Próspero se cultiva en el estudio de la Magia y se comunica con espíritus. Por medio de las artes ocultas, la locura y la traición, espera realizar un encantamiento para consumar la ansiada venganza contra sus antiguos enemigos.

Dicha es la trama de La Tempestad, obra póstuma de William Shakespeare, estrenada hacia el mes de noviembre de 1611. La obra fue montada con el motivo de celebrar la boda entre Isabel Estuardo, hija del rey Jacobo I, y el príncipe Frederick de Heidelberg. Ahora, 400 años después, la obra se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural Universitario bajo la dirección de Salvador Garcini.

La puesta en escena reúne la experiencia de actores como Ignacio López Tarso (Prófugo), Rafael Inclán (Antonio), Luis Coutier (Gonzalo), Roberto Sen (Sebastián), Abraham Stavans (Adrián) y Felio Eliel (Rey de Nápoles) y la creciente calidad actoral de los jóvenes histriones Lorena del Castillo (Miranda), Osvaldo de León (Fernando), Violeta Sarmiento/ Paola Izquierdo (Ariel), y Horacio García-Rojas (Calibán), entre otros.

En su nota introductoria, Salvador Garcini comenta al respecto de la obra: “Esta unión de la madurez con la juventud, del maestro con el alumno, del conocimiento con la intuición, es el propósito fundamental de la Universidad con esta puesta en escena, donde todos se vuelven uno en el escenario y cualquier cosa puede ocurrir, puesto que sucede en el mundo de los sueños”.

Y hablando de jóvenes intérpretes, uno de los personajes que más impresionó al público fue el monstruo Calibán (Horacio García-Rojas), mitad reptil mitad hombre, un ente esclavizado por Próspero, quien representa el aspecto instintivo y material del ser humano, contrario al subyugado, Ariel, quien denota la parte espiritual de los hombres.

“Este es el mundo de nosotros, junto a los personajes, estamos condenados a vivir, hasta que la piedad sugerida por Ariel, espíritu servil de Próspero, introduce la luz en su corazón y éste comprende que el perdón es la llave que abre las puerta del amor profundo y verdadero, el cual deja de ser una ilusión para volverse la única realidad”, declaró Garcini, director de escena.

Por su parte, una entrevista reciente el reconocido histrión Ignacio López Tarso declaró sentirse arropado por la dramaturgia de Shakespeare: “Primero hice Macbeth, luego Otelo, después El Rey Lear y ahora La Tempestad, entre las cuatro definen muy bien el gran talento del dramaturgo inglés, que no tiene límite porque coloca a los personajes a la orilla del precipicio y ahí los rescata”.

El elenco está formado también por Edgar Omar Moreno, Rodrigo Alcántara, Isaac Pérez, José María Seoane, Roberto Duarte, Ixchel de la Rosa, Mitzi Elizalde, Nayelly Acevedo, Erandi Mondragón, Mireya González y Claudia Pastrana.

Con funciones jueves, viernes y sábado a las 19:00 horas, y los domingos a las 18:00 hrs., la temporada se extenderá hasta el próximo 20 de noviembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur #3000.

Otra vuelta de tuerca es una historia de fantasmas ambientada en una casa de campo victoriana donde llega una institutriz a cuidar a dos niños, Miles y Flora. Las circunstancias de su llegada son extrañas y al poco tiempo la institutriz empieza a comprender el oscuro pasado que amenaza a Miles y a Flora. La música de Britten acompaña magistralmente la tensión dramática del texto.

El papel de la institutriz fue interpretado con suficiente destreza por la soprano galesa Fflur Wyn. Samuel Boden (quien recibió lo más entusiastas aplausos por su más que brillante actuación) y Lourdes Ambriz representaron los papeles de los fantasmas de Peter Quint y la Srita. Jessel. La talentosa Encarnación Vázquez en el papel del ama de llaves la Sra. Grose. Flora y Miles fueron representados por Erin Hughes y Leopold Benedict. Al frente del Ensamble Filarmonía estuvo el célebre director Jan Latham Koenig. El resultado fue una combinación de talentos bastante buena que recibió al finalizar una ovación entusiasta por parte del público asistente.

El libreto de Otra vuelta de tuerca fue escrito por Myfanwy Piper y la ópera fue estrenada en el Teatro La Fenice de Venecia el 14 de septiembre de 1954 bajo la dirección musical de Benjamin Britten. Musicalmente, la ópera está basada en un tema de doce notas que Britten maneja a través de variaciones y transformaciones diversas.

