Esta música “genera paz y conciencia. La intención es que la banda se sienta bien e identificada, que al final del día sea un evento para que no se haga tan pesado el estrés diario de la ciudad y se concienticen de lo que pasa a su alrededor”, indicó Hugo García, alias “Le Marmote”, integrante del colectivo.

El móvil de Mystic Revelation es difundir las variantes musicales del reggae, presentar artistas nacionales e internacionales, “la gente que asiste a las tocadas –sin embargo– ha cambiado su forma de pensar y vivir, han dejado la violencia”, declaró Ashanti, quien desde el 2000 ya trabajaba con el Colectivo Eckos y se dio cuenta de que mucha “banda” de Neza asistía al Centro Histórico a los eventos de reggae, por lo que le nació la inquietud de organizar algo semejante en su barrio, con el apoyo de Adrián “DJ Ital” y “El Aarón”.

RMM. – ¿Qué opinas de que la cultura negra, calificada ya como la “Tercera raíz” de nuestra conformación racial y cultural, no sea reconocida sino más bien ignorada por la gente?

Ashanti. – La discriminación hoy en día es un mal social que tenemos que extinguir y la música es una gran fórmula para poder hacerlo.”

RMM. -¿Cómo ves la escena Reggae en Neza y en la zona metropolitana de México?

Ashanti. – Es sorprendente ver como se ha desarrollado el movimiento y ahora la gente tiene muchísimas opciones para poder ir a disfrutar diversos géneros de este ritmo, como Dance Hall, Roosts y Dub, y que muchos artistas de otros países estén con ganas de visitar México por el crecimiento que ha tenido.

RMM. -¿Cómo empezaste a vender discos?

Ashanti. – Empecé a vender música hace como once años y fue por gusto, ya que mucha gente no tenía acceso a ella. Merco en el tianguis de San Juan, ubicado cerca del Metro Guelatao.

Los Integrantes de Mystic Revelation Reggae Sound son: Ashanti, Le Marmote, Back to zion, Rootsman, Nuba, Ache dub y Chis youth.

RMM/ES

El Gabinete del Dr. Caligari, cinta estrenada hacia el año de 1920. Pieza clave en el movimiento expresionista alemán. Referente indudable en el culto por la ficción de horror. Una de las pocas películas silentes que han superado la barrera del espacio y el tiempo.

Como parte del proyecto “Cine Bar-Bandas Sonoras: Un espacio de cine y música”, organizado por el Lunario del Auditorio Nacional y el programa “Cineteca va”, el dueto mexicano Cabezas de Cera presentó este martes 22 de noviembre su propuesta sonora al filme de Robert Wiene. Un clásico del cine mudo con casi un siglo de existencia.

La cinta, protagonizada por Werner Krauss (Dr. Caligari), Conrad Veidt (El sonámbulo), Lil Dagover (La muchacha) y Friedrich Feher (El estudiante), narra la cruzada psicótica de un mentalista que ejerce su dominio parapsicólogo sobre un paciente sonámbulo a quien controla para convertirlo en asesino serial, una trama llena de suspenso que abre paso a los giros argumentales y propone un final inesperado.

Tal es la fama y el reconocimiento que la cinta ha alcanzado a través de los años que la propia Cineteca Nacional ya había organizado –dentro del mismo ciclo– su musicalización en vivo durante marzo del año pasado. En dicha ocasión la empresa estuvo a cargo de la banda de rock La víctimas del Dr. Cerebro.

La experiencia con Cabezas de Cera se antoja, sin embargo, del todo distinta. CDC es una agrupación mexicana dedicada a la exploración acústica. Basada en el arte de la sonoridad espontánea, la improvisación jazzística y el virtuosismo propio del rock progresivo, los hermanos Francisco (piano y percusiones) y Mauricio Sotelo (cuerdas), acompañados por Edgar Arellín en el diseño sonoro, llevan más de 15 años explorando las posibilidades auditivas de la instrumentación polifónica.

Dichas inquietudes musicales se ven reflejadas en un trabajo atípico, estimulante y renovador. Las piezas incluidas en la sonorización de la cinta, muchas de ellas creadas en específico para dicha tarea, son muestra de ello. Piezas que derivan del dominio total de sus instrumentos, algunos de los cuales fueron creados por ellos mismos.

Así, con teclado, percusiones eléctricas, chapman stick e infinidad de artilugios electrónicos, Cabezas de Cera no sólo consigue sonorizar un clásico cinematográfico de todos los tiempos, sino que crea una partitura de valor único más allá del mero acompañamiento. Con su trabajo los hermanos Sotelo logran un tipo de ambientación prototipo para los filmes del género, el cine expresionista alemán de principios del siglo XX, el cine de Wiene, de Murnau, de Lang.

La propuesta sonora de Cabeza de Cera para El Gabinete del Dr. Caligari, se presentará en dos ocasiones más, a las 17:00 y 21:00 horas del próximo sábado 3 de diciembre en las instalaciones de la Cineteca Nacional.

RMM/IM

CDC 2011 / Foto: Sitio oficial

“Vengo a cantar para ti
la canción que aprendí a la orilla del mar
la llevo en el corazón con el último adiós” 

Olivia Gorra, soprano; Fernando de la Mora, Mauro Calderón y Alan Pingarrón, tenores; Genaro Sulvarán, barítono; Ángel Rodríguez, pianista; Alejandro Duprat, cornista. Ensamble Esperón

 Domingo 27 de Noviembre de 2011, 17 hrs

Palacio de Bellas Artes/ Sala Manuel M. Ponce. Av. Juárez y Eje Central (Metro Bellas Artes) Tel. 55 12 25 93.
Localidades: $80 $60 y $30

Foto: NOTIMEX

“…un paria embrutecido vomita en un rincón y el sexo es otra guerra infinita, la única guerra sin héroes sin mártires ni santos…” Joaquín Sabina

Con la multiplicidad de imágenes coloreadas, de la musicalidad de letras entrelazadas forjando literatura cantada, el viejo artista Joaquín Sabina abrió el viernes 4 de noviembre el primero de sus cuatro conciertos de su gira “El penúltimo tren” en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Teatro, cabaret y poesía convergieron en el espectáculo. El “Flaco de Úbeda”, quien saltó al escenario vestido con pantalón color rosa mexicano, playera negra con un signo de interrogación, saco negro y bombín, recorrió los irreverentes laberintos idílicos de sus éxitos y compartió la tarima con músicos amigos, así como con el escritor colombiano Premio Nobel de Literatura 1982, Gabriel García Márquez, quien asistió al recital, a según se dijo.

