“I’m the Clown” / ©Diseño: Stephanie Andrade Sauer - SAUERKRAUT

 No lo he descubierto, sólo he estimulado

a los que lo tienen, lo que es diferente”.

Fernando Benítez

Hacia el ocaso del año, en la sala principal del Palacio de Bellas Artes, el poeta José Emilio Pacheco, el narrador Carlos Fuentes y el diseñador Vicente Rojo se reunieron para conmemorar al uno de los más notables impulsores de la cultura en México, a cien años de su nacimiento.

Fernando Benítez es considerado el creador del periodismo cultural en nuestro país; fue un personaje de múltiples roles, fungiendo como novelista histórico, ensayista, antropólogo, historiador, profesor y sobre todo periodista. Su motor fue la cultura en todas sus formas y formatos.

La fecha exacta de su nacimiento es incierta, unos afirman sucedió el 10 de enero de 1912 en la Ciudad de México, otros, apuntan, ocurrió en los días sucesivos, el 16 del mismo mes. Se inició, sin embargo, en el periodismo hacia 1934 como colaborador de Revista de Revistas y fue profesor de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM por muchos años, desde donde impulsó a varias generaciones de periodistas y escritores.

Dirigió los diarios El nacional, Daily News y Diario de la tarde. Poseía un sentido crítico independiente y comprometido con la verdad, fue un gran divulgador de la cultura mexicana en períodos brillantes del pensar nacional a través de los suplementos que encabezó, entre los que destacan: Revista Mexicana de Cultura, México en la cultura, La Cultura en México, Sábado, La Jornada Semanal y Libros de La Jornada.

Su papel fue tan importante para el acontecer cultural de nuestro país que se ve reflejado en dichas publicaciones, centros de creación y de debate en donde colaboraron reconocidos intelectuales y en donde se formaron los escritores que hoy admiramos.

Además de periodista, reportero y ensayista polémico, Benítez fue un gran escritor. Entre sus textos destacan: Los indios de México, El agua envenenada y El Rey Viejo, en los cuales manifestó la necesidad de incorporar a las culturas indígenas centenarias al México moderno, siempre respetando sus costumbres y creencias. Como él mismo apuntó después de su labor: “Comprendí que no había un México sino muchos Méxicos”.

El homenaje en Bellas Artes fue una sesión repleta de anécdotas que buscaban reflejar el carácter de Benítez, el creador de suplementos fundamentales en los cuales se formaron algunos de los escritores y artistas que hoy día resultan referentes. No es azaroso que los panelistas principales fueran ejemplos de ello: Carlos Fuentes, José Emilio Pacheco, Vicente Rojo.

Fueron ellos quienes recordaron el año de 1961, cuando a Fernando Benítez le pidieron la renuncia en el suplemento México en la cultura, que editó durante 13 años en el diario Novedades. El trascendido mayor de entonces fue que dicho acto desencadenó numerosas renuncias en un gesto insólito de solidaridad que no se había visto hasta entonces en la historia del periodismo mexicano, un gesto que no se vería sino muchos años después, cuando el mítico “golpe a Excélsior” en julio de 1976.

Carlos Fuentes aseguró que el mejor homenaje que se le puede rendir a quien es considerado “el creador del periodismo cultural moderno en México”, es volver a leer su obra, porque eso sería como acercarse al siglo XX en México.

Desde la perspectiva de José Emilio Pacheco, no se puede concebir al México contemporáneo sin los suplementos de Benítez, de ahí su convencimiento de que la memoria de nuestro país tiene una deuda con él. “Siempre me ha conmovido pensar que Fernando Benítez fue el continuador de Ignacio Manuel Altamirano, quien sobre la patria en ruinas luchó por levantar el edificio de las letras y de las artes, como una respuesta y una barrera contra ola de sangre y de barbarie.”

RMM/DED

“Gutes Neues Jahr”, postal conmemorativa Ano Nuevo 2012 / ©Diseño: Stephanie Andrade Sauer

Melesio comenzó a laborar en Cinépolis desde febrero del 2008. Entre sus actividades se encontraban la limpieza de las salas, el acomodo de las charolas botaneras, mantener los mostradores sin basura y supervisar –escoba en mano– que las alfombras no tuvieran palomitas. Sus horarios oscilaban entre las 5 y las 8 horas, con un salario de $15.50 pesos cada una.

Once meses después, abandonó la escuela por falta de tiempo. Para compensarlo, le ofrecieron doblar turnos. “Le dije a mi supervisora que ya tenía más horas para echarle la mano, que incluso podía fletarme turnos dobles. Desde luego que aceptó, encantada. Y así trabajaba desde las diez de la mañana hasta la 1 de la madrugada. A los tres meses, me subió de puesto.”