Cabe aún destacar el gran trabajo en la dirección de escena realizado por Michael McCaffery; su trabajo sumó a la calidad musical que ofreció esta ópera un manejo visual de los espacios y los personajes que respaldó la fuerza dramática de la obra sumergiendo al público en un ambiente decadente e inquietante.

Otra vuelta de tuerca fue un gran acierto y un éxito que esperamos que se repita en otras producciones de calidad comparable.

OZ

(Mex) En la sala Nezahualcóyotl, los pasados días 14, 16 y 17 de julio, la Orquesta Sinfónica de Minería presentó en el tercer programa de su temporada 2011, la Sinfonía no. 7 del compositor bohemio-austíaco Gustav Mahler.

En esta ocasión se conjuntaron bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, la Orquesta Sinfónica de Minería y la Orquesta de las Américas para interpretar la mencionada sinfonía en cinco movimientos, cuya duración alcanza casi la hora y media.

Esta presentación forma parte del enorme y loable esfuerzo que desde la temporada pasada ha realizado la Sinfónica de Minería para presentar de manera íntegra la obra de Gustav Mahler.

La Séptima se terminó de escribir en 1905 y fue estrenada en 1908 con una respuesta de absoluta indiferencia por parte del público. No obstante, la aprecicación de la obra ha cambiado, y siendo la Séptima actualmente una de las más célebres sinfonías de este compositor, podría decirse que la interpretación que ofreció la Sinfónica de Minería junto con la Orquesta de las Américas estuvo a la altura de la celebrada partitura. Muestra de ello fue el caluroso y prolongado aplauso con el cual el público agradeció entusiasmado al director y a sus músicos por tan brillante actuación.

Quedan aún seis programas por disfrutar en esta temporada de la Sinfónica de Minería, y en todos ellos encontrarán la presencia de Mahler. Este jueves 21, sábado 23 y domingo 24 se presentarán el cuarteto de cuerdas de Franz Schubert orquestado por Gustav Mahler La muerte y la doncella y el Concierto para piano no. 2 de Johannes Brahms con Jorge Federico Osorio al piano. Las presentaciones son jueves y sábados a las 20:00 hrs. y domingos a las 12:00 hrs. en la Sala Nezahualcóyotl, ubicada en el Centro Cultural Universitario de Ciudad Universitaria.

OZ/IM

Dicha exposición es el resultado de un intenso trabajo de más de dos años de investigación de Fernando Gómez Aguilera.  La muestra vio la luz por primera vez en 2007, en la sede de la Fundación César Manrique en la Isla de Lanzarote, España; posteriormente, viajó a Lisboa, Portugal, y a São Paulo, en Brasil.Ahora en colaboración con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Gobierno del Distrito Federal, las fundaciones César Manrique y José Saramago de España y el Antiguo Colegio de San Ildefonso llega a México esta sobresaliente muestra.

En un comunicado de la Coordinación de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, a través de su Diario Digital, se expresó que esta muestra “abordará la vida y obra de Saramago: su importancia en el mundo de la literatura universal, su dimensión sociopolítica y su faceta vinculada al compromiso social.”

Dentro de este homenaje se exhibirán por primera vez un compendio integrado por un abundante material escrito, gráfico y audiovisual: obras inéditas, manuscritos, notas personales, traducciones, fotografías, videos y grabaciones originales. De esta forma la Coordinación de Cultura de la UNAM afirmó que se quiere “trazar un recorrido por la vida literaria del escritor, así como explorar las claves de su imaginario, no sólo desde el momento de su reconocimiento internacional, sino desde periodos menos conocidos de la trayectoria del escritor. Este aspecto confiere a la muestra una indudable singularidad.”

José Saramago. La consistencia de los sueños estará integrada por más de 500 documentos originales, además de otros tantos digitalizados, presentados bajo un diseño museográfico innovador que combina los recursos convencionales con los soportes digitales y audiovisuales, informó San Ildefonso en un boletín.

A partir de julio de 2011. Antiguo Colegio de San Ildefonso. Justo Sierra 16, Centro Histórico. Tels. 5789 2505 y 5702 2991.