Con la canción “Esta noche contigo”, pieza del disco Esta boca es mía, comenzó su actuación a las 20:40 horas, acompañado por más de 10 mil personas que emocionadas entonaron sus canciones durante casi dos horas y media de concierto, pues los músicos y el poeta español regresaron en tres ocasiones al escenario ante los gritos de “otra, otra” y los silbidos generalizados de la gente.

El cantante de 62 años, quien a los 19 años fue arrestado por su padre, comisario de policía, por pertenecer al Partido Comunista, compartió el escenario con Jaime Asuá, Antonio García de Diego, Pancho Varona y Mara Barros, con quien además actuó y bailó un tango.

Sabina resaltó que en durante su viaje a Los Ángeles, California, vio muchos hispanos y mexicanos: “(allá) hijos de la gringada, pero aquí están los hijos de la chingada”, exclamó entre risas el artista quien se ha definido como “un novio regular”, “un amante pésimo, según las estadísticas”, y “un padre bienintencionado”.

El concierto trascurrió entre poesía, narración, anécdotas y música. Incluso, en alguno de esos pasajes dialogados entre autor y auditorio, Sabina expuso el cómo conoció a “Gabo” y a la escritora mexicana Ángeles Mastretta, autora de la novela Arráncame la vida, y de quien pícaramente exclamó: “No pudo ser mi señora porque ya tenía un marido”, refiriéndose al periodista e historiador Héctor Aguilar Camín.

Ya aventurado, el cantaor dedicó tiempo a exaltar las figuras de José Alfredo Jiménez y Chabela Vargas, de quien destacó “sólo unos cuantos amigos y yo conocíamos su música”.

“Quiero devolver en forma de canciones calientes los abrazos de todos estos años”, expresó el señor de Úbeda a sus seguidores antes de entonar “Medias negras”, tonada precursora para piezas como “Peor para el sol”, “Y sin embargo”, “Tiramisú de limón”, “Peces de ciudad”, “Una canción para Magdalena”, “Todavía una canción de amor”, “Princesa”, “19 días y 500 noches”, o “Por el boulevard de los sueños rotos”, melodía que interpretó con Álvaro Urquijo, vocalista del grupo Los Secretos.

Sorprendido ante el apoyo del público chilango, y después de amenazar en dos ocasiones con terminar el concierto, Sabina regaló su poesía en forma de canción y cerró su actuación con el tema “Y nos dieron las diez”, clásico indiscutible incluido en el álbum Física y Química.

Joaquín Sabina se presentó en la Ciudad de México los días 4, 5, 7 y 8 de noviembre, visitará este jueves día 10 la ciudad de Guadalajara y cerrará su gira por territorio nacional con una presentación en Monterrey, programada para el próximo sábado 12 de noviembre.

RMM/ES

*Direcciones de recintos al final

Viernes 11

• Presencia de la Escuela Nacional de Música

X Encuentro Universitario de Guitarra
Carlos Bonell, guitarra (Reino Unido)
Suite para laúd BWV 996 de Bach y obras de Carlos Bonell, Albéniz, Falla, Regino Sainz de la Maza y Lennon–McCartney, entre otros
Sala Carlos Chávez/19:00 horas $130.00

Sábado 12

• OFUNAM Tercera Temporada

Ensayo abierto
Selecciones del Programa 4
Sala Nezahualcóyotl/10:00 horas Entrada libre

• Programa 4

Jan Latham-Koenig, director huésped; Massimo Mercelli, flauta; Anabel de la Mora, soprano; José Adán Pérez, barítono; Edward Batting, órgano; Coro de Cámara de la Escuela Nacional de Música: Samuel Pascoe, director; Coro de Niños y Jóvenes de la Escuela Nacional de Música: Martha Patricia Morales, directora
Parade de Satie, Concierto para flauta* de Nyman y Réquiem de Fauré
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00
*Estreno en México

Sábado 12

• Concierto Internacional (Italia)

Concierto conmemorativo por los 200 años del nacimiento de Franz Liszt
Alberto Nosè, piano
Rapsodia húngara no. 11 y Vals no. 1 Mefisto, entre otras obras de Liszt
Sala Carlos Chávez/18:00 horas $130.00

Domingo 13

• OFUNAM Tercera Temporada

Programa 4
Ver sábado 12
Sala Nezahualcóyotl/12:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00

• Concierto: Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata

Jan Latham-Koenig, director huésped; David Campbell, clarinete
Marcha eslava de Tchaikovsky, Capricho español de Rimsky-Korsakov y Concierto para clarinete de Mozart
Sala Nezahualcóyotl/18:00 horas $120.00, $100.00 y $60.00

Martes 15

• Concierto Internacional (Reino Unido)

Edward Batting, órgano
Obras de Buxtehude, Bach, Elgar, Reger y Messiaen, entre otros
Sala Nezahualcóyotl/20:30 horas $240.00 y $160.00

Jueves 17

• Presencia de la Escuela Nacional de Música: Coros y Orquesta Sinfónica de la Escuela Nacional de Música