Lo que permitió que Melesio consiguiera un puesto superior no fue sólo su actitud servicial, ni su sonrisa larga y pronunciada como de anuncio publicitario. Tampoco fue la limpieza minuciosa a la que Cinépolis lo sometía, ni el uniforme entallado y sin bolsas para evitar los robos. Fue su capacidad retórica para convencer a la gente de que el servicio ofrecido era más que adecuado, porque siempre sus quejas serían escuchadas, aunque pocas veces resueltas.

Ignorancia desde la proyección

Del otro lado de la taquilla, o sentados en las butacas, los clientes aparentan tranquilidad y diversión. Pocos son capaces de advertir problemas técnicos, pero esenciales. Este es el caso de Leonardo García Tsao, crítico de cine y ex director de la Cineteca Nacional. Recuerda una disputa con trabajadores del complejo Cinemex Altavista por varios errores en la proyección de la cinta Rango. La causa: el uso inapropiado de formatos y máscaras.

“El formato depende de la película. Cada película viene en un formato específico, puede ser 1:33 o 1:85. Es decir, cada tipo de película merece una mascarilla diferente. Uno ajusta el cuadro según la proporción que necesita. Y esto en México muchas veces no se toma en cuenta. Por eso las películas pasan cortadas, distorsionadas, desenfocadas, etcétera. Es uno de los tanto problemas que existen en los cines nacionales”, comentó en entrevista para MilMesetas.

Óscar “El Duende” trabajó dos años como proyeccionista en Cinépolis. Estudia psicología en la Universidad Pedagógica Nacional y su más grande afición son los videojuegos y la música electrónica. No es fanático del cine, aunque confiesa que algunas veces se divertía con las películas románticas. “Entré a trabajar a Cinépolis porque me corrieron de mi antiguo trabajo, en Six Flags. Tenía muchas deudas y lo primero que me cayó de chamba fue en el cine. Empecé en la dulcería, me rolaron después a las taquillas y de ahí a la proyección. Todo en menos de año y medio.”

Para Óscar la capacitación fue sencilla, “duró menos de un mes. Son cursos básicos que le dan a uno para utilizar tanto las cintas de 35 milímetros como los cañones para versiones digitalizadas. Te indican qué cinta va a exhibirse en tal sala y los tiempos que debes ir manejando. Cada película te indica la proporción que necesita y la tienes que respetar. No es complicado si a uno le gustan esas cuestiones técnicas. Lo malo es que somos pocos los que nos apasionábamos con el trabajo. Por lo general, todos buscan ganar sin trabajar.”

No obstante su pasión por su empleo, lo cierto es que Óscar no cuenta con estudios cinematográficos. Antes de entrar a Cinépolis ni siquiera era cliente constante de los cines. Iba cinco veces al año, dice, y casi siempre para “ahorrarse el hotel”. Como “El duende”, muchos otros empleados no tienen la noción del lenguaje fílmico, ni tampoco conocen las necesidades de una proyección adecuada. “O te aplicas a lo que dicen los manuales, o de plano lo haces al tanteo. Así es la cosa, para qué te voy a mentir.”

García Tsao coincide en que la industria de complejos cinematográficos carece de profesionales a cargo. “Si uno se asoma a ver a los proyeccionistas de estas cadenas, se da uno cuenta que son jovencitos. Obviamente no están bien entrenados, obviamente están mal pagados y ni siquiera saben lo que están manejando, les vale gorro. Ser proyeccionista implica mucho esfuerzo, no es una chamba fácil.”

Como se pudo demostrar en una visita al tercer piso de Cinépolis Perisur, desde donde se proyectan veinte películas simultáneamente, por un mal entrenamiento se descuidan cuestiones elementales como la calibración del color y la iluminación. Incluso, por querer ahorrar energía y para evitar el rápido desgaste del equipo, las empresas prohíben encender todos los focos del proyector y, entonces, la imagen llega demasiado tenue a la pantalla.

De forma similar el audio se distorsiona. Bocinas en mal estado, descompuestas o con ruidos extraños. La mayoría de las veces, los empleados no respetan el volumen que indica cada película ni tampoco se preocupan demasiado por arreglarlo. Alto o bajo, cualquier anomalía en el sonido altera los efectos del filme.

José Antonio Valdés, investigador fílmico y Jefe de información de la Cineteca Nacional, explica en entrevista que cada cinta requiere una mascarilla especial. Por ejemplo, en las cintas del cine clásico se proyecta una imagen casi cuadrada. Los cines comerciales modernos no las exhiben porque requieren proyectores especiales, además de que el nivel de asistencia sería considerablemente más bajo que en la exhibición de El señor de los Anillos, Harry Potter o Batman.

Los filtros débiles de la Segob

A los problemas técnicos –casi imperceptibles para la mayoría del público– se impone otro asunto delicado en el servicio: no existe una correcta supervisión de los filmes que llegan a las salas comerciales, ni tampoco una correcta regulación en la calidad de las historias.