RL

(Mex)El filósofo hispano-mexicano Adolfo Sánchez Vázquez (nacido en Algeciras, Cádiz, el 17 de septiembre de 1915) ha fallecido el día de hoy, 8 de julio a las 10:20 hrs., a causa de una neumonía. 

 Su compromiso con el socialismo y su militancia política antifascista lo llevaron a afiliarse a la Juventud Comunista en su mocedad. Fue en esa época el director del periódico Ahora de las Juventudes Socialistas Unificadas. Así también, y gracias al estímulo de Emilio Prados, desarrolla su talento literario manifestado en sus notables escritos poéticos a partir de los años 30. Ambas dimensiones propiciaron en el autor la vocación de estudiar filosofía para investigar los problemas fundamentales entorno a sus dos grandes actividades intelectuales y prácticas, mediante la investigación de la estética y la filosofía política.

En 1935 inició el estudio de la filosofía en la entonces Universidad Central de Madrid (hoy Complutense de Madrid), la que abandonaría inconclusa por la presión del franquismo. Cabe destacar, no obstante, que la primera carrera que eligió el joven Sánchez Vázquez fue la de Letras en la Universidad Nacional Autónoma de México. De esta época, y a causa de sus relaciones con importantes escritores refugiados españoles y mexicanos, participa en la fundación de las revistas Romance, España Peregrina y Ultramar. Publicó su primer libro de poesía intitulado El Pulso ardiendo  (1942). Posteriormente se integra de manera permanente a la carrera de filosofía en la Facultad de filosofía y Letras de la UNAM. Ya como licenciado imparte sus primeras cátedras en la Universidad nicolaita de Morelia, en Michoacán. En 1959 adquiere el nivel de profesor de tiempo completo en la UNAM, en donde su práctica docente se realiza en las cátedras de ética y estética durante 50 años ininterrumpidos en la Máxima Casa de Estudios.

En el entendido de su discípulo más notable, Gabriel Vargas Lozano, la obra de Sánchez Vázquez se ha desarrollado en disciplinas tales como: la ética, la estética, la filosofía política, la filosofía de la historia y crítica literaria.

En el campo de la estética ha realizado varias aportaciones trascendentales.  Una de las cuales se presenta en su primera obra publicada, Las ideas estéticas de Marx (1965),  a la que le sigue una amplia antología de Estética y Marxismo (1970). En estos textos, Sánchez Vázquez elaboró una teoría del arte a partir de la noción del trabajo creador y productor (y no como actividad reiterativa) del ser humano (como la nota esencial de éste), a partir de los manuscritos del joven Marx de 1844. En este sentido, se opuso de forma rigurosa al simplismo del realismo socialista y del modelo no-marxiano de la superestructura ideológica y, por consiguiente, de examinar el arte únicamente como una derivación secundaria. 

 Asimismo, examina el valor de la ética en el socialismo. Sánchez Vázquez insiste en que la ética socialista a construir no puede derivarse de meros fines utilitarios, egoístas, o privilegiando cualquier medio en el cumplimiento de un cierto fin (aun el de la revolución). En este sentido, la posición de nuestro autor en lo relativo al acto moral consiste en que éste debe de circunscribirse hacia el bien que ofrezca una transformación a favor de su comunidad y su historia. De ahí que tanto la responsabilidad como de la libertad posean un papel imperativo en este proceso. La célebre obra titulada Ética (1968), es el resultado de este periodo. Dentro de estas inquietudes se publicó su obra Del socialismo científico al socialismo utópico (1971), destacando el sentido de la apertura hacia el futuro por construir y la función orientadora de las utopías en la marcha hacia una nueva humanidad.

A partir de estas lecturas no dogmáticas y críticas de Marx, nuestro autor descubrió una de las categorías que, a su juicio, representa de manera esencial el pensamiento filosófico, económico y político del fundador del marxismo. La categoría es la praxis; entendida como actividad, trabajo, transformación (Veränderung), no solamente de lo real, sino del mismo ser humano. En la madurez de su vida intelectual, el desarrollo de estas ideas se reflejaría en la publicación tan reconocida del exiliado español, a saber: Filosofía de la praxis (1967). El fin de la obra mencionada, en la opinión del autor, es “determinar la naturaleza y función de los distintos aspectos del marxismo como crítica, proyecto de emancipación, conocimiento y vinculación con la práctica”.