Sergio Cárdenas, director; Cynthia Sánchez, soprano; Linda Saldaña, mezzosoprano; Alan Pingarrón, tenor; Jesús Suaste, barítono
Políptico para seis percusionistas de Enríquez y Sinfonía no. 9 Coral de Beethoven
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas $200.00 y $130.00

Viernes 18

• Presencia de la Escuela Nacional de Música

Ver jueves 17
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas $200.00 y $130.00

• Programa Coral Universitario

Coro Universitario Estudiantil: Marco Antonio Ugalde, director
Sala Carlos Chávez/20:00 horas Entrada libre

Sábado 19

• OFUNAM Tercera Temporada

Programa 5
Jan Latham-Koenig, director huésped; Eva María Zuk, piano
Preludio al acto I de Tristán e Isolda de Wagner, Concierto para piano no. 1 de Beethoven y Variaciones Enigma de Elgar
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00

Sábado 19

• Ciclo Música de Cámara

Luz Angélica Uribe, soprano; Carmen Thierry, oboe; María Teresa Frenk, piano
Diez canciones de William Blake de Vaughan Williams, Estudios virtuosos de Antonio Velleda y Diez canciones de mujeres* de Reinhold Schmid
Sala Carlos Chávez/18:00 horas $130.00
*Estreno en México

• Concierto: Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata

Rodrigo Macías, director; César Yescas, clarinete
Marcha eslava de Tchaikovsky, Capricho español de Rimsky-Korsakov y Concierto para clarinete de Mozart
Anfiteatro Simón Bolívar/13:00 horas $50.00

Domingo 20

• OFUNAM Tercera Temporada

Programa 5
Ver sábado 19
Sala Nezahualcóyotl/12:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00

Viernes 25

• OFUNAM Concierto Extraordinario: Celebración por los 65 años del Instituto Nacional de Cancerología

José Guadalupe Flores, director huésped
Obertura Las Hébridas de Mendelssohn, Chacona de Buxtehude-Chávez, Bolero de Ravel, FanfarriUNAM de E. Angulo, Sobre las Olas de J. Rosas, Sinfonía india de Chávez y Huapango de Moncayo
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas Entrada libre (cupo limitado)

Sábado 26

• OFUNAM Tercera Temporada

Programa 6
Marco Parisotto, director huésped; Mikhail Zemtsov, viola
Rapsodia húngara no. 2 de Liszt, Concierto rapsodia para viola* de Martinu, Sinfonía no. 2 Homenaje a Posada de A. Luna y Capricho italiano de Tchaikovsky
Sala Nezahualcóyotl/20:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00
*Estreno en México

• Programa Coral Universitario

Coro de la Escuela Nacional de Trabajo Social: Claudia Salgado, directora; Coro de la Facultad de Arquitectura: Gabriela Franco, directora; Coro de la Facultad de Ciencias: Eduardo Hernández, director; Coro de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, Fratelli: Rodrigo Castañeda, director; Coro de la Facultad de Filosofía y Letras: Enrique Galindo, director; Coro de la FES Aragón y de la FES Zaragoza: Arturo Salvadores, director
Anfiteatro Simón Bolívar/12:00 horas $50.00

Domingo 27

• OFUNAM Tercera Temporada

Programa 6
Ver sábado 26
Sala Nezahualcóyotl/12:00 horas $240.00, $160.00 y $100.00

Presencia de la Escuela Nacional de Música

• Concierto Internacional (México–Francia): Espejos. Dos mundos, dos culturas, una misma pasión: la música

Orquesta Barroca La Parténope (con réplicas de instrumentos originales); selección del Coro de Niños y Jóvenes Cantores de la Escuela Nacional de Música
Música del siglo XVIII en México y Francia
Sala Nezahualcóyotl/18:00 horas $150.00

• Ciclo Música de Cámara

Mercedes Gómez, arpa
Mariposas monarca de José Enrique Guzmán, Suite pa’ su Meche de Eugenio Toussaint, Calavera a Rufino* de Armando Luna y Sonoroson* de Javier Álvarez, entre otras
Sala Carlos Chávez/18:00 horas $130.00
* Estreno en México

• Programa Coral Universitario: Coro Voces del CELE

Gabriela Franco, directora; Coro de la Facultad de Derecho: Gabriela Patricia Díaz, directora; Coro de la Facultad de Ingeniería, Ars Iovialis: Óscar Herrera, director; Coro de la FES Acatlán: Raúl Vázquez, director; Coro de la FES Iztacala: Cecilia González, directora

Anfiteatro Simón Bolívar/12:00 horas $50.00

*Recintos:

Centro Cultural Universitario (Sala Carlos Chávez, Sala Nezahualcóyotl)
Insurgentes Sur 3000, C.U.
Informes: 5622 7113
www.musica.unam.mx

Antiguo Colegio de San Ildefonso (Anfiteatro Simón Bolivar)
Justo Sierra 16, Centro Histórico
Informes: 5702 4221

Boletos con el 50% de descuento personal con credencial vigente:
• Estudiantes y maestros en general
• Ex alumnos y trabajadores de la UNAM
• Jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM
Acceso a niños mayores de 8 años, excepto donde se indica.
Se aceptan las tarjetas de crédito y débito Visa, Visa Electron y MasterCard (excepto en el Anfiteatro Simón Bolívar).

Líneas melódicas country, temas blues y bellos trazos de improvisación jazzística, construyen el crisol de influencias que dan forma a la propuesta musical de Diego García, oriundo de la provincia valenciana en la península ibérica.

El álbum The Brooklyn Session, grabado en el estudio analógico Mission Sound del mentado barrio neoyorkino, representa el regreso de García a su géneris musical en las calles que le nutrieron como guitarrista, en el centro de su más honda influencia dentro de la corriente de las cuerdas americanas: el jazz, el country, el blues.

Formado en guitarra clásica, el presente disco es la tercera producción del músico valenciano luego de haber editado Cuadernos de Viaje Vol 1: OCTOPUS (2006) y Twanguero (2008).