La mayoría de las cintas provienen de Estados Unidos. Menos del 15% son de origen mexicano y un porcentaje menor al 5% son producciones independientes o de otras nacionalidades. Desde la década de los noventas, las legislaciones en materia de cine se descuidaron al grado de que las películas mexicanas y de “arte” cuentan con menos espacios y tiempos.

Ángeles estudia artes visuales. Se considera cinéfila y asiste a los cines por lo menos una vez a la semana, sobre todo a la Cineteca Nacional. Lamenta que en las salas comerciales “sólo se interesen por atraer a un público que no acude con la mentalidad de apreciación; van para matar el tiempo, para divertirse, para equis cosa, sin importar que sus opciones sean Otra tonta película Americana o Ligeramente embarazada.

Las salas de Cinépolis, Cinemex o Cinemark son las que mantienen dominado más del 80% del mercado, según demuestran datos de la Secretaría de Gobernación (Segob). Son esas empresas las que deciden los filmes a exhibir, a conveniencia de las posibles ganancias. La Segob aprueba las historias, aún cuando éstas aborden temáticas carentes de contenido cultural, educativo o sin aporte alguno.

“Son cuestiones meramente comerciales. Cuando entró la política neoliberal, bajó la calidad de las exhibiciones en el país y en el mundo. La programación está fatal y muy mal tecnológicamente, sobre todo Cinemex desde que la compró MM Cinemas”, apunta José Antonio Valdés.

Añade, también, que el cine mexicano se convirtió para estas empresas en un mercado no rentable y adjudica la mala calidad de los filmes a que los productores sólo realizan cintas para los públicos de la clase media-alta. “Historias en las que los chavos van al antro, dicen wey cada cinco segundos, todas sus broncas son románticas o psicológicas. Y claro, no consumirían películas donde el protagonista es un jodido.”

Que la clase media-alta sea quien asiste habitualmente a los cines se debe a los altos costos del boleto. El promedio de una entrada oscila entre 62 y 65 pesos. Pocos espacios como Lumier venden su boleto en 35 pesos, o la Cineteca Nacional a 40, con posibilidad de descuento.

“Que ya le paren”

Tomando en cuenta la situación económica general, José Antonio Valdés concluye que el cine en México es caro. No porque los costos sean exagerados, sino porque la mayoría de los ciudadanos no cuentan con el poder adquisitivo suficiente para consumos culturales. Un día de salario mínimo ni siquiera alcanza para cubrir la totalidad de un boleto; mucho menos para una salida familiar.

Tampoco es cierto que los costos garanticen un buen servicio. Ni para el público ni para los trabajadores. Melesio recordará siempre cómo la presión de sus jefes “lo obligó” a abandonar la escuela, y todo para dedicar los días enteros a incrementar las ventas.

Recordará Óscar cómo, “sin más ni menos, me corrieron del cine. Dijeron que ya había generado bastante antigüedad y que ya era tiempo de que buscara un mejor trabajo, uno donde me pudiera quedar por más años. Y así es esto, te estancas, ya no asciendes en la empresa y al final te acaban botando.”

En un escenario futuro, nada lejano, distintos especialistas en materia de cine aseguran el incremento de la piratería, inminente por la falta de políticas reguladoras. “Los mexicanos prefieren ver una película desenfocada por veinte pesos y en compañía de sus amigos, que verla borrosa o sin subtítulos por hasta cien pesos el boleto”, opina Leonardo García Tsao.

El ex director de la Cineteca Nacional percibe una falta de control en las proyecciones, capacitación del personal, limpieza de las salas y los precios del boleto y las dulcerías. “Esos no son cines. Son dulcerías con cine. Necesitan mejorar su calidad de servicio para volver a atraer al público, de lo contrario, seguiremos a la baja.”

José Antonio Valdés lamenta también la dirección que está tomando la industria en México. “Las consecuencias son graves. Le están quitando la sensación de ir al cine a los que menos dinero tienen. Por su propio bien, esperemos que ya le paren. Pero finalmente hay que entender que son empresarios, y el empresario vive de su éxito, su competitividad y de la lana. Ni modo.”

RMM/AM

Una señora busca y rebusca entre plásticos, zapatos, bolsas y alimentos adornados por moscas y larvas mientras varios perros se pelean por un hueso; una carreta llena de unos 100 kilos de desechos de Ciudad Neza es dirigida por una madre y su hijo cuando golpean con un látigo a la mula malcomida que dejó en su pasado bucólico por calles pavimentadas llenas de mierda y basura.

Decenas de aves de rapiña observan desde los cielos los camiones y tráilers que siguen llegando sin parar mientras los pepenadores, esos recicladores humanos a quien se degrada y discrimina siguen tratando de sobrevivir y redimir la ignorancia, ineptitud y ceguera con la que se trata a los residuos sólidos en este país, tanto por las autoridades como por los mexicanos en general.