En todas sus etapas, el filósofo Adolfo Sánchez Vázquez expresó el acercamiento libre y renovador sobre pensamiento de Karl Marx y del marxismo en general. También mnifestó el valor fundamental del filosofar como pensamiento vivo, riguroso, crítico y transformador del mundo. Actitud comprometida que lo acompañó de forma infatigable en sus escritos así como en su vida. Trayectoria encaminada hacia un nuevo socialismo. Declaró Sánchez Vázquez sobre el tema en una entrevista: “muchas verdades se han venido a tierra; ciertos objetivos no han resistido el contraste con la realidad y algunas esperanzas se han desvanecido. Y, sin embargo, hoy estoy más convencido que nunca de que el socialismo –vinculado con esas verdades y con esos objetivos y esperanzas– sigue siendo una alternativa necesaria, deseable y posible”. Trayectoria insigne que se culminó en sus 95 años de vida.

Entre otros importantes premios y distinciones, podemos citar: el nombramiento como doctor honoris causa por las universidades de Puebla, Nuevo León, Guadalajara, Cádiz, Universidad Nacional de Educación a Distancia de Madrid, Universidad Complutense de Madrid, Buenos Aires, y La Habana. Ha recibido la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio, el Premio Universidad Nacional en el área de investigación en Humanidades de la UNAM, el Premio Nacional de Ciencias y Artes, Historia, Filosofía y Ciencias Sociales, el Premio María Zambrano de la Junta de Andalucía y la Gran Cruz de la Orden del Mérito Civil, otorgada por el gobierno de España.

Fue sin duda alguna una de las más importantes figuras del marxismo internacional durante la segunda mitad del Siglo XX y de inicios del Siglo XXI. Exiliado político en México a la edad de 24 años durante la Guerra Civil Española a finales de 1930, formó parte del primer grupo de refugiados españoles que llegaran en el barco Sinaia, respondiendo a la intercesión que a la sazón era el General Lázaro Cárdenas, presidente de México. Frente a su nueva condición, Sánchez Vázquez declararía más tarde: “el exiliado vive siempre escindido: de los suyos, de su tierra, de su pasado”. Se le ha considerado como uno de los exiguos teóricos que influyó notablemente, por el vigor de su original y heterodoxa obra, una renovación del marxismo “realmente existente” (o del marxismo dogmático de la ex Unión Soviética), que consistió en la tarea de construir un proyecto de socialismo humanista, crítico y democrático, según lo ha indicado Jesús Ramírez Cuevas.

RL

(Mex)El célebre compositor británico Michael Nyman estará presente en fechas próximas en distintos recintos de la UNAM mostrando, además de su faceta como compositor e intérprete, otras menos conocidas en el campo del cine y la fotografía.

Conocido principalmente por su obra de musicalización para el cine en filmes como Wonderland, Gattaca, The End of the Affair y The Piano, Nyman ofrecerá dos conciertos en la Sala Nezahualcóyotl donde será intérprete de composiciones propias. Michael Nyman recordó en rueda de prensa que estuvo presente en este mismo recinto hace quince años con la Michael Nyman Band; en esta ocasión será distinto pues se presentará solo al piano. La primera presentación será el viernes 10 de junio a las 20:30 horas (las localidades para esta fecha ya están agotadas); la segunda será el domingo 12 de junio a las 19:00 horas.

Antes del recital del viernes, a las 17:00 horas, Nyman presentará  en el auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) una selección de once videos de su autoría: No Bull; Berlin Lobbyists; Love Train; Tieman; Slow Walkers; Horizons; Ice Tango; Morra; A Question of Balance; Searching for Bacon y Witness I. Después de la proyección habrá una charla con el maestro Michael Nyman donde hablará de su trabajo como autor de video. Esta misma selección se volverá a presentar el sábado 11 de junio a las 12:30 horas en el mismo auditorio.

Nyman también estará presente en el Museo Universitario del Chopo con el proyecto Cine Ópera. Se trata de una muestra integrada por 48 fotografías y una película de 20 minutos realizadas por el polifacético artista. El proyecto tiene por tema el Cine Ópera de la Ciudad de México, ubicado frente a Santa María la Ribera y que es un símbolo de la época de oro del cine mexicano. “Un amigo que me estaba paseando por la Ciudad de México me llevó a conocerlo y logró conseguir que entráramos. Quedé impresionado por su belleza y por la tragedia de su deterioro”, dijo Nyman. La película está editada sobre una nueva versión del Cuarteto de cuerdas No. 3 compuesto por él mismo. La muestra se inaugurará el 24 de agosto en el Museo Universitario del Chopo.