Revistas especializadas como 20th Century Guitar o Guitar Player Magazine han vislumbrado en García gran influencia de inmortales exponentes del instrumento, tales como Danny Gatton, Pat Metheny o Stevie Ray Vaughan.

El álbum fue masterizado por el productor Joe Lambert, quien ha trabajado con músicos como Johnny Cash y la banda The Black Crowes. Para su grabación prestaron su talento los músicos Tony Mason (Norah Jones, Charlie Hunter, Jim Campilongo) en la batería y Nick D’Amatto (Lizz Wright, Poppa Chubby) en el bajo, quienes constituyen junto con García el DG Trio.

RMM/IM

El nombre de la pieza es ATOM, sigla deliberada, como “átomo”, pues la pieza pretende emular las reacciones eléctricas, el movimiento relampagueante, que dichas partículas experimentan en la conformación de una molécula compleja. Como una gigantesca reproducción interactiva del modelo de Bohr.

En la instalación los globos funcionan como focos enloquecidos, bombillas artificiales que se mueven, se encienden y se apagan en fracciones de segundo guiadas por el estímulo de la música. Música que es ritmo. Ritmo generado por computadora que suena a martilleo, a piano, a canto de cigarra.

El montaje engloba –literalmente– numerosas disciplinas artísticas y es en sí mismo arte, o pretensión de arte, una suerte de escultura móvil, lumínica y sonora. En todo caso, ejemplo de creatividad. Es por ello que la pieza ha sido presentada en el Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica, con sede en las ciudades canadienses de Quebec y Montreal, y el cual tiene en la Ciudad de México un espacio a la manera de foro alterno.

Henke, músico y miembro fundador de la agrupación Monolake, se hizo mundialmente famoso por participar en la creación del software Ableton, uno de los más avanzados software para la edición de audio que incluye una extensa librería de cualquier tipo de sonidos.

Bauder, por su parte, es un reconocido diseñador informático especialista en soportes multimedia. Entre sus trabajos se encuentran proyectos como “Crystal Chandeliere”, “Polygon Playground”, “Lichtgrenze” y “Midigun”, este último, un sintetizador completamente funcional construido con la forma de una arma de fuego (de ahí el nombre: “midi”, siglas en inglés para Interfaz Digital de Instrumentos Musicales, y “gun”, literalmente, arma de fuego).

Esta semana la pieza ATOM se presentó cuatro ocasiones en tierra mexicana, tres como parte del Festival Internacional Cervantino, en la capital guanajuatense, y una, anoche, en El Plaza Condesa como parte de la serie A/VISION del festival MUTEK MX 2011 en la Ciudad de México.

AN22/IM

Performance en el Centre Pompidou, Paris, 4 de abril de 2008 / Foto: ©Justine Lera

En la presente edición, el FIC, también llamado “Fiesta del Espíritu”, recibe como países invitados a Suecia, Noruega, Finlandia y Dinamarca, así como al estado de Nayarit. En el marco del festival se realizarán exposiciones y encuentros entre artistas nórdicos y mexicanos. Asimismo, este año se celebrará la primera Feria del Libro de las Artes.

Durante la ceremonia de inauguración, realizada en el Teatro Juárez de la capital guanajuatense, se otorgó de manera póstuma la presea FIC a la Trayectoria Artística al dramaturgo guanajuatense Héctor Mendoza (1932-2010), por su aporte al teatro moderno.

Mendoza, considerado como uno de los pilares del teatro en México, fue director de escena, investigador y catedrático en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) desde el año 1969 y hasta poco antes de su muerte. El galardón fue recibido por su hijo, Rodrigo Mendoza.

Presencia de países nórdicos

En el marco del FIC, compañías y agrupaciones de danza, teatro y música, entre otras disciplinas provenientes de los países nórdicos realizarán diversas presentaciones en lugares públicos y recintos culturales de Guanajuato.

La Compañía de Danza Zero Visibility Corp., proveniente de Finlandia, presentará un trabajo con 19 bailarines que se reúnen para explorar el cuerpo y el alma de la mujer. Dinamarca mostrará la variación del arte danés a través de una selección amplia, que incluye al coro Ars Nova y la agrupación de jazz The New Jungle Orchestra.

Por su parte, Noruega presentará una selección de figuras destacadas como la Oslo Camerata, el Cuarteto Vertavo, Knut Reiersrud, la intérprete Mari Boine o el pianista Geir Henning Braaten, entre otros.

Suecia dará a conocer diferentes elementos de la escena melómana local: Hugo Ticciati y Michael interpretarán música clásica; el compositor Ake Parmerud ofrecerá conciertos de música electroacústica y el dúo Minilogue se presentará en el marco de MUTEK, el encuentro de música electrónica del FIC.

Además se presentarán dos antologías nórdicas publicadas por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, una de poesía y la otra de cuento corto, así como la proyección de diversos filmes nórdicos.

Los dones de la naturaleza

La directora general del FIC, Lidia Camacho, dijo que este año comienza un nuevo ciclo para el Festival, al establecer un eje temático que busca llevar a la reflexión y al compromiso.

El tema “Los dones de la naturaleza” tiene como objetivo sembrar una pequeña semilla para contribuir con el rescate del entorno ecológico y preservar el planeta Tierra para las futuras generaciones.

Lidia Camacho anunció el arranque del proyecto “Bosque de los Artistas”, en el cual los participantes del festival plantan un árbol en el Parque Bicentenario, ubicado a cinco kilómetros de la capital del estado.

Este proyecto es acorde con el eje temático que eligió el Festival para este año, porque busca evidenciar la importancia de la naturaleza y el arte. La directora del FIC mencionó que el 28 por ciento de las actividades del programa del festival están relacionados con el tema.