Texto y fotos: Eduardo Suárez

RMM/ES

Francisco Tario (Ciudad de México, 1911 – Madrid, 1977) no es conocido por todos, como lo son Arreola, Rulfo o García Ponce, pero los estudiosos de la literatura mexicana lo describen como un narrador indispensable, uno de los más grandes maestros de la ficción breve, el cuento.

Es por ello que, para celebrar el centenario de su natalicio este 2 de diciembre, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes decidió reeditar la única novela del narrador: Aquí abajo, publicada originalmente hacia el año de 1943.

Editada dentro de la colección Similares de la Dirección General de Publicaciones, la novela era ya una pieza inconseguible pues contó con una sola edición a cargo de la antigua librería Robredo.

Tario, al alejarse de la corriente estilística de su tiempo no recibió buenas críticas y para el tiempo de su muerte, hacia la segunda mitad de la década de los setenta, su trabajo seguía casi en el anonimato, considerado por muchos como auténtica rareza, o un autor de culto.

No fue hasta el año 2003 que el sello Lectorum publicó sus Cuentos Completos en dos volúmenes, una edición prologada por el escritor Mario González Suárez, quien, en una presentación editorial celebrada en el Palacio de Bellas Artes, describió el fenómeno del olvido gracias a los prejuicios de la época que marcaban una clara inclinación al realismo, años antes de que Arreola y Rulfo derrumbaran esas barreras con los títulos Confabulario (1952) y Pedro Páramo (1955) respectivamente.

De Aquí abajo predominan los comentarios que la sitúan como una novela difícil, excéntrica. Los personajes de la misma, viven inmersos en una rutina aparentemente inocua, y representan un papel dentro de un esquema social cerrado, hasta que su desconcierto interno rasga la delgada piel de su apariencia.

La novela fue presentada ayer jueves en el Auditorio de la Escuela Mexicana de Escritores y contó con la participación de Ricardo Bernal, Eduardo Parra Ramírez y Arturo Sandoval Portillo.

Sobre ella, Ricardo Bernal, encargado del prólogo, afirma: “Del mismo modo que un niño percibe criaturas espantosas en las sombras nocturnas de su habitación solitaria, o los alcohólicos luchan contra insectos gigantescos generados por su adicción, los protagonistas de esta novela presencian las manifestaciones de un mundo parido por su propia indigencia espiritual y su dolorosa soledad.

”En esta narración no hay sitio para la piedad; el autor la escribe con su sangre. Es una historia atemporal y alejada por completo de cualquier ánimo sensiblero. También en ello Tario supo ser un escritor visionario y escapar de la tendencia melodramática que logró atraer a otros autores con su canto de sirena vieja y maquillada.

”Aquí abajo atrae al lector con sus bromas macabras y le obliga a reír culpablemente de una historia que puede volverse la suya propia, sentirse en la pista de un circo vacío donde los aplausos son espectros y la soledad presencia húmeda e impecable”.

AN22/IM

Por ello, el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (FICG) organizó en su pasada edición una gala conmemorativa en honor del ilustre actor guanajuatense. En dicho festejo se celebró un recital con Fernando de la Mora, reconocido tenor mexicano, quien interpretó los temas que se hiciera famosos en voz de Negrete; asimismo, se organizó una muestra con varios de sus filmes más recordados. Además, como parte del homenaje, el festival encomendó al crítico cinematográfico Francisco Javier Millán la producción de un volumen conmemorativo. El resultado lleva el título Jorge Negrete: Ser charro no basta.

Ante una proyección de fotogramas con una selección de escenas de reconocidas cintas protagonizadas por Negrete; José Javier Návar, Beatriz Esperón, Sara Montes, Sarah Hoch y Lorenzo Negrete, presidieron la presentación oficial del volumen en la Ciudad de México, celebrada en la Sala 4, Arcady Boytler de la Cineteca Nacional.

Y es que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes ha adoptado el festejo de su centenario, por ello, del 1 al 14 de diciembre, la Cineteca Nacional programa una selección de doce películas protagonizadas por el “charro cantor” entre las décadas de los treinta y cuarenta, películas entre las que destacan por su popularidad: El fanfarrón (1938), ¡Ay Jalisco no te rajes! (1941), El peñón de las ánimas (1942) y Dos tipos de cuidado (1952), esta última, coprotagonizada con Pedro Infante.

Entre la canción popular y el Bel canto

Jorge Negrete: Ser charro no basta es un compendio cinematográfico sobre la vida y obra del charro cantor, desde sus audiciones en la Metropolitan Opera House de Nueva York para convertirse en cantante de ópera, su debut en celuloide con la cinta La madrina del diablo (1937), hasta el pináculo de su trayectoria como líder sindical de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) y el pináculo de su carrera en las cintas Los tres alegres compadres (1951) y Dos tipos de cuidado (1952).