Se anunció asímismo que se presentará también en la UNAM en el mes de noviembre el Concierto para flauta de Michael Nyman.

RL

(Mex) Producido por Teatro UNAM  y dirigida por Iona Weissberg, llega una vez más a los escenarios mexicanos la obra El amante de Harold Pinter en esta ocasión interpretada por Marina de Tavira y Antonio Rojas en el Teatro Santa Catarina en Coyoacán.

El amante es uno de los trabajos más célebres del dramaturgo británico y premio nobel  (2005) Harold Pinter y fue presentada por primera vez en 1963. A partir de ahí la obra ha adquirido vida propia y se ha convertido en un clásico del teatro contemporáneo, presentada en frecuentes ocasiones en el teatro de nuestro país.

La obra narra la vida de un matrimonio que enfrenta el tedio de la relación monogámica a través de un singular adulterio consensuado. Es así que el público descubre cómo los protagonistas platican sin mayores pudores acerca de sus respectivas relaciones extramaritales, cuestión que a lo largo de la trama los lleva a las recriminaciones disfrazadas, los celos enmascarados e incluso a la prohibición expresa de seguir frecuentando al amante en turno en el propio lecho marital.

La propuesta de Weissberg en este montaje acentúa las situaciones absurdas y echa mano de los momentos cómicos al estilo de las películas de principio de siglo. Se debe reconocer una actuación comprometida y arriesgada por parte de los protagonistas, Tavira y Rojas, que en alguna escena recurren al desnudo completo,  aunque algunos de los elementos propuestos de Weissberg restan unidad y armonía a la obra y a las actuaciones, por ejemplo, la decoración del escenario al estilo contemporáneo, que no concuerda con la música de película cómica en blanco y negro ni con el espíritu absurdo de distintos cuadros escénicos.

Pero a pesar de los pequeños detalles que resultaron desafortunados, el público  encuentra en El amante una obra divertida, bien actuada y con un final que hace sonreír y aplaudir la genialidad de Pinter.

El amante se presenta esta temporada en el teatro Santa Catarina hasta el 3 de julio de 2011 en un horario de jueves y viernes 20:30 hrs., sábados 19:00 y 20:30 y domingos 18:00hrs.

Su gorra verde, su camisa de cuadros, sus “patas de gallo” (fieles reflejos del tiempo; de sus marcas), y su mirada afable, fueron testigos de una atmósfera diferente en Ciudad Universitaria.

Durante ocho días, entre febrero y marzo del año en curso, caminar por los recintos del Centro Cultural Universitario (CCU) del alma máter del país significó perderse en un mundo donde confluían senderos tapizados con rollos de película de 35 mm y cielos bordados con telones rojos. En ese contexto, cualquier persona podía transitar del escenario teatral al set cinematográfico para después mutar en un personaje del teatro físico que abandona su papel para concluir su día como protagonista de un filme del cineasta francés Ossang. De manera clara, en esa coyuntura, el tiempo y el espacio no fueron lugares de desencuentro para dos artes acostumbradas a renacer y morir entre la luz, la sombra, el sonido y el silencio.

Aunque la transformación efímera en el ambiente del CCU de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) parecía obra de la pluma de un dramaturgo omnipotente o de la alquimia de un realizador cuya cámara guarda poderes ocultos, él se mantuvo sereno.

La magia y la divinidad poco tuvieron que ver en que el CCU se convirtiera en un espacio de festividad, de análisis y de reflexión del cine y el arte teatral; fue gracias a los esfuerzos conjuntos del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) y de la Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro, que la zona dedicada para las manifestaciones artísticas de la Universidad Nacional se percibiera como un lugar mágico repleto de ensueños fílmicos e ilusiones teatrales.

Cuando él se dirigía para aportar su experiencia en dicha celebración, ya otras personalidades lo habían hecho: Apichatpong  Weerasethakul, Artavazd Peleshyan, Sergei Dvortsevoy, Kelly Reichardt… Su sonrisa complementaría el cúmulo de sonrisas de distintos países y continentes congregadas ahí. El lugar de su entrada en escena; la Mesa de reflexión: Encuentros y desencuentros del cine y el teatro en México, de la Cátedra Bergman.