De igual forma, se lanzó el Concurso de creatividad artística para jóvenes 2011, en las categorías de Paisaje Sonoro y Postal Digital, donde los concursantes podrán participar con piezas que evoquen el vínculo entre el arte y la naturaleza. Los primeros lugares de cada categoría serán premiados con un viaje al Reino Unido para asistir al Festival internacional de Edimburgo.

RMM/DH

“Now she knows” de la compañía noruega Zero Visibility Corp. Foto: Erik Berg

Foto: Zach Hoskin

Edmonton, Canadá.- Es apenas miércoles y el rumor en cuanto a planes para el fin de semana ya se empieza a esparcir. No se trata esta vez de salir a acampar, organizar una carne asada o construir la terraza, aun cuando el clima es perfecto –cuatro días seguidos a más de 20 grados es una verdadera rareza–. No; este fin de semana sólo hay dos tipos de edmontonianos: los que van al Gallagher Park y los demás. Los que deciden jugar al hippie posmoderno y el resto. Bienvenidos a la aldea del Festival de Música Folk de Edmonton.

Durante el invierno, las colinas del parque Gallagher en el modesto centro de Edmonton, funcionan como campo de esquí. En el verano la inclinación natural resulta inigualable para montar siete escenarios más el principal. Para llegar es necesario caminar, tomar el autobús o llevarse la bici y asegurarla a cualquier poste, pues no se permite estacionar el coche en las calles aledañas.

Una amplia diversidad de público asiste mientras que los vagabundos deciden apreciar gratuitamente los actos desde las afueras del parque. Gracias a la destacada organización, hay espacio para todos: desde zonas designadas para discapacitados junto al escenario principal, áreas de juegos para niños, beergardens, lugar exclusivo para fumar y tiendas de campaña; hasta incluso un “muro de intercambio” de boletos o swapboard para aquellos desafortunados que no pudieron conseguir los tan codiciados pases, agotados en dos horas.

El Ritual

Varios de los afortunados que sí lograron comprar sus entradas por teléfono, también deciden asegurar un buen lugar en la colina. Las largas filas para entrar se forman cuatro horas antes del inicio del festival y rodean el parque. Grupos de veinte personas que parecen excursionistas entran junto con gaitas escocesas que los escoltan hasta las primeras filas. Entre lonas, sillas y bloqueador solar, el gesto de bienvenida y reconocimiento a la dedicación corre por parte del staff.

Vale la pena una mención especial a los voluntarios que, en gran parte, hacen posible el evento, además de darle la calidad necesaria para destacar internacionalmente. El trato, su dirección y disposición también es premiado con exclusivas fiestas donde tocan bandas del cartel al terminar la jornada. Por supuesto, los rumores se escuchan entre voluntarios y artistas antes y después del festejo.

En términos prácticos, el plan para asistir al Folk Fest puede ser tanto austero como lujoso. Las concesiones de comida en el festival tienen buena reputación en la ciudad, y por lo tanto, a ésta equivale el precio. Desde waffles orgánicos de $4 dólares hasta cenas completas de comida hindú o italiana por $16. La alternativa para no gastar más de la cuenta en alimentos es llevar los propios. Se permite incluso entrar con hieleras –sin bebidas alcohólicas–, sombrillas, lonas y sillas de ciertas medidas.

Una vez que el monte se pinta de plástico azul, es buena idea reconocer el lugar. Merodear descalzo por los escenarios y el sitio en general, es más que pretensión. El clima no obedece a ningún patrón, especialmente en la provincia de Alberta. Las temperaturas fueron de los 13 a los 30 grados, con lluvia exprés, vientos y arco iris.

No importa la excentricidad en el vestuario mientras sea cómodo. Los que asisten en plan lujoso deciden empacar ropa contra lluvia, botas y un par de frazadas por si acaso. Para aquellos en plan austero, el pasto es el mejor aliado para disfrutar el golpeteo de la lluvia sobre el cuerpo.

El Festival

La peculiar voz y energía de Imelday May inauguraron el escenario principal la tarde del jueves. Momentos después tocó el turno a Edward Sharpe and the Magnetic Zeros en uno de los actos más esperados. Prueba superada. Alex Ebert, vocalista de la banda, tradujo su buena vibra mientras caminaba descalzo entre la gente entonando Home y 40 Day Dream. Lo hippie, más que cliché, se fue tornando realidad tangible conforme pasaron las horas. Más tarde, los característicos rostros inexpresivos de los Gipsy Kings cerraron la jornada entre miles de velas –a 2 dólares cada una– que alumbraron la noche.

Pero la grata sorpresa de este evento son los talleres o workshops con un nivel protagónico que le da buena batalla al del set principal. Se trata de escenarios más discretos que hospedan sesiones entre artistas de diferentes ritmos, contextos y nacionalidades. El resultado: fusiones eclécticas para nada despreciables, que de sólo escuchar los nombres en primera instancia, no parecen tener mucha lógica.

La cuestión es atreverse a imaginar un violín de Chicago, percusiones nigerianas y jazz de Nueva Orleans juntos en el mismo escenario. Andrew Bird y su característico silbido melódico se encontró con la música tradicional africana de Etran Finatawa y la enorme doble trompa de The Preservation Hall Jazz Band. Es casi como el platillo más raro y aparentemente poco apetitoso que termina por ser la exquisitez del menú.

La multiculturalidad canadiense encuentra terreno común en el folk y lo refuerza con talleres que la gente sabe apreciar. La banda canuck The Paperboys fue otro destacado de la tarde sabatina, combinado con reggae a cargo de Mighty Popo y Alpha Yaya Diallo. Resulta satisfactorio encontrar en el extranjero un colectivo de origen mexicano, sólido y bien armado, experimentando con ritmos ajenos a lo tradicional sin perder su esencia latina.

Tom Landa, líder de The Paperboys, decidió dejar de ser chilango a los 15 años para formar su agrupación en Vancouver. Ellos basan su música en el son jarocho y juegan con ritmos celtas, bluegrass, tintes de ska y country. Durante su colaboración con artistas africanos, estos músicos desmitificaron al frío canadiense promedio y lo pusieron a mover el cuerpo.