El título contó con un tiraje limitado de apenas mil volúmenes impresos; sin embargo, Sara Hoch, directora del FICG, subrayó que el propósito inicial del proyecto es poder difundir el legado de Negrete, con especial atención en las nuevas generaciones ya que estas no tuvieron oportunidad de disfrutar su trabajo. Es por ello que el volumen completo se encuentra disponible en línea a través de varias plataformas de descarga, así como en el sitio oficial del festival (http://www.guanajuatofilmfestival.com/libros/SerCharroNoBasta.pdf) en formato PDF y de forma completamente gratuita.

Dice Francisco Javier Millán, en la presentación de su libro: “Jorge Negrete es uno de los máximos representantes de la cultura popular mexicana y una de las voces privilegiadas del mundo de la canción en lengua española. Cantante antes que actor con su portentoso registro lírico de barítono, exportó la cultura popular mexicana al mundo a traves de sus 45 películas. (…) Negrete fue, y sigue siendo hoy, un ícono del México profundo de la primera mitad del siglo XX. (…) Negrete forjaría un arquetipo del macho latino en la pantalla que el mismo deconstruiría a través de la comedia ranchera, y que es equiparable a los que forjaron las grandes estrellas de Hollywood en los años 30 y 40.”

Ni tan macho ni tan charro

“Quisiera decirles que hice muchas películas (al lado de Jorge Negrete), pero estaría mintiendo. Él era una persona hermosa, mucha gente decía que era déspota, pero él era un ser precioso”, declaró Sara Montes, actriz de cine con varios protagónicos a lado de Luis Aguilar en la década de los cincuenta.

Montes recordó que el inicio de su carrera como actriz comenzó gracias a la ayuda que le prestara el propio Negrete cuando ella recién llegó a la ciudad, sola, proveniente de Morelia, con apenas 18 años de edad.

Montes llegó a la Ciudad de México a probar suerte hacia el año de 1945. Un día conoció a Pedro Infante en los Estudios Stahl mientras rodaba Los tres García; al día siguiente, en los Estudios Azteca, se encontró con Jorge Negrete, en medio del metraje de Camino de Sacramento, y quedó prendada de inmediato por su presencia.

Ese mismo día ella consiguió su primera aparición en celuloide, como extra, a consecuencia directa del propio Negrete quien después de preguntarle si trabajaba en cine le consiguió un puesto que había quedado vacante por una ausencia imprevista. Semanas después, por acción de Negrete, quedó inscrita en la asociación de extras, tuvo trabajo, pudo pagar su estancia en la ciudad y estudiar actuación, para debutar dos años después en un papel protagónico al lado de Luis Aguilar. De hecho, que su nombre artístico sea Sandra Montes se debe también a sugerencia expresa del propio Negrete: “Gracias a él, yo estoy aquí, todavía…” aseguró Montes como cierre a su intervención, momentos antes de romper en llanto en memoria de un hombre cuyo recuerdo estará presente hasta el último de sus días.

Presente también en el acto estuvo Beatriz Esperón, viuda del compositor Manuel Esperón, responsable junto con Ernesto Cortazar de prácticamente todos los arreglos musicales en las películas tanto de Negrete como de Pedro Infante, y quien falleciera recientemente, el pasado 13 de febrero del año en curso.

La viuda de Esperón relató aquél conocido pasaje cuando en la preparación para el rodaje de ¡Ay Jalisco no te rajes!, Jorge Negrete arrojó con desprecio las partituras con el arreglo de Esperón a la canción con el mismo nombre, pieza medular del filme. Entonces, ecuánime, el compositor convenció al actor de realizar la interpretación, asegurándole así una de las apariciones más recordadas en la historia de la música mexicana en celuloide. A la postre, Negrete sería recordado fundamentalmente por dos actuaciones, una, el duelo musical sostenido con Pedro Infante en Dos tipos de Cuidado; y dos, la interpretación de “¡Ay Jalisco no te rajes!”, en la película del mismo nombre.

Finalmente, la viuda de Esperón, instó al público asistente a sumarse en una iniciativa ciudadana en pro de conseguir el levantamiento de una estatua en honor a Jorge Negrete en la emblemática Plaza Garibaldi de la Ciudad de México, efigie que se colocaría a un costado de la erigida en nombre de Manuel Esperón, la cual fue develada el año pasado.

Asimismo, Lorenzo Negrete, nieto del actor, habló sobre los diversos mitos que han rodeado la figura de su abuelo, sobre si este mantenía una malsana rivalidad con su amigo Pedro Infante, sobre si despreciaba la figura del charro o aborrecía la música ranchera siendo él un graduado en música de cámara. Todo ello fue calificado de falso, y, en nombre de la familia Negrete, agradeció a los involucrados su interés en celebrar el centenario de su abuelo, una iniciativa que, espera, no quede en el próximo mes, sino que se extienda de forma sostenida para difundir la obra de Jorge Negrete, un gran cantante y actor.