Sentado a la derecha del escenógrafo mexicano Alejandro Luna, escuchaba con atención las palabras de la escritora Beatriz Novaro. Cuando ella expresó: “Los personajes del cine nos dicen quiénes son a través de su mirada”, se dejaron ver entre los resquicios de las pupilas de él, las siluetas fugaces de dos viejos conocidos. Primero se mostró “José Luis”, hombre elegante, hábil para los negocios sucios, que en “El callejón de los milagros” (Jorge Fons, 1995), pudo seducir a la bella “Alma” (Salma Hayek). Luego de la aparición de “José Luis”, se observó la llegada de “Nicolás Estrella”, galán insulso de “Profundo carmesí” (Arturo Ripstein, 1996), que con su falsa sonrisa y bisoñé conquistaba a las mujeres solitarias para después matarlas. Ellos dos fueron llamaradas volátiles de un ayer con vida, que al igual que las palabras de Novaro, desaparecieron.

Reflexiones como: “El cine y el teatro son lenguajes distintos, pero comparten un mismo objetivo; contar historias”; “El cine actual gira en torno al realismo; hoy la ficción puede acerarse más a la realidad que un documental”; “En el teatro el intercambio con el público es algo que, como actor, es muy difícil de renunciar”, y  ”El teatro es un lujo y es por eso que va a sobrevivir por mucho tiempo”, brotaron de la boca del actor de 50 años, cuyo nombre, Daniel Giménez Cacho,  no responde a la totalidad de lo que es: la suma de todos los personajes que ha interpretado (ya que como afirma: “El teatro es una expresión de lo que somos”).

La intervención de Cacho en la Mesa fue concreta. Al igual que los directores Ignacio Ortiz y Mario Espinosa, el también dirigido por Pedro Almodóvar, “La mala educación” (2004), convino en que el primer punto de desencuentro entre el cine y el teatro es el actor; pese a eso, señaló que en ambas disciplinas “el actor debe tener la posibilidad de entrar en conflicto con el director”.

Opiniones diversas respecto al quehacer cinematográfico y teatral se vertieron en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCU en el contexto de la Cátedra Bergman, sin embargo, ninguna de ellas fue tan contundente y divertida como la arrojada por los labios de Alejandro Luna: “Lo único que tiene que ver en cine y teatro son las butacas”. Ante tales palabras, Giménez Cacho no tuvo otra opción más que la de reír.  De esa forma, en un ambiente ameno, el catapultado como actor por “La invención de cronos” (Guillermo del Toro, 1992), concluyó su participación en la fiesta cinematográfica y del arte escénico de la UNAM.

Minutos antes de abandonar el recinto, atrapado entre el vino y los canapés ofrecidos en el vestíbulo del Foro Sor Juana, una voz detuvo el andar de Cacho:

Rama: Oye Daniel, perdona que te moleste, ¿te podría hacer unas cuantas preguntas?

Daniel Giménez Cacho: Disculpa mano, pero llevo prisa. Si quieres te dejo mi correo electrónico para que por ahí me hagas las preguntas.

Rama: Me parece bien. (A su colaborador) Alan, porfas, apunta el correo, creo que no traigo donde anotarlo.

Alan: Sí carnal… jimenezca…

Daniel Giménez Cacho: Giménez con g. ¿Les urge mucho la entrevista?

Rama: Pues sí, un poco. En realidad es algo muy rápido. ¿Crees que sí te la podemos hacer ahorita?

Daniel Giménez Cacho: Bueno, está bien.

En ese instante Alan tomó un sorbo de vino y los ojos de Rama no disimularon la alegría:

Rama: ¡Muchas gracias Daniel! Para comenzar, ¿qué opinas de los actores que no se arriesgan en los proyectos que eligen; de aquellos que para actuar buscan un lugar cómodo?

Daniel Giménez Cacho: Creo que el arte debe ser un lugar de experimentación, de comunicación, de búsqueda, y si no se hace eso a mí sí me resulta muy aburrido… y como actor no te desarrollas; lo peor que también creo es que como actor si no avanzas retrocedes definitivamente.

Rama: Claro. En ese sentido, ¿te consideras un actor arriesgado?

Daniel Giménez Cacho: Pues trato, sí, de hacer cosas que no haya hecho; trabajos que representen un reto. Trato de que cada noche suceda algo nuevo que me haga tener muchas ganas de ir a actuar en esa ocasión, y no ir a repetir algo que sucede todo el tiempo.