El objetivo es liberar la energía. No importa en qué formato ni ritmo o arritmia, la gente baila como sea, por todo el sitio, todo el tiempo; de pié, con el hula hula o en silla de ruedas. Todos tienen lugar: voluntarios, miembros del staff, espectadores e incluso los vagabundos que deambulan fuera del parque. Delhi 2 Dublin reforzó la fiesta con sonidos de guitarra hindú mezclados con beats electrónicos, en uno de los conciertos vespertinos con más audiencia.

La banda Noah and the Whale contribuyó a la atmósfera festiva con un poco de brit rock, justo antes de partir hacia Grant Park, Chicago. La expectativa era alta al ser uno de los actos principales; sin embargo, lograron satisfacerla con un repertorio variado y el público lo agradeció. Más tarde, el legendario trío Taj Mahal cerró el día con una buena dosis de blues.

Jeremy Fisher y The Deep Dark Woods representaron dignamente la esencia del folk canadiense. El estilo de Fisher es simple, cotidiano y contagioso, por lo que ha sonado tanto en radio popular como alternativa. The Deep Dark Woods, instalados en las historias del chico de campo, tocaron las fibras de los canadienses aunque éstos se resistan a aceptarlo. Aquí el country sí termina por conmover. Vale la pena también seguirle el paso a Scenic Route to Alaska quienes, originarios de Alberta, demostraron el potencial local para retomar el country y convertirlo en rock mucho más ruidoso y emotivo.

Con el paso de los días y las últimas horas del festival, comienza la melancolía. No sólo significa el término de la fiesta, sino prácticamente las últimas semanas calurosas. El verano es corto, y aunque éste es el evento más esperado de la temporada, representa también una marca en el tiempo: de ahora en adelante, los días serán cada vez más cortos.

El Festival de Música Folk de Edmonton no es sólo una actividad recreativa y rentable para la ciudad, también es una exhibición artística de calidad internacional que une a la comunidad entre voluntarios, espectadores, artistas y organizadores. Universitarios y vagabundos. Propios y extraños. Canadienses y mexicanos. Hasta el próximo año.

***

– English version –

Edmonton Folk Music Festival: the land of the postmodern hippie

by Sandra Murillo

Edmonton, Canada.- It’s barely Wednesday and already the rumors are spreading about weekend plans. This time, however, the discussion is not about camping, having a BBQ, or building the deck, even though the weather is perfect –four days in a row above 20 degrees seems to be a true peculiarity here–. No, this weekend there are only two types of Edmontonians: those who are going to Gallagher Park and the rest. Those who decide to play the postmodern hippie game and everybody else. Welcome to the Edmonton Folk Music Festival village.

During winter, Gallagher Park in the modest downtown of Edmonton, Alberta, serves as a ski hill. In summertime, the natural inclination of the ground turns out to be incomparable to set up seven small stages and the main stage. You can walk, bus or even bike to the festival, since there is a post available in almost every corner close by, and since it is not permitted to park cars in the neighborhood.

A broad range of people attends the festival, while the homeless enjoy every performance for free from the other side of the fence. Thanks to the outstanding organization, there is room for everybody: from designated areas for handicapped just by the main stage, to playgrounds, beer gardens and smoking spots. Even a swap board is available for the unfortunate ones who could not get tickets, which sold out in two hours.

The Ritual

Some of the lucky ones who managed to buy their tickets by phone also decide to assure their spot on the hill. People start lining up, literally surrounding the park, a good four hours before the kickoff. Gatherings of 20 people get in among Scottish bagpipes, which escort them to the front rows. Between tarps, chairs and sunblock, the staff welcomes the most dedicated festivalgoers.

A special mention to the volunteers is worthy, since they pretty much make the event possible. Their manners, direction and disposition are also awarded with exclusive parties where some of Folk Fest bands play at the end of the day. Of course, stories run wild among volunteers and artists before and after the celebration.

Basically, there are two ways of attending the festival: austere and deluxe. The food franchises have a decent reputation in the city, which is reflected in their prices. The range goes from 4 dollar organic waffles to 16 dollar Indian or Italian dinners. The option to avoid spending more than necessary on food is to carry your own.

Once the hill is painted in plastic blue, it is a good idea to get acquainted with the place. Wandering around shoeless in the park is more than a mere pretension. The weather does not obey any particular trend in Alberta. The temperatures were from 13 to 30 degrees, with short storms, winds and a couple of rainbows. It does not matter how eccentric one’s clothing is, as long as it is comfortable. Those on the deluxe plan might decide to pack their rain gear, boots and some blankets, just in case. For the austere festivalgoers, grass is their best ally to enjoy the rain au naturel.

The Festival

Imelda May’s energetic voice opened the main stage on Thursday afternoon. Later on, Edward Sharpe and the Magnetic Zeros went onto the stage in one of the most anticipated moments of the night. Expectations exceeded. Alex Ebert, the band’s front man, transmitted his vibe with Home and 40 Day Dream while walking barefoot among people. The cliché of hippie turns into tangible reality as time runs by. The Gipsy Kings’ inexpressive faces came at the end of the day, among thousands of 2 dollar candles that lit up the night.

The nicest surprise of the festival was the so-called workshops, which almost stole the leading role from the main stage performances. Discrete platforms host sessions between artists of different rhythms, backgrounds and nationalities. The outcome: eclectic fusions that might not make much sense at first.

It is all about daring to imagine a violin from Chicago, percussions from Nigeria and jazz from New Orleans together on the same scene. Andrew Bird and his tuneful whistle met the traditional African sound of Etran Finatawa and the huge tuba of The Preservation Hall Jazz Band. Almost like the most bizarre and least appetizing dish that ends up being the most exquisite on the menu.