RMM/IM

La entrega del galardón se llevó a cabo la noche de ayer martes último día de noviembre en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes. El acto estuvo presidido por el editor líder del sello, Carlos López, la poeta María Cruz y la académica Estela Asse.

Esta última, como miembro del jurado dictaminador del premio, en la cual participaron también los poetas Carlos Barbarito y Arturo Castro (ambos ganadores del Premio, en sus ediciones segunda y tercera, respectivamente), dio lectura a el Acta del resultado, en la cual se destacan, de entre los 84 manuscritos recibidos, los dotes estilísticos de la autora tlaxcalteca.

“En el trabajo ganador, –ilustra el Acta– el manejo del lenguaje y el ritmo es cuidadoso y preciso, la combinación de palabras, producto de un arduo trabajo, logra imágenes contundentes, claras y frescas. En él domina su tono sencillo articulado siempre en un punto de vista que da distintos significados a los objetos, a los lugares o a las acciones y que comunica esa experiencia de manera lúcida. (…) Se percibe una combinación de ritmos, coincidentes con los cambios de escenarios y la realidad circundante que a veces se aletargan en metáforas que guardan implicaciones eróticas; otras, en momentos explosivos que transcriben fielmente la emoción de una situación interior que se exterioriza mediante una visión iluminadora.”

El Premio Praxis de Poesía, como se le conoce comúnmente, no está dotado de un premio en efectivo, y es por ello que no existe ninguna clase de discrecionalidad en su entrega, ni favoritismos, aseguró Carlos López, fundador del sello editor el cual se encuentra de gala por haber cumplido en octubre pasado, 30 años de existencia.

El Premio Praxis de Poesía, está dotado “sólo con arte, porque el arte se premia con arte”, remató López. Así, en vez de dinero en efectivo, el premio del sello Praxis es una obra de arte, un óleo de algún artista contemporáneo que este dona para tal propósito. Asimismo, se le entrega al autor ganador un paquete con todos los libros aún disponibles del catálogo de la editorial, catálogo que a la fecha se compone por algo más de setecientos volúmenes.

Para la presente edición del laurel, el artista plástico Aarón Cruz donó uno de sus cuadros, es por ello que la poeta María Cruz, asistió al acto en representación de su padre quien no pudo estar presente para hacer entrega del mismo.

Dosamantes, poeta

Isolda Dosamantes (Tlaxcala, 1969) es licenciada en Ciencias Políticas y Administración Pública por la Universidad Autónoma de Tlaxcala. Tiene la Especialización en Literatura Mexicana por la Universidad Autónoma Metropolitana y el Diplomado en Creación Literaria de la Sociedad General de Escritores de México (SOGEM). Fue becaria de la Fundación Alberti, del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Tlaxcala y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en su programa de Apoyo a Proyectos y Coinversiones.

Ha colaborado en diversas revistas culturales como Tierra Adentro, Pasto Verde, Oráculo, Deriva y Molino de letras; en las antologías Sueños que a plena luz evaporan los soles (1993), Nos queremos casar de rojo (2001), Para tu exclusivo placer (2003), Eco de Voces. Generación poética de los sesenta (2004) y Melíferas Bocas (2004). Ha sido profesora de las preparatorias de la Ciudad de México, del Centro de Enseñanza para Extranjeros de la UNAM, de la Universidad de Estudios Extranjeros de Pekín y de Universidad de Xiangtan, en China. Entre sus poemarios pueden mencionarse los volúmenes Utopías de Olvido (1997) y Altura Lustral (2001).

30 años de Praxis, 30 años de supervivencia

“¿Por qué he llegado a los 30 años?”, pregunta para sí Carlos López, fundador del sello editorial independiente, “para esa pregunta hay sólo una respuesta: por milagro”, admite el editor quien hace más de tres décadas cruzó la frontera de su natal Guatemala, maravillado por las oportunidades de la oferta cultural en México.

“Desde que llegué a México todo ha sido sorpresivo, milagroso, mágico, yo no vine a poner una editorial. (…) Apenas y pude pagar la renta de las oficinas del mes pasado, la que se vence hoy último día de noviembre. A veces no puedo pagar (a la plantilla, los trabajadores de la editorial), son como hermanos, y sin ellos no podríamos trabajar”, aseguró López, quien se siente orgulloso de nunca haber dependido, salvo para el préstamo de un lugar digno para celebrar sus presentaciones editoriales, de ningún apoyo estatal: “no conozco el nombre de las becas que otorgan, no sé ni a dónde ir a pedirlas”, remató.

