación como mero fetichismo revisionista.

Ahora, en cuanto a las fotografías presentadas en esta exposición, la denuncia de Lanzmann se hace vigente. ¿Es la fotografía una trivialización del sufrimiento ajeno? ¿Inhibe la capacidad de exaltación humana frente a la violencia? O lo que es peor, ¿funge como instrumento socializador de la misma?

Este domingo 3 de octubre, la muestra concluyó registrando un lleno total, como en la mayoría del tiempo que se presentó en el recinto. Las imágenes ganadoras pueden verse a través de la página www.worldpressphoto.org

 AM/RL

"Cuerpo de un presunto narcotraficante", del mexicano Guillermo Arias, recibió mención honorable en la categoría individual de temas contemporáneos

(Mex) El inicio de los festejos del Centenario de la Independencia, en 1810, estuvo marcado por un acontecimiento altamente simbólico: la apertura en Mixcoac de un centro de tratamiento para las personas que, sin ser delincuentes, “merecían” ser separados y aislados de la sociedad. Tal como lo establecían las corrientes en boga del mundo civilizado europeo, era una forma de manifestar claramente ante el mundo que México dejaba de ser una nación atrasada ycomenzaba a figurar como una nación reconocida.

Así, el denominado Manicomio General, recibió la visita no sólo de enfermos mentales -según se entiende ahora a la luz de la ciencia médica - sino también de estafadores, merolicos, drogadictos, homosexuales, sifilíticos y toda clase de personajes que se considerara debían ser segregados y desacreditados por la sociedad.

Denominado comúnmente como La Castañeda -dado que el predio en que se construyó se encontraba la Hacienda del mismo nombre - el lugar pronto se convirtió en un sitio mítico para el imaginario popular. Constantemente, se le veía con negatividad a causa de las tenebrosas historias que se contaban sobre los sucesos encerrados por sus muros. La realidad poco ayudaba a desmentir las habladurías del público y así es como aún ahora, hablar de La Castañeda es hablar de un espacio que se encuentra a un costado del Tártaro.

Si bien es notorio recordar en descargo que los más eminentes médicos psiquiatras hasta la década de 1960 se formaron en este centro, y que fue allí donde se pudieron dar los más significativos avances para la atención psiquiátrica del país, la exposición que prepara el Museo Archivo de la Fotografía pretende dejar de lado tales eventos,  a favor de mostrar las imágenes de los “habitantes cotidianos”, como si los médicos e internos no fueran también parte de la vida cotidiana de un centro de salubridad.

Aunque las instalaciones del Manicomio General estuvieron diseñadas en su tiempo para recibir hasta 1,200 pacientes, este número con los años se vio fuertemente superado, llegando a albergar hasta 3,500 individuos. Esto, aunado a la incuria y el descuido de las autoridades en el mantenimiento de las instalaciones, obligó a implementar acciones de sanidad que atentaban contra la dignidad humana de los internos: fumigaciones masivas y baños con manguera fueron cosa común.

La exposición lo refleja claro: no sólo han dedicado un espacio exclusivo para mostrar fotografías del descuido de baños, tinas y albercas de tratamiento, sino también la presentación de una tina de porcelana de la época - cual minimalista objeto- que adquiere su mórbido significado de las imágenes a su alrededor, para satisfacer lo que las fotografías aparentemente más inocentes pudieran dejar de lado sobre la hórrida vida dentro de La Castañeda.

El resto de las fotografías corresponden, por un lado, a la inauguración de las instalaciones;  por otro, a documentos de la vida diaria durante las primeras décadas del siglo XX (dado que las fotografías pertenecen al Archivo Casasola, no abarcan más allá de la década de 1930). En el primer conjunto se muestran los documentos fotográficos que dan fe de los pomposos acontecimientos con que el presidente Porfirio Díaz dio inicio a los festejos del Centenario de Independencia.

En contraste, en el último grupo hay una variedad de documentos (entre ellos los ya citados de las instalaciones), pero destacan los que muestran la rapidez con que el sitio se vio rebasado en su capacidad planeada. En efecto, en pocas imágenes no se encuentran testimonios de hacinamiento: pabellones con personas recostadas en suelos, camas  y apoyadas contra muros, imágenes de enfermos separados por una reja, servicios de limpieza saturados.

Por si fuera necesario, también se exhiben reproducciones, curiosas todas, de documentos pertenecientes a una paciente  interna durante la mejor época de La Catañeda, en los que documenta su propia visión de los excesos cometidos cuando se administraban los tratamientos -rudimentarios- con que la institución forjó su funesta fama.