The Canadian multiculturalism finds common ground in folk music and it is reinforced with workshops that the festivalgoers appreciate. The Canuck band, The Paperboys, was one of the Saturday’s afternoon highlights along with Mighty Popo’s reggae and Alpha Yaya Diallo’s mix. It is satisfying to find abroad a solid, well-armed Mexican collective that experiments with rhythms far from their own tradition, but still keeps their Latin essence.

Tom Landa, lead singer from The Paperboys, decided to leave his hometown at the age of 15 to later become a musician in Vancouver. Their music is based in the son jarocho while playing around with Celtic melodies, bluegrass, some ska and country. During their performance with the African artists, The Paperboys destroyed the myth of the cold Canadian and put him in the dancing spot.

Release of energy is the main goal. What matters is not really the way or the rhythm, or even arrhythmia, in some cases. The carefree public dances away all around the park all the time: standing up, with the hula-hoop, or in a wheelchair. Delhi 2 Dublin lit up the party with their combination of Indian guitars and electronic beats, in one of the most attended shows of the festival.

Noah and The Whale contributed to the atmosphere with a bit of brit rock, just before heading to Grant Park, Chicago. The expectation was high, as they were one of the main acts; but they managed to meet expectations with a varied set list that people appreciated. Later on, Taj Mahal closed the day with a solid dose of blues.

Jeremy Fisher and The Deep Dark Woods stood up decently for the essence of local talent. Fisher’s style leans more to the pop side: simple, common and contagious. Both the mainstream and alternative radio stations have played his tunes for quite a while. The Deep Dark Woods, a fair representative of Canadian folk, base their songs on the country-boy story. The fans were moved by the lyrics even though they refuse to admit it. Here, country music ends up touching people’s feelings. It is worth mentioning that Scenic Route to Alaska constituted a big Albertan surprise, demonstrating their potential to pick up country sounds and integrate them into a much more emotional, noisier rock.

Days go by and as the last hours of the festival wind down while a sense of the summers-end melancholy sets in. This not only means that the party has come to an end, but also the advent of the last hot weeks. Summer is brief here, and even though this is the most anticipated event of the season, the Folk Fest’s end also represents that, from now on, days will be shorter.

The Edmonton Folk Music Festival is not only a recreational activity profitable for the city, but also a first-class artistic exhibition that unites the community among volunteers, festivalgoers, artists and organizers. Students and homeless. Natives and foreigners. Canadians and Mexicans.

We’ll see you next year…

Photograph by Zach Hoskin

Ciudad de México, 17 de septiembre, 11:00pm. Es tercer día de un agotador “puente” de fiestas patrias. Me preparo para dormir y en mi mente hay una sola cosa: “mañana, después de más de diez años de espera, X Japan pisará suelo mexicano” Sin embargo la alegría no es plena, hay una mala noticia, yo, como muchos otros seguidores de la agrupación japonesa, no cuento con boletos para asistir al concierto.

¿Cómo es eso? Una gran fan sin boletos. Las entradas estuvieron a la venta desde el mes de junio y la respuesta de sus fanáticos no se hizo esperar. Se agotaron todas las localidades en un par de días. A pesar de ello, como buena fan, y después de pasar por una serie de reacciones que iban desde indiferencia, pasando por la frustración, la envidia y el dolor, llegué a la determinación de ir a cazar boletos, no importaba si para eso debía vender mi alma a algún revendedor.

Traté de dormir lo más que pude, mi estomago estaba revuelto, mis manos congeladas, temblaba como gelatina mal cuajada y entre sueños pedía lograr mi objetivo, conseguir un boleto.

18 de septiembre, 10:00am

Desperté después de una noche intranquila. Hoy era el día, uno que estaría grabado en mi memoria para bien o para mal por el resto de mi vida. Revisé Facebook en busca de comentarios del líder de X Japan, quien horas antes publicaba su experiencia en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México, el cómo una gran cantidad de seguidores fue a recibirlos. Fue ahí, perdido en tal amasijo de comentarios, que encontré un pequeño mensaje de una mujer que vendía sus boletos. Estaba hecho.

Llegué al Circo Volador a las 4:00pm, el lugar estaba lleno de cientos de fanáticos que vestían con vestidos negros a petición expresa de los organizadores y del grupo porque éstos deseaban incluir su paso por México en un DVD conmemorativo como evidencia de su visita en Latinoamérica.

Aquello era un caos, marabunta de asistentes, revendedores, puestos de comida –desde elotes y hamburguesas, hasta pan al vapor y sushi–, y los comerciantes de cualquier tipo de mercancía relativa al grupo. Perdida entre todo ese desorden me dirigí hacia un miembro del staff para preguntar dónde debía formarme, cosa inútil ya que no supieron decir nada. Lo que era cierto es que pasó una hora y media y no había señales de que habría pronto acceso.

Se asignaron filas para cada tipo de boleto. Los de “X-Zone” para los afortunados que estarían junto al escenario; los que tenían “preferente” se colocarían en medio; y los generales, para la gente como yo, ocuparían en espacio vacío a lo lejos, en las alturas.

Por más de una hora bajo el sol esperamos en una fila interminable. Pero había algo en el ambiente, después de todo yo no era la única que esperaba con ansia creciente dicho momento. Los ávidos asistentes se limitaban a compartir recuerdos de su experiencia con la música de X Japan, bromas sobre la edad de los integrantes, el público ponía ambiente porque sabían que dentro de unos minutos verían un sueño convertirse en realidad.

Finalmente, sorteando con éxito la insolación, logramos ocupar nuestros lugares dentro del recinto. Me alegré al ver que las proporciones del lugar me permitirían ver con claridad el escenario. Una sonrisa complaciente se dibujó en mi rostro mientras mi estomago sufría accesos de ansiedad, mis manos se entumían y mi mente repetía “Estás aquí, es real”. Mi corazón se aceleró cuando de pronto unas figuras aparecieron en el escenario, cuál fue nuestra sorpresa al descubrir que no era la banda la que saltaba al escenario sino un grupo de mariachis que los organizadores consiguieron para dar el saludo de la casa a X Japan.