Varios jóvenes con el celular en la mano, esperaban ansiosos que el protagonista de “La zona” (Rodrigo Plá, 2007), terminara la entrevista para poder saludarlo y tomarse una foto con él; mientras tanto, Cacho mencionaba que su motor para actuar radica en la magia que se desprende del instante teatral, de la manera mística en que circula el tiempo dentro del escenario.

Rama: ¿Podrías vivir sin actuar?

Daniel Giménez Cacho: ¡Sí! ¡Y hasta sin dos pies! (risas sinceras de los tres involucrados).

Mientras las risas fluían, la Secretaria Técnica de Programación y Asuntos Internacionales de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, Julieta Giménez Cacho, intervino en la plática-entrevista para ofrecerle una copa de vino a su hermano. En ese momento, Alan tosió como señal para apresurar las preguntas:

Rama: Daniel, podrías decirnos cuál es tu opinión acerca de la necesidad del público de contar con  ídolos a los cuales seguir, imitar, en los cuales creer…

Daniel Giménez Cacho: Es muy extraña esa necesidad. En México, en todos los ámbitos, esperamos que venga alguien a salvarnos. Es todo un fenómeno que yo me doy cuenta que no depende de uno, es decir, a mí me puede tocar en un cierto momento, pero no depende de mí; yo soy como una especie de vehículo social y pasa a través de mí. Es algo más grande… Y ese es el problema con la vanidad, uno cree: “Ay, yo soy bien chingón y en este momento todo mundo me adora”, y no, es una cosa que está pasando a través de ti y tú coincidiste en ese momento; si no estuvieras tú, estaría otro, estaría cualquiera. Es una necesidad social que la verdad es digna de estudiarse.

El tiempo de la entrevista estaba por consumirse, sin embargo, el galardonado repetidas veces con el Premio Ariel, alcanzó a mencionar que el teatro y el cine en México presentarán un crecimiento siempre y cuando se amplíe su producción; “habrá lugares para todos, para actores reconocidos y no reconocidos, si se aumentan los espacios de trabajo, si se produce en todos los niveles, ya sea teatro experimental, chico, mediano o grande, o cine comercial”.

Como despedida Giménez Cacho dijo: “Me encanta que haya mucha convocatoria de jóvenes que les interesa seguir reflexionando y discutiendo… Eventos como FICUNAM o como la Cátedra Bergman deben seguir haciéndose año con año… faltan muchas cosas por hacer, está muy abandonado todo este sector ¿no?, como le dicen los políticos: el subsector cultural”; después de reír con su último comentario, el histrión se marchó llevándose consigo los ensueños e ilusiones que durante una semana (y fracción) hicieron de la UNAM la metrópoli del cine y del teatro. La función había concluido.

“El pasado es un prólogo” William Shakespeare

AM/RL

Carlos Montemayor era “un  intelectual exquisito que se preocupaba de la estética de las escrituras antiguas, al paso del tiempo se comprometió con las cuestiones sociales”. Asimismo, mantuvo el lazo con la poesía griega. Ejemplo de ello es su participación en Asociación Mexicana de Estudios Clásicos, señaló Álvarez Salas.

La Antología de la Poesía Griega del Siglo XX —que junto con Rigas Kappatos llevó a cabo el autor de Chiapas, la rebelión indígena de México— es un modelo claro de su vínculo con la poesía griega. Este libro, de acuerdo con Salas, muestra más de tres milenios de historia griega: invasión turca, guerras mundiales, enfrentamientos políticos; y de literatura griega, concretamente la poesía.

La antología se publicó con apoyo de la editorial Pontificia Universidad Católica del Perú (PUC) . Reúne más de 30 poetas entre ellos los reconocidos Cavafis, Seferis y Elytis. Los dos últimos de genio griego, especialmente poético, galardonados por el Premio Nobel 1963 y 1979, respectivamente.

 Todos los autores son apreciados como reflejo de la cosmogonía del idioma griego. Los autores se relacionan para formar unidad, gracias a su línea “social” cercana al marxismo.

Montemayor trató la evolución del idioma griego y sus dialectos desde la antigüedad clásica. Su trayectoria tenía continuidad, como personaje de las letras, de la política, incluso de la música —pues se desarrolló como tenor— y más amplio todavía, de la sociedad mexicana.