El Manicomio General de México cerró sus puertas en 1968. El mismo año en que México procuraba ser reconocido por la comunidad de naciones como un país moderno y funcional, según los criterios de moda en el mundo “civilizado”, es decir Europa y Norteamérica, mediante la organización de las Olimpiadas. Fue sustituido en sus labores por diversas instituciones que atenderían adecuadamente a quienes se alojaron en sus muros, formadas en buena parte por el interés profesional de médicos especialistas.

Su historia queda inevitablemente asociada a los excesos y la incuria de las autoridades y la sociedad. Es justo recordarla ahora, en el momento en que México desea demostrar ante la sociedad internacional que puede mantener un orden económico y social mediante la” eliminación” de amenazas a la seguridad.

AM/RL

(Mex.) Con la idea de que el impacto de una imagen puede ser brutal en una sociedad que depende de ella para comprenderse, al grado de cambiar el rumbo de la historia, el artista visual Gerardo Montiel Klint (1968 DF.), creó en los últimos años la serie Primeros apuntes para una Teoría del Infierno.

Interesado más en la “fotografía narrativa-psicológica”, en donde se comienza o se desencadena una acción y existe una comunicación con el inconsciente, Montiel intenta generar “una introspección en el espectador a través de símbolos fáciles de dirigir: una piel enferma, te remite a la enfermedad, a la miseria, al deterioro, a la decadencia, a la carne muerta, la descomposición social…”.

Cabe señalar que el título de su serie de fotografía nace de la compilación que Salvador Elizondo realizó de los libros que más le gustaban, por ello es “un reconocimiento a los artistas que me marcaron y abrieron otros caminos de ver y pensar el mundo: Dante Alighieri, Elizondo, Poe, Bosco, Caravaggio, Rembrandt, y la postura ideológica del Muralismo Mexicano, en especial, mi héroe, José Alfaro Siqueiros”, comentó en entrevista el ganador de los Premios de Adquisición en las XI y XIII de Bienales Fotografía del Centro de la Imagen en 2004 y 2008.

Así “lo sintomático de las enfermedades se vuelven metáfora de una sociedad desencantada y en franco estado de descomposición”, describió Montiel para la exposición celebrada en abril de 2010, en la Galería del Club Fotográfico de México.

Por otro lado, para Montiel Klint, en la fotografía hay dos escuelas de creación: la del instante decisivo, en donde el fotógrafo no puede manipular nada, sólo captar lo que pasa frente a él; y la de armar acciones para la cámara, de hacer escenificaciones o puestas en escena; que es con la que más “concuerda”.

“Desde mi trinchera veo situaciones que están pasando, pero no soy fotorreportero para captarlas. Así que con mis puestas en escena reflejo lo que no me agrada y me perturba: decapitados, ejecuciones, secuestros, hambre, asesinatos, desempleo, epidemias que nos orillan a encerrarnos en casa, ¿qué pasaría si esto fuera de verdad incontrolable? Mi obra es una metáfora”, explicó.

De esta manera el artista formado en la Universidad Iberoamericana y el Centro de la imagen, destacó la importancia que han tenido las Bienales en su carrera, la cual comenzó con la “fascinación y el impacto de que se pudiera hacer fotografía personal, ya que venía de una escuela donde sólo se hacía retrato, paisaje, desde un punto de vista comercial, y me dí cuenta que la fotografía era algo más que un discurso personal”.

Para finalizar, el artista, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), dijo que a pesar de que la fotografía estuvo relegada durante la primera mitad del siglo XX en México, “en estos momentos, sin temor a equivocarme, es una de las disciplinas que mayores logros en el extranjero tiene México. Así que la fotografía en nuestro país vive uno de sus mejores momentos, pero nos hacen falta agallas –en todas las disciplinas-, ser más comprometidos, propositivos, somos muy light”, concluyó Montiel Klint, cdurante la presentación de sus Apuntes en la Alianza Francesa de Polanco, mientras el Dj Zöl de Francia ambientaba su exposición.

Otras exposiciones

Participó en la muestra de “La Mirada de 45 fotógrafos mexicanos” de la Fundación Pedro Meyer con “Refugios de adoración” (México 2009); “De cuerpo ausente en paraje desconocido” en La Mar de Músicas (España 2007), ” De cuerpo presente” en Huesca Imagen (España, 2004), “De la pintura” en Fototeca Nacional (México, 2003), entre otras.

AM/RL

Una escena de la obra “El amigo secreto” dirigida por Fernando Martinez Monroy, en el foro “Contigo América” en el verano del 2009.