Pronto cantábamos al unísono “Cielito Lindo”, aplaudíamos, brincábamos; la energía desbordaba el lugar. Gritos como “¡Viva México!” y “¡We are X!” hacían surgir una especie de placentero nacionalismo, queríamos que nuestros ídolos jamás se olvidaran de nosotros, de México.

El mariachi abandonó el lugar, esperamos un suplicio de treinta minutos pero antes de que la multitud se amotinara, las luces del lugar desaparecieron. Mi corazón aceleró su marcha mientras el recinto se llenaba de gritos. Desde el fondo del escenario se iluminó una pantalla y en ella una majestuosa “X” se formó, todos entendíamos el código, todos sabíamos qué hacer: gritar “X”, “X”, “X”… “¡We are X!”

De pronto nuestros oídos, nuestros ojos fueron testigos de lo imposible, Yoshiki se despojaba de su abrigo para tomar lugar frente a la batería, seguido de los legendarios Pata, Heath, Sugizo y Toshi…

Xperience

“Jade” fue la canción elegida como carta de presentación, todos los asistentes cantábamos eufóricos; era increíble, parecía que nada en el mundo podía superar esa sensación hasta que llegó “Rusty Nail”, sí, la clásica canción que había escuchado años atrás en un casete desmagnetizado, ininteligible, uno que había comprado en una convención de cómics muchos años atrás. Miré alrededor, todos estaban envueltos en la magia del momento, yacíamos allí, en verdadera comunión.

Sugizo, despejando cualquier duda como miembro de la banda, asombró a los presentes mostrando tanto su talento como guitarrista como su virtuosismo al violín, al ejecutar, entre otras piezas, el mismísimo Himno Nacional Mexicano, como muestra de afecto a los fans. Las reacciones no se hicieron esperar, aplausos incontrolables al termino de sus ejecuciones, silencio respetuoso mientras él nos regalaba un momento de tranquilidad y belleza entre la euforia. Los minutos trascurrieron cual agua, todos gozamos y nos estremecimos con canciones como “Drain” o “Born to be free”.

Pero llegó el momento, comenzó a sonar la canción que lleva el nombre del grupo, “X”, su pieza emblemática. Aquella canción que escuchaba cuando algo iba mal, cuando peleaba con gente querida o estaba triste, aquella canción que representa los ideales de cambio de una generación entera.

La multitud despertó como una fiera. Un inmenso grito surgió de miles y miles de gargantas, personas apasionadas por los acordes de unos pocos instrumentos.

No lo podía creer. Mis rodillas temblaron, mi garganta tenía un nudo que solo podía ser liberado cantando y gritando. Brinqué como no lo hacía en mucho tiempo, mientras cruzaba mis brazos en forma de “X” y las lágrimas caían en torrente por los bordes de nuestras mejillas al ver cumplido un sueño colectivo. Fue sin duda el momento más intenso de la noche.

Una pausa. La presentación de los miembros, “¡We are X!, ¡We are X!” fue el grito de guerra mientras Yoshiki se lanzaba a un público hambriento de él, volviendo locos a los fans y a el quipo de seguridad.

De regreso en el escenario, se acababa su voz gritando con el auditorio. En un momento sublime y vertiginoso, Yoshiki arrojaba cosas, mojaba a su público y se entregaba al piso con la fuerza de su voz. Todos los asistentes disfrutábamos cada momento, éramos parte, era real.

X Japan dedicó cálidas palabras de amor por México y se despidió… pero nosotros no, necesitábamos más, aún no pensábamos irnos. El auditorio rugía en espera del pronto reencuentro y después de un corto lapso reapareció el hombre sensación de la noche, Yoshiki, ataviado con un gran sombrero típico mexicano y envuelto por la bandera tricolor agradeció una vez más al público asistente las muestras del cariño recibido. Su piano comenzó a tocar y el resto de grupo se le unió.

Yoshiki mencionó la gran pérdida de dos de sus amigos y ex compañeros de la banda: HIDE por quien los gritos no se hicieron esperar y Taiji quien fue sorprendido hace apenas unos meses por la sombre de la muerte. Notablemente conmovido, el líder comenzó a tocar aquella tonada por todos conocida. “Endless rain” llegó a nosotros y con ella las lágrimas de los pocos que no se habían entregado aún a la melancolía. Finalmente “Art of life” fue la encargada de cerrar el recital de la noche, uno que nadie quería que terminara pero que afrontamos con el espíritu en alto. Todos estábamos satisfechos y felices.

Yoshiki de nuevo se lanzó a su gente complacida por tenerlo entre sus brazos. Y con esto la participación de la banda había concluido, pero de fondo teníamos otra canción emblemática la cual cantamos para ellos “Forever love”. Cada miembro agradeció y con lágrimas aplaudimos los últimos momentos de la banda sobre el escenario, disfrutábamos cada segundo que nos quedaba con ellos y después de unas reverencias y gritos, por fin, se fueron.

Un desfile de zombies aún embelesados comenzaron a desalojar el lugar, todos hablaban de lo especial que había sido, de lo profesional de los músicos, de recuerdos, de deseos, de X Japan. Yo tenia una sensación de triunfo, sí, la organización no fue la mejor, comenzaron una hora y media después del plan, pero, todo, absolutamente todo valió la pena. Fue una de las experiencias auditivas, visuales y corporales más intensas, más sorprendentes, más increíbles por las que he pasado.

Las palabras más precisas para describir dicha experiencia fueron las escritas por el mismo Yoshiki en la mañana siguiente al concierto, vía Facebook: “We Fxxkin ROCKED!! I used every single energy I had in my body…! I can’t even stand up…!”