AM/RL

(Mex) El poemario La Nada Sagrada del ecuatoriano Iván Oñate fue presentado en la Feria de Mineria en una nueva edición con algunos cambios nacidos “antes de la vida misma que de necesidades editoriales”. “La poesía no puede cambiar ninguna estructura social, ni la vida misma. Pero cambia algo más profundo: Al ser”, refirió el también académico.

“Quien ama más de una vez / También / Morirá muchas veces…”, escribió Iván Oñate en 1998. Y el poeta, nacido en Ecuador, residente en México y radicado en la lengua española, parece haber muerto una y otra vez, gozosa víctima de múltiples amores simultáneos: A la música, a la semiótica, a la narrativa, a la nostalgia, al cine de Elia Kazan, al cine de tantos otros, a la memoria. También a la poesía, por cierto. Cada uno de estos amores (o de estas muertes) fueron la semilla de La Nada Sagrada, poemario publicado en 1998 y reeditado con algunos cambios en 2010, aunque por necesidades más vitales que editoriales. La nueva edición, a cargo de Mayor Books dentro de la serie Ómnibus Poesía, fue presentada hoy durante la segunda jornada de actividades de la XXXII Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería.

Aunque decir que el volumen fue presentado tiene algo de injusto. “Compartido” es un verbo más adecuado para la charla que Oñate, acompañado del poeta chileno Mario Meléndez y del mexicano Marco Antonio Campos, brindó a un público mayoritariamente joven en el Salón Manuel Tolsá del recinto universitario. Mediante la lectura de poemas directamente de su autor y de comentarios sobre su obra por parte de sus acompañantes, Oñate repasó el cuerpo estructural del poemario que consta de siete partes y, en esta edición, un epílogo que ofrece una acercamiento íntimo y anecdótico a las razones de su segundo nacimiento.

El delicado sonido de una nueva edición

Una tarde, en los pasillos de la Facultad de Quito (donde Oñate imparte cátedra de semiótica y literatura hispánica), el escritor fue visitado por muchachos que integraban una banda de rock homónima a un disco de Pink Floyd, El delicado sonido del trueno. Su vocalista, Paulina Massiel, había muerto de forma trágica. Antes de eso, la joven cantante paseó por varias semanas con La Nada Sagrada bajo el brazo y musicalizó uno de sus poemas. Después de escuchar la grabación “con la potencia de la muerte intensa y joven de una Janis Joplin” Oñate quedó prendado de la historia: Era momento de reeditar La Nada Sagrada con una dedicatoria particular a la artista fallecida e inyectarle nuevos destinatarios a aquellos poemas escritos 12 años antes.

La Nada Sagrada evoca varias presencias. Una es Malcolm Lowry, inspiración de una de las secciones del poemario (Oscuro como la tumba de Lowry) y autor del epígrafe que abre el volumen. El otro invitado es el cineasta griego afincado en EUA, Elia Kazan. Clásicos de su filmografía como Un tranvía llamado deseo, Esplendor en la hierba o Al este del Edén son también títulos de poemas contenidos en el volumen. Otros poemas incluidos y leídos durante la presentación en el recinto de Tacuba fueron “Catarsis del poeta”,“Capilla Sixtina” y “Biografía apócrifa de Borges” (El argentino ha sido una de las presencias constantes y definitivas en la concepción poética de Oñate).

“¿Por qué la nada como eje (del poemario)?” inquirió una joven escucha al finalizar la lectura de poemas. “Uno no dice nunca que va a escribir cómo si estuviera enamorado, porque lo que salga va ser falso. Horrible. Uno se enamora y desde ahí escribe(…)yo no elijo escribir poesía en el sentido en que yo no elijo los temas. Un tema, como la nada, termina eligiéndome a mi en un momento”, refirió el poeta que se confesó “obsesivo” de la estructura en prosa y la lógica narrativa, pero no en la poesía. “Escribiendo en prosa sé muy bien de donde parto y a dónde quiero llegar. En poesía no.”

¿Cómo encontró entonces la nada a Oñate? Muy fácil: “Porque somos nada y hacia la nada nos dirigimos. Somos nada surgida de la nada. Y el ser no es nada más que el estremecimiento de la nada.” Para eso está Oñate. Para dejar constancia escrita de que la nada existe. Y de que es sagrada.

AM/RL