RMM/IM

“La fantasía es un discurso libertario”

Antonio Skármeta

Nico es mi nombre, tengo 18 años, mi padre es profesor de filosofía en el liceo. Ayer, se convirtió en preso político por defender ideas contrarias al régimen dictatorial de Augusto Pinochet, nuestro jefe máximo desde hace 15 años. Estamos en Santiago, ciudad capital de Chile, el año, 1988, y el general ha convocado a un plebiscito para el próximo 5 de octubre. El día que cambiará todo…

Antonio Skármeta presenta su más reciente novela, Los días del arcoíris, ganadora del Premio Iberoamericano de Narrativa Planeta-Casamérica 2011, una novela ambientada en aquellos días clave en la historia política de Chile.

En un acto celebrado este domingo en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, Skármeta ofreció una presentación editorial en tres episodios: lectura de autor, proyección multimedia y entrevista.

“Esta novela tiene dos almas que se van entrecruzando para llegar a lo que yo podría llamar como ‘un final luminoso’. La acción está situada en Chile, mi patria, en 1988, un año muy significativo, porque este año, después de una vida muy atormentada, el pueblo chileno, con gran sagacidad política, consigue unir a todas las personas que ya no quieren más vivir en la dictadura de Pinochet”, declaró Skármeta al abrir su participación.

El texto –explicó– centra la historia en derredor de Nico Santos y Patricia Bettini, y en los padres de ellos. El padre del él es académico en filosofía y ha sido recientemente arrestado por la policía del régimen; el padre de ella, Adrián Bettini, es el publicista encargado de producir la campaña propagandística del “No” al régimen imperante, una campaña que en verdad existió y que fue ilustrada profusamente por un video la tarde ayer domingo en Bellas Artes, y cuyo principal bastión fue un breve programa televisivo de 15 minutos concedido por el propio Pinochet en aras de legitimar la pluralidad de su plebiscito. Dicha estrategia fue calificada por Skármeta como un “delicioso error”, que marcaría el posterior destino de la encuesta: por primera vez en tres lustros, el público tenía acceso a algo más que la información oficial.

“Esta es una de las pocas novelas contemporáneas que termina bien porque gana la democracia” remató el narrador chileno, complacido por la reacción del público asistente posterior a la lectura de un par de fragmentos seleccionados para la ocasión, una que se repetirá en breve en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara.

Apasionado de la filosofía aristotélica y la lírica de Shakespeare, Skármeta ofrece en la novela una interpretación filosófica en formato de franca narrativa, sobre un grupo de personas que conjugan su intelecto en busca del ideal de libertad.

Skármeta, el filósofo que ama a Shakespeare

Oriundo de Antofagasta, Chile, y nieto de emigrantes de Dalmacia, Antonio Skármeta es narrador, académico, traductor, productor y argumentista cinematográfico. Estudió filosofía en la Universidad de Chile donde se titula con una tesis sobre el pensamiento de Ortega y Gasset. Ha traducido novelas de Hermann Melville, Jack Kerouac, Scott Fitzgerald y Norman Mailler.

Su novela Ardiente Paciencia (1985) ha gozado de gran reconocimiento y ha sido traducida a 30 idiomas. Fue llevada al cine por Michael Radford con el título de El Cartero (Il Postino), una celebrada producción italiana de 1994. La misma historia fue llevada al formato ópera por el compositor mexicano Rafael Catán y estrenada en la ciudad de Los Ángeles, California, en septiembre de 2010.

Skármeta es autor de novelas como Soñé que la nieve ardía (1975), La boda del poeta (1999), La chica del trombón (2001) y El baile de la victoria (2003). Ha recibido numerosos premios y reconocimientos a su obra, entre los que destaca, en 1986, haber sido nombrado por el gobierno francés como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

RMM/IM

Al ser la fuente más inmediata y, tal vez, obvia de conflicto, muchas veces los escritores lo pasan por alto y prefieren buscar el “gran tema”, lo “trascendental”, cuando las tramas más interesantes las podemos encontrar al alcance de la mano.

En El taller del tiempo (2003), Álvaro Uribe (Ciudad de México, 1953) detecta el conflicto primigenio: la lucha eterna entre padre e hijo. Si lo observa uno bien, quienes siempre están en competencia son los hijos varones con su padre, nunca con su madre, y ésta, rara vez, con sus hijas mujeres.

Quizá sea la cultura patriarcal, quizás el vil machismo, pero el padre siempre está en conflicto con el hijo varón. Por la dominancia dentro de la familia, por la aprobación que busca el vástago, por la motivación que quiere implementar el progenitor, por la necesidad de generar y tener una personalidad autónoma y no seguir simplemente la inercia. El caso es que siempre, casi siempre, luchan y están en conflicto, y es una batalla que a todos nos marca, determinando muchos patrones de conducta.

Desde el conflicto más básico, construye una trama en la que Miguel Segundo lucha por desmarcarse de su padre, Miguel Primero, pero con esa batalla en el inconsciente, impone un régimen del terror para obligar a su propio hijo, Miguel Tercero, a que le demuestre que es merecedor del nombre y digno sucesor en la línea patriarcal. A partir de la relación personal originaria, teje una historia compleja que desde el mero principio atrapa al lector, pues poco a poco se va intensificando el seductor aroma de la tragedia. Arranca desde los orígenes y llega a lo extraordinario.

Este mismo patrón sigue la estructura de la novela: a partir de las reglas fundamentales de la narrativa, construye un andamiaje muy elaborado en el que diferentes personajes, con distintas voces y desde su propio punto de vista, cuentan su parte de la historia, para que al final, el lector la conozca completa, de principio a fin. Uribe respeta los principios básicos de la técnica, construye escenas que funcionan y se suceden tersamente una a otra. En cada secuencia va generando expectativas mediante la dosificación de la información, que al transcurrir de las páginas cumple o defrauda, pero no deja cabos sueltos: tiene un planteamiento, desarrollo, clímax y desenlace bien definidos, con sus puntos de giro bien identificados. Entre cada punto de giro introduce sucesos que impulsan la trama al abrir posibilidades de entre las cuales, los personajes tienen que elegir. Vamos, los fundamentos mismos de la narrativa están ahí.

Sin embargo, no sólo están ahí, están puestos en función de la trama, manejados con oficio, con dominio de las herramientas del orfebre. Algunos ejemplos:

El narrador –los diversos narradores– no genera sobresaltos en la lectura, se limita a contar lo que pasa. No incurre en la tentación de explicar las cosas, deja que el lector haga sus deducciones y arme el rompecabezas por su cuenta. La prosa es limpia y precisa, no hay palabras que sobren, pero tampoco se echan de menos cuando la intensidad de la historia lo requiere. El estilo acompaña y lubrica la lectura, no la dificulta, como en muchos casos de autores que quieren innovar, pero sin un sustento dramático. Estamos pues ante un escritor con el oficio bien entrenado.

Una vez dominados los aspectos técnicos, el autor siente la seguridad de diseñar una estructura narrativa compleja. Con las bases bien puestas, ejecuta un salto mortal en la temporalidad de la narración. No hay narrador único que cuente de principio a fin la saga de los Migueles, sino que en cada capítulo cambia la voz, el tono, la perspectiva, la incidencia en el devenir de los hechos, la forma de contar.

Una charla, una carta, un discurso de ultratumba. Unos en el presente, otros en el futuro inmediato, unos más varios años después, uno desde la eternidad y alguno atemporal. Uribe no le permite al lector llevarse por la inercia, pues cuando este se ha familiarizado con el devenir de la lectura, termina el capítulo y cambia la clave.

Con todo, lo realmente interesante en la construcción de la novela es que cada narrador aporta información que los demás ignoran, al tiempo que desconoce lo que otros sí saben. Así, cada uno va poniendo retazos que al final constituyen el vestido completo.

Sin embargo, la forma no es lo único relevante. El conflicto entre los Migueles desemboca en preguntas, tal vez dirigidas a la imaginación, pero que afectan el centro mismo de las personas. ¿Si pudieras regresar en el tiempo, qué cambiarías de tu vida? ¿Qué le pedirías al diablo a cambio de tu alma? La respuesta a estas dos preguntas dan movimiento al capítulo final, en el que Miguel Segundo y el Diablo negocian las condiciones de su contrato. El primero pide regresar a la media hora en que pudo cambiar el destino trágico de su familia –pero sabe, el lector sabe– que para eso debe regresar casi veinte años y quitarse de encima la carga psicológica de la lucha con su padre, Miguel Primero. Todo esto se sucede en una última escena de altísima intensidad, en la que se concentran y se agitan todos los elementos dramáticos que se esparcieron a lo largo de las páginas y que ahora resuenan, que ahora se agitan dentro de la coctelera. El resultado de ello, es una tragedia cuyo ciclo parece cerrarse en un círculo perfecto que no tiene ni principio ni fin, y que se repite una y otra vez, eternamente.

La forma y el fondo se conjugan y complementan. Aunque hay algunos detalles, en esta ocasión vale la pena ser permisivo. El taller del tiempo es un verdadero drama familiar que afecta al lector, contado con todo el oficio del sastre. En una reseña en Letras Libres, publicada en septiembre de 2003, Rafael Lemus concluye que las costuras quedan a la vista. Yo difiero, creo que las costuras están tan bien zurcidas que no se notan, no sobresaltan y son armónicas. Puro y duro oficio de buen escritor, lo cual es cada vez más difícil de encontrar.

RMM/PR